La mise en scène de Stéphane Cottin est au service d'une histoire très romantique que l'on pense appartenir à la littérature ... alors qu'elle fut bien réelle.

C'est d'ailleurs en voyant Bérengère Dautun interpréter la Comtesse de Ségur que Claude-Alain Planchon lui a suggéré de réfléchir à l'adaptation du livre qu'il avait publié en septembre 2014 chez Jacques Flamant éditions.

La rencontre entre le diable délicat (Claude-Alain) et la dame céleste (Gilberte) s'est produite en décembre 1982. Il a 34 ans, elle en a 70. Il est jeune médecin, elle est une figure incontournable du monde de la danse. Leurs mains se frôlent lors d’une soirée de gala à l’opéra Garnier... De cette imprévisible rencontre naîtra un amour singulier, absolu et merveilleux. Hors des sentiers battus de l’existence, un tourbillon de grâce, de beauté et de poésie emportera ces deux âmes sœurs, par delà les épreuves de la vie et de la mort.

Pour symboliser cet amour démesuré il fallait que la scène soit occupée par quelque chose de magistral. C'est une très bonne idée d'avoir pensé à des video-projections sur de grandes voiles qui, au début de la représentation, suggèrent avec simplicité et élégance, l'atmosphère d'une salle d'opéra.

Quatre chaises de velours rouge suffiront pour compléter le décor. Le metteur en scène a écarté le canapé bleu dont la mention revient régulièrement et il a eu raison. Il n'était pas nécessaire de souligner le texte à ce point. Par contre d'immenses portraits de Gilberte et de Claude-Alain s'afficheront à la fin, pour convaincre peut-être les sceptiques que cette folle histoire a bien été réelle. Elles sont en noir et blanc, pour rappeler aussi que l'épisode appartient à un passé très différent du contexte actuel. Cette histoire, qui n'a rien de banal, serait néanmoins plus facilement envisageable aujourd'hui.

Mais nous sommes en hiver 1983, à l'Opéra de Paris, le soir de la création mondiale de la dernière oeuvre d'Olivier Messiaen, Saint François d'Assise, un opéra en trois actes, d'une durée de quatre heures, pour solistes, cent cinquante choristes, et grand orchestre, sous la direction de Seiji Ozawa.

Gilberte (Bérengère Dautun) pénètre dans sa loge pour s'installer. Elle est somptueusement vêtue, comme pouvait l'être en toutes circonstances le personnage qu'elle incarne. Claude-Alain (Alexis Béret) s'assoit derrière elle. L'ambiance est immédiatement électrique. Elle le taquinera vite à propos de son statut marital car il n'est pas encore divorcé.

Ces deux là ont la même sensibilité et ils sont réuni curieusement par la médecine et par l'écriture. Il est spécialiste d'imagerie médicale à l'hôpital américain de Neuilly. Le mari de Gilberte était un grand médecin. Il est écrivain et journaliste scientifique. Elle est critique de spectacles de danse et ses avis faisaient autorité.

Ce spectacle est indirectement un hommage à la personnalité parisienne extraordinaire et hors normes de Gilberte Cournand qui consacra sa vie à la danse, s'intéressant à toutes les formes, classiques comme contemporaines. Elle ouvrit place Dauphine en 1951 une librairie-galerie qu'elle appela La danse et où se pressaient des amateurs du monde entier. Sa collection a été léguée au Centre national de la Danse de Pantin où une salle porte d'ailleurs son nom.

Bérengère Dautun est magnifique et excelle dans ce type de rôle. Elle est somptueusement habillée par Chouchane Abello-Tcherpachian. C'est un vrai plaisir de la voir l'endosser. Les deux comédiens ont l'âge de leurs personnages. Ce sont quasiment leur double et c'est un atout supplémentaire. Leur fougue et le tumulte qui est suggéré pourraient nous faire oublier qu'on est au théâtre. Et les très belles lumières de Marie-Hélène Pinon les enveloppe harmonieusement.

Cependant je ne suis pas très à l'aise pour approfondir le sujet parce qu'il s'agit précisément d'une histoire fondée sur ce qu'ont vécu des personnes réelles et cela impose le respect. Il aurait été impensable, de toute évidence, de s'éloigner du livre pour ajouter un peu de fiction. Je pense néanmoins que la soirée y aurait gagné, dramatiquement parlant, notamment en allant plus loin dans les sentiments de jalousie que semble avoir éprouvé Gilberte à l'égard d'un homme qui n'a peut être pas totalement répondu à l'ampleur de ses émotions amoureuses et qui craignait de passer pour le gigolo de service.

