Après presque 3 saisons de triomphe (Lucernaire, Comédie des Champs Elysées, Ranelagh,…), j’ai enfin vu, au théâtre de la Bruyère, le portrait de Dorian Gray et je ne le regrette pas, c’est superbe !

Un pacte diabolique permet à Dorian Gray de garder sa jeunesse et sa fougue alors que son portrait peint par Basil sera seul à subir les affronts du temps.

Le texte d’Oscar Wilde (écrit en 1891) adapté et mis en scène par Thomas le Douarec semble étrangement actuel : la promesse d’être jeune et beau… n’est-ce pas ce que de nombreux magazines nous proposent à longueur d’année ?

Thomas Le Douarec a su saisir le style d’Oscar Wilde et son adaptation est d’une belle fluidité. La mise en scène est parfaite : précise et qui sert le texte, lui donnant de l’ampleur à point nommé. Enfin, il suggère avec réussite les décennies qui passent.

Les comédiens, dont certains jouent en alternance, sont eux aussi un ingrédient de la réussite de cette pièce dont le succès ne se dément pas : Mickaël Winum est un Dorian Gray plus vrai que nature, je suis restée bluffée par son talent. Caroline Devismes, magnifique en chanteuse tout comme en comédienne, elle joue l’ensemble des rôles féminins avec le même professionnalisme. Fabrice Scott est Lord Henry, celui qu’on aime bien détester avec ses phrases pleines de fiel. Gilles Nicoleau est Basil le peintre tourmenté à souhait, on souffre avec lui.

Un petit regret : ne pas avoir vu Thomas Le Douarec dans le rôle de Lord Henry, rôle que je sens taillé pour lui mais qu’il joue en alternance avec d’autres comédiens, une autre fois peut-être.
Je recommande évidemment vivement cette soirée.

On dirait qu'on serait au Théâtre Antoine.
Sur scène, y'aurait qu'à mettre un comptoir en zinc, avec des rangées de bouteilles derrière, et des tables en bois devant.

Un bistrot, quoi !
Avec déjà sur scène une espèce de régisseur et barman à la fois qui s'active devant nous...

Soudain, d'un coup d'un seul, y'aurait un type qui surgirait en trombe du fond de la salle, dans la travée centrale...
Fuyant on ne sait qui, on ne sait quoi...
Se fuyant lui-même ?

Et puis, bon, on se rendrait bien compte que c'est Edouard Baer, qui aurait déserté, abandonné le théâtre voisin où il devait jouer pour se réfugier dans le nôtre, à nous le public...

Et lui de nous dire dans un premier temps le pourquoi du titre de son spectacle...
Les élucubrations, la grâce, un homme...

Un gars qui s'interrogerait sur le courage, la lâcheté, sur les raisons de sa présence, de son existence. Des questions fondamentales, somme toutes

Avec sa voix et son débit reconnaissables entre tous.

Avec sa façon imagée qui n'appartient qu'à lui de dire les mots, avec ses formules très drôles, souvent proches d'un surréalisme totalement délibéré : « Quand vous poussez un caddy à 13h30, vous ne pouvez pas être Malraux à 20h30 ».
Le tout alors que son agent resté dans l'autre théâtre n'arrête pas de l'appeler sur un téléphone qui n'est pas branché.

Et Baer d'engager la conversation avec le régisseur/barman, incarné de façon épatante par Christophe Meynet, qui lui apprend que le décor dans lequel les deux hommes se trouvent va servir à une pièce intitulée « Dernier bar avant la fin du monde ». Peut-être une adaptation scénique du film réalisé par Edgar Wright avec les grands Simon Pegg et Nick Frost. Peut-être une évocation de ce troquet de l'avenue Victoria, dans le 1er arrondissement... Allez savoir...

Et Baer d'enchaîner très subtilement ses mésaventures loufoques, burlesques.
Nous allons énormément rire.
Ce type devant nous, c'est un cousin actuel de Vladimir, d'Estragon, attendant un moderne Godot, s'attendant peut-être lui-même, cherchant un sens à tout ça, une échappatoire, une issue...

