Avoir vingt ans à Châteauroux, dans les années 70-80.
Vivre avec sa mère institutrice, avoir tiré définitivement un trait sur son père jamais connu, et n'avoir qu'une seule envie, monter à Paris, avec sa guitare.

Telle est l'histoire de la jeune Dominique Blanchard.
Se retrouver du côté de la rue Lepic, dans une petite chambre de bonne, et cotôyer le petit peuple montmartrois.
Prendre également des cours de théâtre avec Jean-Laurent Cochet.

C'est ce qu'elle nous raconte, la Dominique en question, sur le plateau du théâtre Lepic. Dans sa robe rouge à pois, assortie à la cravate (à moins que ce ne soit le contraire) de son pianiste Charles Tois.
Auparavant, avant son entrée, nous aurons entendu un petit medley pianistique, et en off la voix grave et profonde de Richard Bohringer nous dire le premier poème de Bernard Dimey. Le cadre est posé.

Et elle continue de raconter son histoire. Une histoire de rencontre.

Avec un poète. Un grand, très grand poète.

Cette première rencontre se fera par le biais d'une affiche.
Bernard Dimey donne un récital de ses poèmes salle Pleyel. Nous sommes en 1978.
Elle y va. Par curiosité, pour voir et écouter ce « gros homme au pull-over taché ».

De fil en aiguille, suite à la signature d'un autographe, elle dînera avec Dimey et ses copains.
Ils se reverront, habitant tous les deux le même quartier. Il demande à la jeune Dominique de se raconter.

Et puis un jour, de fil en aiguille, il lui dit « C'est con, mais tu vois, je crois que tu pourrais être ma fille... »

Dominique Blanchard n'est autre en effet que la fille de Bernard Dimey, l'auteur de tant de textes, de poèmes et de chansons interprétées par Montand, Aznavour, Reggiani, Salvador, Patachou, Juliette Gréco, Les Frères Jacques, Mouloudji, Michel Simon, et même un certain... Iggy Pop.

Les deux vont vivre presque trois années ensemble, avant que l'alcool et la maladie invitent la camarde à accomplir son funeste et irrémédiable job.

De sa voix claire au timbre pur et cristallin, Dominique Dimey va nous interpréter certaines des chansons de son père, notamment « l'enfant maquillé », « Les enfants de Louxor », et bien entendu la sublime et célèbre « Syracuse », avec un dernier couplet qu'elle a adapté. (Je n'en dis pas plus...)
Elle nous dira également des poèmes, tendres, graves, ou plus drôles, comme « Quand on n'a rien à dire », ceux tirés du célèbre ouvrage « Le bestiaire de Paris », avec « Le cochon » et « Le flamant ».

Mais bien entendu, Melle Dimey va nous livrer bien plus.
« Devenir le père de sa fille ou la fille de son père, ça ne s'improvise pas » nous confie la comédienne-chanteuse.

Difficile de trouver à vingt ans un papa aussi charismatique, exubérant mais aussi terriblement secret, et devoir le quitter si vite. Comment ne pas mettre alors une espèce de couvercle sur ces années-là...

Son premier spectacle à elle s'intitulera « Moi, j'aime pas les papas ! ». Quelle métaphore !
Et nous de comprendre alors son engagement aux côté du Secours Populaire, de la Ligue de l'Enseignement ou encore de l'Unicef, en faveur des droits des enfants, surtout ces enfants qui sont brinquebalés dans le monde étrange et difficile des adultes.

En nous confiant « Aujourd'hui, je peux le dire, je suis fière d'être sa fille », elle nous suggère évidemment le chemin qu'il lui a fallu accomplir pour intégrer et assimiler cette surprenante et dévorante filiation.
L'adverbe « aujourd'hui » prend ici tout son sens. Il y a eu beaucoup de temps passé avant cet « aujourd'hui ».

Dominique Dimey est très touchante, très émouvante. De façon pudique mais en appelant un chat un chat, elle m'a bouleversé.
Cette relation père-fille hors du commun, elle nous la livre, avec ses mots, des mots qu'elle peut enfin mettre sur son histoire.
Et oui, je me répète, c'est bouleversant !

C'est un magnifique spectacle autobiographique qui mêle poésie, musique, chanson, tendresse, humour et qui nous plonge au cœur d'une incroyable rencontre, de celles qui changent et déterminent le cours d'une vie.

Le bourgeois gentilhomme de Molière adapté par Philippe Person.

Dans le bourgeois gentilhomme, Molière ridiculise Monsieur Jourdan, nouveau riche qui veut égaler les nobles et grands de ce monde. Monsieur Jourdan décide de s’initier à la danse, à l’escrime, à la philosophie, à la musique. Il se fait berner par les profiteurs et les flatteurs mais Madame Jourdan veille…
Louis XIV apprécie beaucoup cette pièce et l’impose à la cour malgré l’hostilité de ses courtisans.

La belle adaptation de Philippe Person nous fait redécouvrir un bourgeois gentilhomme dépoussiéré, rajeuni qui ne manque pas d’attrait et nous réjouit.
Il introduit le langage d’aujourd’hui qui se fond avec la prose de Molière, c’est ingénieux, innovent et réjouissant.
On chante, on danse sur un rythme rock and roll, c’est vivant, pétulant, drolatique. Lully serait surpris.
Les costumes de Florence Le Corre sont attrayants, esthétiques et pleins de fantaisies.
Tous ces jeunes acteurs de l’école d’art dramatique du Lucernaire sont remplis de fougue et de talent et jouent avec grande justesse et enthousiasme.
Au milieu de cette farce Monsieur Molière est bien présent, on se régale de ses magnifiques tirades et de son bel esprit.
Les spectateurs grands et petits s’amusent, les rires fusent, c’est un vrai plaisir.