Il lui offre des roses blanches accompagnées d'un seul mot, tendrement. Elle le surnomme mon diable délicat. Quelle a dû être sa douleur lorsqu'elle apprit qu'il était tombé amoureux de Juliette, une femme plus jeune qu'elle, danseuse de surcroit. L'épisode est à peine effleuré, balayé par l'annonce du cancer qui terrasse le médecin, récemment diplômé en cancérologie, et qui se pensait invulnérable.

Ils ne se séparent pas pour autant et s'écrivent abondamment. De très beaux échanges émergent des vingt ans qu'ils ont en quelque sorte partagés, que l'on doit surtout à cette femme si sensible et réaliste : Vous pourrez toujours vivre sans moi mais moi pas / Le pur amour nous dépasse / La vie est magique tant que c'est l'amour qui la consume / Ce que nous avons vécu est unique, quand je partirai je vous emporterai dans l'éternité.

La fin du spectacle dégage une profonde mélancolie. La voix de la comédienne s'accélère quand elle doit se séparer de sa librairie galerie. On devine que le temps lui est compté. Mais, très judicieusement, l'optimisme et la détermination ne quittent pas le personnage qui, dans une ultime pirouette affirme : Là où je vais, je vous emporte avec moi !

Bérengère a eu bien raison de s'emparer de cette histoire qu'elle porte superbement. J'ignore qui d'elle ou de Stéphane Cottin a pensé à Alexis Néret mais il est l'homme qui convenait.


Après Tendresse à quai et le Lauréat ... je me demande si ce metteur en scène s'attellera une fois de plus à une histoire d'amour transgénérationnelle.

Marie-Charlotte Leclaire se présente pour auditionner le rôle de Dalida, et même si son interprétation de Gigi l'amoroso est d'un grand comique elle ne réussira pas à convaincre le metteur en scène (Cyril Romoli le soir de ma venue) qui cependant va l'engager, en raison de sa ressemblance avec ... Mireille.

C'est le point de départ de ce spectacle musical fort réussi parce qu'il est joyeux, imaginatif, et ... instructif. On apprend beaucoup de choses de la vie de cette petite bonne femme, petite en taille, immense en talent. Discrète et pourtant au tempérament extrêmement volontaire.

On remonte au siècle dernier et c'est cependant frais, joyeux, humoristique. En sortant de la salle on se dit que c'est bien étrange que Hervé Devolder (Molière 2019 pour la comédie musicale Chance !) n'ait pas pensé plus tôt à rendre cet hommage à celle qui a inventé la chanson de variétés française moderne.

Le trio nous montre à la fois la quantité de travail qu'il faut accepter de consacrer pour faire carrière et la difficulté de la création mais sans occulter les joies qu'elle procure. Et je voudrais sans tarder mentionner Adrien Biry-Vicente qui passe d'un personnage à l'autre avec un talent inouï et qui sera, je l'espère, récompensé à la prochaine soirée des Trophées de la Comédie musicale. Pour n'en citer qu'une, son incarnation de Françoise Hardy chantant Tous les garçons et les filles est simplement prodigieuse.

Quelle chance (pour nous) que Mireille ait eu de trop petites mains pour faire une carrière de pianiste car si elle joue plutôt bien du piano, il était inenvisageable d'espérer devenir soliste en ne pouvant pas réaliser un arpège d'une main. Elle devient donc comédienne à l'Odéon sans parvenir néanmoins à s'empêcher de jouer et de composer.

La voyant constamment au piano, Claude Dauphin, qui était alors régisseur décors, a l'idée de la présenter à son frère Jean Nohain, qui écrivait des textes, en utilisant un subterfuge pour piéger les deux protagonistes. Leur complicité ne faiblira pas. Ils se stimuleront l'un l'autre pour donner naissance à des tubes avec une inspiration nourrie du quotidien avec parfois un peu d'impertinence comme dans Papa n'a pas voulu (1961) qui laisse croire que "les enfants obéissants font tout ce que veulent leurs parents". Ils ont traversé les années sans se flétrir comme Couchés dans le foin ... dont le spectacle nous dévoile la création.

Mireille imaginait aussi des musiques publicitaires pour l'automobile (Renault, Citroën), des génériques pour la télévision (Colargol). Mais surtout le duo Nohain-Mireille composera pour Henri Salvador, Yves Montand (Une demoiselle sur une balançoire), Charles Trenet (C'est un jardinier qui boite). Même Brassens débutera sur leurs chansons.