Et puis bientôt nous allons comprendre.
Ce spectacle est un prétexte pour le comédien-humoriste-homme de média à nous faire découvrir son panthéon personnel.

Un véritable hommage à ceux qui lui ont fait aimer les mots, les textes, les bouquins. Les mots qui font s'évader, les mots qui permettent de résister, aussi.
Nous allons comprendre comment Malraux et son discours-hommage à Jean Moulin a pu fasciner un petit garçon prénommé Edouard, comment Romain Gary avec son roman « La nuit sera calme » a pu impressionner et marquer à jamais ce môme devenu ado.

Des auteurs également qui ont su poser la question de la connaissance de soi, de la raison ou non d'être, d'exister, qui ont su interroger le libre-arbitre, les choix de vie...
Brassens, Vian, Thomas Bernhard.

Des écrivains qui ont repoussé les limites, aussi, jouant avec leur existence, les excès, les débauches...
Bukowski, notamment...

Plusieurs fois, nous entendrons le quatrième mouvement de la suite N°4 de Haendel, la fameuse sarabande d'Haendel, celle du film Barry Lindon, de Stanley Kubrick. Une autre référence...

Edouard Baer est un grand enfant, qui sous couvert d'un humour ravageur, se livre devant nous.
Son écriture est comme à l'accoutumée fine, précise, acérée, faite de situations désopilantes, avec cette sorte de faux dilettantisme, cette espèce de pseudo regard désabusé sur le monde, qui font le charme de l'homme.

Ce spectacle est unique. Une vraie originalité transpire en permanence tout au long de cette heure et demi.
Nous rions beaucoup, nous sommes également émus par cet artiste, qui derrière l'image d'humoriste, d'amuseur, de guignol public, laisse transparaître un vrai lettré doublé d'un homme d'une très grande sensibilité.

Je vous recommande plus que vivement les élucubrations-prétexte de cet homme-là. La grâce est effectivement au rendez-vous.

Contrairement à d'autres arts, la danse contemporaine se veut moins grand public et moins accessible.

Soit on rentre dans l'univers que propose la chorégraphe ou soit on trouve le temps long en se demandant ce que l'on voit. Et cette fois, je fais partie de la seconde catégorie. Déjà, lorsque je vais voir de la danse, je m'attends bêtement à voir des gens danser. Et c'est là que la néophyte que je suis s'affiche. Pourquoi devrait-il danser ? Après tout, n'existe t'il pas la non-danse dans l'histoire de danse contemporaine?
Alors, voir des gens qui marchent en file indienne au même rythme et s'arrêtent devant un micro, c'est normal. Effectivement, ils changent de rythmes et de positions sur une musique électronique jouée sur le plateau. Parfois sur le fond de scène sont projetées des images en direct des artistes qui sont devant le micro. Puis d'un coup, les choses changent un peu et chacun s'éparpillent.

Une question se pose, à quand de la nudité ? Souvent, cela va avec la danse. Il n'a pas fallu trop attendre qu'un homme se dénude et qu'une caméra fasse un gros plan sur ses parties. Qu'importe, une démarche de sublimation du corps doit se faire derrière même si je ne comprends pas le sens. Mais est-ce que je comprend le sens de quelque chose ? Là est la véritable interrogation.

Je me rassure en me disant que le spectacle ne dure qu'une heure. Je pourrais imaginer un discours sur la critique de la société, le mal-être de l'homme, les interrogations sur son identité et sur le sens de la vie... Et je pense que je ne suis pas trop loin du compte. Mais je n'ai pas adhéré et le temps m'a semblé d'une longueur infinie. Le besoin de prendre l'air se faisait de plus en plus important surtout avec l'augmentation du volume sonore. Quand la lumière revient dans sur le public, la libération est possible.