La mise en scène d'une obsession.
Voici en quels termes Marguerite Duras évoquait cet Homme assis dans le couloir, ce très court roman publié en 1980, et qui figure parmi ses œuvres les plus méconnues.

« Ce texte, je n'aurais pas pu l'écrire si je ne l'avais pas vécu », précisait-elle.
Comme tous ses ouvrages, il est ici question de l'écriture au féminin.

Il va s'agir d'amour dans cette écriture textuelle et sexuelle, une évocation charnelle d'une liaison, mêlent sensualité, passion et érotisme.
Une histoire qu'une femme raconte.
Une femme qui se raconte, et qui, sans aucun tabou, sans aucune fausse pudeur, nous dit les mots de la relation amoureuse et sexuelle avec cet homme qui se tient dans le couloir.

Comme toujours chez Duras, le besoin de ne rien cacher, de dire les mots même crus, les mots de l'amour et du sexe, ce besoin sera permanent, dans cette entreprise littéraire.

Un besoin qui pourrait figurer parfois comme une transgression de l'interdit bien-pensant.

Nous entrons dans la salle Vicky-Messica, et nous entendons crépiter en off une machine à écrire.
Une fois installés, arrive cette femme-écrivain du lointain du plateau. Un bol de café à la main.
Elle va s'asseoir, allumer une cigarette, puis semble se réciter les mots qu'elle va écrire.

Elle est prête, elle peut s'adresser à nous.

Mise en scène par Gabriel Garran, Marie-Cécile Gueguen est à la fois cette femme et cet homme.
Parce que cette histoire est duelle.
Parce qu'il faut bien faire dérouler l'écheveau amoureux entre cet homme assis dans l'ombre du couloir et la femme allongée au soleil.

Melle Gueguen joue cette partition sensuelle et charnelle avec beaucoup de nuances et de puissance.
Elle est tour à tour sensuelle, brûlante, féline, incandescente.
Elle caresse, se caresse, se dénude le buste, elle joue avec son corps autant qu'avec les mots.

Elle nous dit les phrases durassiennes mêlant avec virtuosité érotisme et évocation des paysages de sa jeunesse : « Je vois qu'il ne regarde pas et qui cependant se devine et se voit face au couloir, ces vallonnements si beaux avant le fleuve et cette immensité mauve toujours noyée de brume qui devrait être celle de la mer. La nudité de la plaine, la direction de la pluie devrait être celle de la mer. Et cet amour si fort. »

Et puis la comédienne nous fait comprendre parfaitement toute la franchise féminine de ce texte, sans tabou, sans fausse pudibonderie.

Gabriel Garran et Marcie-Cécile Gueguen nous permettent de bien belle façon de nous frotter à ce texte insolite et chargé d'une grande sensualité.

On pourrait avoir peur d'aller à la rencontre de ces personnes car cela évoque la mort. Mais pourtant, il ne faut pas craindre le morbide, le vulgaire ou le voyeurisme.

Janice Szczypawka choisit dans sa mise en scène de mettre de l'humour et des pointes de couleurs. Elle insuffle un vent rempli d'imagination dans chacune des rencontres. Pourtant tout ce fait autour d'une structure de cercueil en fer. Il est à la fois un bureau d'un centre funéraire, une table de médecin légiste ou de thanatopracteur. Les comédiens incarnent tous ces professionnels avec un sérieux et une perfection dans le jeu qui incite à rire. Car la bonne humeur et les rires n'arrêtent pas de faire entendre dans les murs du théâtre 13. Toute les scènes même les difficiles sont empreintes d'un décalage assumé. La musique jouée en live souligne les moments dramatiques comme joyeux. Les jeux de lumières donnent du rythme et facilite les transitions avec beaucoup d'élégance.

Rien n'est laissé au hasard. Chaque saynète montre une très grande précision qui donne toute la cohérence au spectacle et cela jusqu'au dernier moment. La scène finale, où on nous explique la préparation du corps avant présentation à la famille illustre parfaitement cela.

Une comédienne debout, en sous-vêtement, dans la structure du cercueil joue le corps de la morte. Puis arrive un homme qui explique ce qu'il va faire tâche après tâche. Pour cela, il prend des tubes de peintures de différentes couleurs et marque le corps. Une manière ingénieuse, efficace et très compréhensible d'expliquer une étape si confidentielle et effrayante.

Même les détails sont soignés tels les bouquets de fleurs rouges accrochés au plafond, symbolisant celles laissées sur les tombes qui s'illuminent selon les moments sur le plateau. Clin d'oeil élégant qui accompagne parfaitement tout ce qui se passe.

Rebekka Kricheldorf propose un texte très original pour rendre hommage à la littérature russe surtout au "Trois Sœurs". Mais elle a pris un contre pied en y insufflant une bonne d'ose d'humour et d'impertinence.

Un choix qui a très bien été mis en scène par Pierre Cuq. Il pose l'histoire dans la salle à manger. Les décors vont évoluer et changer au fur et à mesure des évènements et du temps qui passe. Comme les chaises toutes différentes renversées vont doucement être redressées côte à côte. Un parallèle avec leurs histoires qui doucement prennent un peu de sens même si c'est dans un certain chaos. Le troisième anniversaire est l'occasion de mettre un peu plus de bruit avec du métal et une scène très drôle de défoulement presque collectif. Ce n'est pas parce que l'on broie du noir que l'on ne peut pas rire. Les situations absurdes se succèdent pour le plus grand plaisir des spectateurs.

Les sourires s'affichent partout captivés par cette famille improbable. Les anniversaires ratés évoquent forcément des souvenirs chez tout le monde.