On doit beaucoup à Mireille. C'est elle qui a introduit le swing dans la chanson française. Elle a tourné avec Buster Keaton et inventé probablement le feuilleton radiophonique. C'est pour Couchés dans le foin (musique de Mireille, texte de Jean Nohain) chanté alors par le duo Pills et Tabet que le peintre André Girard qui travaillait pour la Columbia (et dont une des filles s'illustrera au cinéma sous le nom de Danièle Delorme), réalisa la première pochette de disque illustrée, par une aquarelle. Jusque là on se contentait d'emballer les disques dans des pochettes en carton avec dessus le logo de la compagnie discographique qui éditait l'album. Mireille avait du flair en promettant que l'étui en carton cartonnera.

Elle imaginera, assez tardivement, le Petit Conservatoire, sorte de préfiguration de The Voice qui révèlera Michel Berger, Françoise Hardy, Pierre Vassiliu, Hervé Christiani, "le petit" Souchon (dont elle exigera qu'il chante ses productions au lieu de se satisfaire des reprises des autres), Yves Duteil ... et tant d'autres.

Ses poulains sont ses enfants. Elle les guide avec affection, mais fermeté, avec son complice Robert Valentino au piano. Aucune familiarité n'est permise. Pas question d'oublier de l'appeler madame. Mais la tendresse se lit sur son visage attentif.

Ce spectacle très documenté nous fait revivre des moments d'anthologie. On pardonnera quelques accommodements avec la réalité. Si sa mère avait une voix d'opéra, il n'empêche qu'elle était ouvrière et que son père était couvreur. On est loin d'une famille d'artistes comme on nous le présente sur la scène, même si elle fut la nièce de Charly King, inventeur des claquettes qu'il fait connaitre en France.

Sa rencontre avec Emmanuel Berl, qu'elle appellera toute sa vie Théodore, est savoureuse. Intuitivement gentille et pourtant d'ironie pouvant être mordante, la jeune femme pensait ne supporter cet homme que 10 minutes. Il a déployé des trésors d'imagination pour la séduire, l'invitant au Ritz, lui faisant connaitre Colette (qui lui trouvera sa coiffure), André Malraux, Sacha Guitry.

En la demandant en mariage par journal interposé, ces deux là ont en quelque sorte inventé la presse à sensation. Elle lui dit oui le 26 octobre 1937 et leur chemin se déroulera heureux pendant pendant 40 ans, mais en respectant toujours leurs territoires respectifs de création, littéraire pour lui, musical pour elle. Mireille avait posé ses limites, en faisant installer un feu entre leurs deux appartements, qu'elle seule pouvait actionner. Le rouge imposait qu'il reste chez lui. Au vert il avait le droit d'entrer. Les fenêtres de leur appartement de la rue Montpensier donnaient sur le Palais Royal et c'est en toute justice que la place voisine porte aujourd'hui le nom de Mireille.

La musicienne a quitté en 1996 le petit chemin qui sentait la noisette pour rejoindre le grand amour de sa vie au Montparnasse. Sur leur tombe une simple plaque "Avec le soleil pour témoin". Elle avait 90 ans.

Les trois comédiens sont autant savoureux dans le jeu que dans le chant. Marie-Charlotte Leclaire est l'interprète idéale. Elle s'est glissée avec un naturel stupéfiant dans le costume de Mireille et il se dégage d'elle un soupçon de gouaille qui évoque Arletty. Ses deux partenaires lui renvoient la balle avec pertinence et entrain. Le spectacle ne connait aucun temps mort. Les lumières de Denis Koransky sont très précises et efficaces. Et comme à son habitude Jean-Daniel Vuillermoz a imaginé des costumes de circonstance.

Ce spectacle nous fait re-découvrir avec bonheur des chansons qu'on a fredonnées ... ou pas. J'ai surpris cette réaction dans la salle : je ne connaissais pas Mireille, je suis subjugué.

Opérapiécé s'annonce comme un spectacle d’humour musical.

C'est assez juste mais c'est bien plus que cela parce que les voix d'Aurore Bouston et de Marion Lépine sont stupéfiantes, que la mise en scène de William Mesguich est juste (on ne la remarque pas et pourtant elle est là, ce qui signifie qu'il n'y a pas d'effet superflu), que les costumes de Marie-Caroline Béhue ajoutent une dimension baroque tout à fait appropriée, et que bien entendu l'accordéon est totalement maitrisé par Marion Buisset, à tel point qu'il devient un instrument "moderne".