L'enthousiasme des spectateurs ne se faisant pas trop entendre la sortie se fait plus vite. Ouf retour à la liberté.

Il ira de ville en ville porter la joie de vivre, ils feront des cabrioles, les clowns sont faits pour rire.
Oui, le voilà, oh halte là, le cirque Daguerre est là !

Impossible de se tromper, les musiciens en uniforme à brandebourgs s'installent sur leur petite estrade étoilée, la fumée envahit l'espace, on règle les derniers éclairages, un régisseur visse deux ou trois ampoules, un garçon vient balayer la piste : oui, nous sommes au cirque, le spectacle peut commencer !

Dès la porte de la salle du magnifique Ranelagh franchie, la référence nous saute aux yeux : nous pourrions nous trouver dans un film de Federico Fellini.

Jean-Philippe Daguerre a donc choisi de bousculer Molière. Et il a bien fait.
Les grands auteurs sont faits pour être chahutés, à condition d'en respecter le texte, l'esprit et le propos. Ici, c'est pleinement le cas.

En adaptant le chef d'œuvre de M. Poquelin, le Molière 2018 de l'auteur francophone vivant nous fait partager comme une évidence : le duo Dom Juan-Sganarelle sera le fameux couple clown blanc-Auguste.

Ces deux clowns seront donc à la fois complètement différents et totalement complémentaires.
Les oppositions des deux personnages sautent aux yeux dès les premières minutes.

Teddy Melis sera un incroyable Sganarelle, sautant, virevoltant, fort en gueule, extraverti avec un phénoménal abattage. Sans oublier ses faux airs à la José Garcia.

Simon Larvaron, au contraire, sera un Dom Juan très hiératique, très posé, très calme, par certains côtés glaçant. Il incarne pleinement et très finement ce « sex-addict », ce jeune homme que la passion des femmes perdra.

La vision de Jean-Philippe Daguerre de ce duo indissociable fonctionne à la perfection.
Nous rions beaucoup (il ne faut jamais oublier que cette pièce est une comédie), et nous sommes en permanence sidérés au sens premier du terme par les frasques « amoureuses » du héros.

Vanessa Caihol incarne une émouvante Doña Elvire. La comédienne, également chanteuse et danseuse accomplie mettra au service de la pièce ses multiples talents, nous proposant un personnage de femme à la fois fragile et forte, une femme bafouée mais pleinement consciente des enjeux.

Ce sera un Dom Juan musical. Le compositeur Petr Ruzicka, avec qui Jean-Philippe Daguerre travaille depuis de nombreuses années, a créé une partition qui colle parfaitement à la vision du metteur en scène. J'ai même relevé quelques citations du Don Giovanni mozartien.

Mais ce sera également un Dom Juan « psychanalytique ».
Dans son adaptation, Jean-Philippe Daguerre a osé changer le sexe de celui qui déchaîne sa colère contre le héros.
Dom Luis est devenu Doña Luisa. C'est la figure de la mère et non plus celle du père qui viendra hanter Dom Juan.

Nathalie Kanoui sera cette mère-là. Une implacable dompteuse armée de son fouet. (La scène de la première confrontation est d'une troublante intensité. Le fils maudit devient un animal féroce, prêt à bondir).

Si ça fonctionne ? A la perfection.
Parce que le metteur en scène a osé « penser que c'est ce qu'aurait sans doute fait Molière s'il avait rencontré Freud au XVIIème siècle ».

Toujours dans la même veine, c'est peut-être un détail mais qui moi m'a marqué, à un moment important du spectacle, un projecteur caché à jardin vient frapper de son faisceau un miroir à cour qui renvoie vers le public la lumière. Comme une révélation d'une vérité enfouie, par le biais d'un filtre-révélateur.

Charlotte Ruby (par ailleurs violoncelliste émérite) et Grégoire Bourbier se partagent les autres rôles, avec notamment des accents épatants dans la scène entre Charlotte et Pierrot.