Je n'aurais pas misé sur ce titre d'Opérapiécé qui m'évoque le bricolage, ni sur l'affiche (même si son auteur a signé celle de la pièce à succès, Edmond). Ces réserves n'ont aucune incidence sur la qualité du spectacle que je recommande aux mélomanes parce qu'ils seront aux anges et jubileront de reconnaitre chacun des 78 compositeurs ayant participé à la bande originale.

Je le conseille tout autant à ceux qui ont peu de connaissance musicales, tant en classique que dans les variétés. Les airs chantés dans Opérapiécé sont écrits sur les thèmes très connus de la musique classique instrumentale : Vivaldi, Grieg, Strauss, Tchaïkovski, Mendelssohn, Debussy, Ravel, Fauré, Albinoni, Schubert, Brahms, Beethoven, Verdi... mais il n'est pas utile d'être féru dans le domaine pour apprécier la soirée. Les interprètes ont le sens de la scène et les compétences pour toucher tous les publics, y compris les enfants. De plus elles vous distribueront la liste des références des musiques et chansons à la fin et vous pourrez tout à loisir les ré-écouter de retour chez vous.

Vous sortirez de cette magnifique salle voutée de l'Essaïon avec la sensation d'avoir respiré de l'oxygène à haute dose, avec l'envie de chanter et de danser ... même si la pluie se met soudain à tomber.

Ce qui est juste c'est que le concert est un bouquet de paroles et de musiques. Chaque tableau est annoncé par un mot composé de lettres, façon Scrabble, sur une cimaise fixée sur la pierre : Opérassedic, Opéramage, Opérappelletoi, Opéramitié, Opéramour ...

L'équipe artistique ne prétend pas donner de leçon. Tout n'est que plaisir et le scénario est simplement un prétexte à construire un exercice de style. La prochaine cérémonie des Molières y gagnerait beaucoup à solliciter ce trio pour égayer intelligemment la soirée. Au moins les organisateurs maitriseraient le discours sur l'intermittence sans que les gilets jaunes aient besoin de complicité pour s'infiltrer sur la scène. Ce serait tellement plus drôle !


Le point de départ du spectacle est la répétition d'une oeuvre que des artistes travaillant sous le régime de l'intermittence (et courant donc le cachet) espèrent voir programmer. Le livret met en scène la rencontre d’une jeune femme conquérante avec un personnage plus mystérieux, animé par des sentiments ambivalents... L'orchestre est réduit à une seule musicienne, ... accordéoniste, qui saura passer d'un registre à un autre avec naturel.

Les grands tubes classiques s'enchainent avec bonheur au registre plus inattendu du répertoire de la variété française. Les paroles sont parfois détournées tout en demeurant à propos, ou en prenant carrément le contrepied. Une mélodie de Françoise Hardy succède à un thème de Ravel. Un air signé William Scheller s’enchaîne au Guillaume Tell de Rossini. Un refrain de Brigitte Fontaine s'accorde avec la 40ème Symphonie de Mozart. Le spectateur va de surprise en surprise. Les airs sont parfois légèrement arrangés, mais une oreille aguerri se réjouira de les reconnaitre, surtout quand ils interfèrent comme un extrait de la comédie musicale Notre Dame de Paris.

Les chanteuses sont très expressives, et quel plaisir de les entendre sans que leurs voix soient amplifiées (ou déformées) par une sonorisation. La direction musicale de Louis Dunoyer (à gauche, à coté de William Mesguich) est à saluer également.


Quand la rigueur musicale s'accorde à ce point avec la créativité et la vitalité on ne peut que souhaiter longue vie à cet opéra d'un genre nouveau. C'est 1 h 15 de bonheur ... bien plus que les 2 minutes 35 promises par Sylvie Vartan en duo avec Carlos.

Je sors du Théâtre de l'Oeuvre où j'ai vu Kean, n'ayant pas été en France à sa création au Théâtre 14 il y a quelques semaines, et j'en suis enchantée à plus d'un titre, comme tout le monde, puisque la représentation s'est clôturée par une ovation debout.

C'est un spectacle très réussi. Ce manifeste en faveur du théâtre a été écrit pour célébrer des comédiens. Je serai heureuse qu'il reçoive un Molière, celui du théâtre public ... alors qu'il est repris dans un théâtre ... privé, ce qui serait la preuve éclatante que cette dichotomie est obsolète (même si les différences de financement existent, je ne les nie pas). Verdict demain soir au cours de la 31ème Nuit des Molières.

Les amateurs de rituels sont servis. On frappe les trois coups avant de lever le rideau. Les décors (de Sophie Jacob) sont modulables et efficaces, mis en place par les comédiens eux-mêmes, ce qui témoigne intelligemment que nous sommes toujours au théâtre et qu'il ne faudrait pas y confondre la fiction avec la réalité comme le faisait ce personnage de Kean qui se comporte dans sa vie comme s'il était encore sur scène.

Le comédien britannique Edmund Kean (1787-1833) fut considéré comme le plus grand acteur au monde au XIX° siècle, un peu à l'instar de Molière avant lui ou de Depardieu après, pour établir des comparaisons qui parleront au plus grand nombre en terme de talent. La pièce a été écrite en 1836 par Alexandre Dumas (le père) pour un acteur de son époque, Frédèrick Lemaître, alors que Jean-Paul Sartre l'adapte pour Pierre Brasseur en 1953.

Depuis, cette pièce n'a cessé d'attirer les plus grands comédiens, comme Jean-Claude Drouot, qui en signait aussi la mise en scène au Théâtre de la Porte Saint-Martin en 1983, et plus récemment Jean-Paul Belmondo. Je ne connais pas beaucoup Alexis Desseaux et après tout j'ai énormément apprécié de voir non pas un "numéro d'acteur" mais un acteur d'abord, c'est-à-dire quelqu'un qui sert son rôle et qui en quelque sorte s'efface derrière lui, et non le contraire comme c'est parfois le cas avec des têtes d'affiche.

La mise en abime est très réussie quand on songe que Alexis Desseaux joue un acteur (Kean) en train de jouer un rôle (celui d'Othello). Il est un Kean saisissant, nerveux, surprenant, parfois fragile et pourtant autant inattendu que peut l'être un Roberto Benigni quand il est au sommet de sa forme. Ce débauché, ivrogne et don juan, insolent de surcroit, deviendra au fil du temps plus homme que comédien.

"Vous veniez ici chaque soir et vous jetiez des bouquets sur la scène en criant bravo. J'avais fini par croire que vous m'aimiez... Mais vous n'aimez que ce qui est faux !" dit-il en faisant allusion à ce que serait la vraie vie. Il sera bouleversant quand il sombrera dans une crise de démence : un acteur n'es pas un homme, c'est un reflet.

Kean l'avait exprimé auparavant à plusieurs reprises : l'acteur est toujours dans le doute d'être encore aimé. Et l'homme également qui, parfois, fait penser à Cyrano de Bergerac : je ne vous attendais plus, mais je vous espérais encore.

Alain Sachs, le metteur en scène, a distribué deux comédiennes de talent pour tenter de le faire succomber (il faut voir la pièce pour connaitre la réponse) Sophie Bouilloux, en comtesse Éléna, épouse de l'ambassadeur du Danemark et Justine Thibaudat, en pétillante Anna Damby, jeune héritière bourgeoise, qui mérite sa nomination dans la catégorie Révélation.

L'une comme l'autre ont des rôles qui évoluent au fil de la soirée. Eléna semble une amoureuse peu impliquée, effrayée d'avoir un penchant pour un comédien, forcément quelqu'un de "très mal", mais elle se révèlera passionnée par la suite. Anna ne cessera de nous étonner. Il ne fait pas de doute que les dialogues ont été écrits pour la surprise des spectateurs et sans nul doute aussi le plaisir des comédiens. Ce n'est pas étonnant qu'ils soient quatre à avoir été remarqués par le jury des Molières.

Sartre a fait preuve de dérision en adaptant Dumas et en prenant le contrepied de ce qu'il dénonce, à savoir que l'ennui avec les auteurs morts c'est qu'ils ne se renouvellent pas (réplique prononcée au tout début de la pièce). Le défi est lancé. La mise en scène appuie autant sur les ressorts tragiques que sur les aspects comiques (je n'avais pas le souvenir que Sartre pouvait être si drôle). Eve Herszfeld nous surprend à chacune de ses apparitions, par son accent, ses mimiques, jusqu'à son art de la roue.

Les roles masculins sont un peu en deçà, sans doute pour ne pas projeter d'ombre sur le Gand Kean. C'est Pierre Benoist qui a le meilleur "second rôle" puisqu'il a la chance d'en cumuler quatre, avec des postures évidemment différentes et des costumes adaptés, tous magnifiques, conçus par Pascale Bordet qui parvient même à faire de la robe de chambre de Kean un vêtement original.