Attention, que l'on ne se méprenne pas : le texte est respecté à la virgule près.
Nous sommes bien dans Molière ! Que l'on ne s'y trompe pas !

On l'aura compris, Jean-Phillippe Daguerre nous propose sa passionnante vision d'un chef-d'œuvre.
Oui, il a pris des risques.
Oui, il a osé assumer des parti-pris de mise en scène qui nous font presque re-découvrir cette pièce.
Cette vision est pleinement au service du génie qu'est Molière.

C'est un spectacle incontournable !

Cyrille Louge et la compagnie Marizibill ont eu la bonne idée d'adapter le roman de Jeanne Benameur, Les Demeurées.

Luce et sa maman sont ces demeurées.
Au sens premier du terme.

Par choix de cette mère qui se cloître avec sa fille dans leur demeure.

Toutes deux vivent recluses. La peur du monde, de l'inconnu, la peur de l'Autre, également.
Cette mère ultra-protectrice, ultra-possessive redoute la perte de sa fille, et s'angoisse à l'idée de la voir devenir autonome.

Elle a banni tout langage, toute communication de leur étrange couple. Exit la parole.

Elles sont donc toutes les deux exclues de la société, et d'une certaine manière, de la normalité.

Un beau jour, une institutrice, désormais professeure des écoles, va sonner à la porte pour chercher Luce et l'emmener dans sa classe.

Luce va donc se retrouver au sein d'un curieux trio. Il va lui falloir choisir entre ces deux modèles, ces deux visions des adultes, ces deux possibles futurs.
Trois facettes d'un même personnage, peut-être.

Cyrille Louge, à partir de ce roman, nous propose un spectacle poétique, onirique, éthéré.

Un spectacle qui repose sur une délicate écriture visuelle, et qui met en parallèle ces trois personnages avec trois figures théâtrales munies de degrés plus ou moins poussés de « marionnetisation ».

La mère sera une marionnette à part entière. L'institutrice sera une comédienne.
Et puis entre les deux une « manipulactrice ».

Une manipulatrice tenant sur son ventre une marionnette. Un être hybride. Luce. Qui n'a pas encore choisi son devenir, son futur.

Ce spectacle relève de la plus grande originalité, avec de magnifiques parti-pris artistiques et formels.

Le lever des deux demeurées, tout d'abord.
Nous voyons un étrange cocon, fait de ces deux êtres.

Mathilde Chabot et Sonia Enquin dansent une étrange et sensuelle chorégraphie, deux corps fusionnels, la mère avec cette tête énorme, et Luce, bicéphale. On ne saisit pas tout du premier coup d'œil. Je me suis demandé ce qu'il se passait devant moi, avant de comprendre.
Ce premier tableau est très beau et donne le ton de ce qui va suivre.

Et puis Sophie Bezard sera Solange l'instit. Elle, elle aura la parole. (Ne serait-ce que pour protester lors des manifestations contre la loi Blanquer, mais ceci est une autre histoire...)

Pour autant, la communication entre elle et sa nouvelle élève n'ira pas de soi.

Il faudra beaucoup de patience, beaucoup de temps pour apprendre à parler, à communiquer, à rompre le silence, et pour rentrer dans le monde de la socialisation.

Un petit morceau de tissu vert nous fera comprendre. Et je n'en dirai pas plus.
Luce verra la lumière. Solange l'avait bien compris. Cette lumière, Luce la portait en elle.

Nous, les spectateurs, petits et grands, sommes complètement conquis.
Cette heure de vraie délicatesse, de grande sensibilité, au service d'un message fort et d'une certaine manière militant, est un véritable enchantement.
Il est de ces spectacles dits pour enfants qui vous prennent au cœur, à l'estomac, aux tripes.

A la sortie du théâtre Paris-Villette, les petits du centre de loisirs de Sarcelles évoquaient avec leurs mots ce qu'ils venaient de voir. Tout comme moi.
Avec leurs mots.
Je peux vous assurer que le message était complètement passé et parfaitement compris !