L'ensemble est mené tambour battant avec des rebondissements qui évoquent une trame policière sous les lumières très justes de Muriel Sachs qui parvient à évoquer une ambiance d'église, laissant augurer une justice divine aux turpitudes du personnage.

Il faut enfin saluer aussi les comédiens pour leur qualité à faire entendre le texte, et nous donner envie de le lire ou relire. Sartre y est (aussi) philosophe, il ne pourrait en être autrement. Sa réflexion sur l'orgueil, envers de la honte, est à méditer.

La fonction de l'orgasme est un spectacle vraiment différent de ce qui est en général présenté au théâtre. La création a eu lieu il y a quatre ans et on se demande pourquoi on a attendu si longtemps pour le voir sur une scène parisienne.

Ce qui m'a surprise dans son annonce c'est le sous-titre de "vraie-fausse conférence scientifique" qui semble minimiser le travail accompli, tant du point de vue de la recherche, hyper documentée, de sa justesse (je ne pense pas qu'on puisse mettre quoique ce soit en doute) que sur le plan artistique, en réduisant la performance de la comédienne à une pseudo conférence.

C'est un moment de théâtre, de chant, de danse ... très complet que nous offre le trio composé de Didier Girauldon et Constance Larrieu avec Jonathan Michel.

La comédienne a relaté la genèse du projet au cours d'une rencontre (animée par le psychanalyste, grand amateur de théâtre, David Rofé-Sarfati) après la représentation. Elle voulait travailler sur les pièces de Sarah Kane mais changea d'avis lorsque son professeur de l'ERAC (Ecole Régionale d’Acteurs de Cannes) lui donna le livre de Wilhelm Reich, médecin et psychanalyste, précurseur des thérapies corporelles, élève puis dissident de Freud. Comme elle a eu raison!

Si le livre, paru en 1927 en Allemagne, a été censuré (il sera réédité en Amérique en 1942) la situation n'a pas considérablement évolué puisque la communication du spectacle a été censurée sur Facebook. On peut s'en étonner mais l'orgasme est redevenu un gros mot.

Cet ouvrage a de quoi passionner et Constance y voit très vite un sujet pour le théâtre. Elle va s'y atteler pendant des mois et, suivant la suggestion de Jonathan, filmera régulièrement son ressenti au fil de deux ans de recherche en noir et blanc, sous des angles peu flatteurs, dont on ne sait pas si c'est uniquement par pure maladresse même si elle dit n'avoir aucune compétence en la matière. Le résultat est en tout état de cause ... jouissif et il faut saluer le travail de montage, dont vous aurez un aperçu dans la bande-annonce qui mérite d'être vue, notamment pour l'extrait d'une des nombreuses interventions du Dr Pierre Desvaux. Lui a-t-on dit qu'il a des talents comiques manifestes ?



Le spectacle commence d'ailleurs, et c'est logique, par un morceau de cette vidéo dont la drôlerie détend l'atmosphère.

Intervient ensuite Constance Larrieu, dans un costume d'une couleur saumon très inhabituelle pour une conférencière, qui va nous disséquer les recherches de Reich en prenant la pose sur une estrade aux allures de canapé. Ses mimiques sont fort savoureuses. Le propos est néanmoins sérieux et aborde la composante politique de la sexualité comme on le fait rarement au théâtre.

C'est la première fois qu'elle se livre à un monologue. Sa forme, associant plusieurs médias, rend le spectacle polymorphe, sérieux, intelligent, et jouissif, ce qui est un minimum pour traiter un tel sujet.

La mise en scène est astucieuse, avec par exemple l'emploi de ballons noirs ou blancs qui évoquent les démonstrations que Reich faisaient en public avec des vessies de porc.

Si la comédienne a raison de pointer que les pratiques culinaires se sont améliorées avec la diffusion des épisodes de Top chef on pourrait souhaiter qu'elle ait sa part d'influence (positive) dans les pratiques visant à la recherche du plaisir. La séance de sophrologie orgastique qu'elle nous offre en anglais est un moment grandiose. Et le discours final, brandissant un néon comme un drapeau, est un morceau de bravoure exhortant à lutter pour le droit à une vie sexuelle heureuse.

Impossible de tout dire (et surtout Constance le fait mieux que quiconque) mais on peut déjà on peut déjà la remercier d’avoir lu pour nous le livre du psychanalyste, d'avoir repris et approfondi chaque élément de sa recherche et de l'avoir si bien ... digéré. Voilà un spectacle qui mérite la prescription thérapeutique !