Quand Fau monte Roussin ça fait toujours des étincelles
Un ministre anti avortement essaie de faire avorter sa femme
Hilarant
Bravo et merci

Daroussin est Époustouflant et Smet est très bonne. C’est beau et interprèté avec beaucoup de dignité

Orphée et Euridice est sans doute un des mythes les plus étudiés à l’ecole lorsque l’on découvre la mythologie au collège. Quel supplice pour Orphée de ne pouvoir regarder sa douce Euridice pendant qu’il la ramène vers la terre des vivants !

Lorsque Gluck propose ce mythe en 1762, il révolutionne le genre de l’opéra : une oeuvre courte (1h30) resserrée sur ses principaux protagonistes et surtout un rôle magnifique et important pour le chœur.

Effectivement s’il y a un défaut, c’est bien la durée de cet opéra : c’est trop court !!! Nous n’avons pas souvent l’occasion de dire ça.

On succombe progressivement au charme en trois actes :

Acte un : c’est l’enterrement d’Eurydice dans une morne plaine grise qu’il est difficile à apprécier sur le moment mais qui semble parfaite après réflexion. Jakub Józef Orliński semble un peu faible mais les positions, à genoux ou allongé par terre, ne doivent pas favoriser sa voix d’ange. L’arrivée d’Amour (la splendide Elena Galitskaya) le fait se relever, prêt à affronter les Enfers.

Acte deux : Orphée rencontre les ombres infernales qui veulent le punir d’oser venir sur leur territoire. Les morts de l’enfer donne de la voix, c’est magnifique ! La scène rougeoie, les morts sont assis sur leurs linceuls. Visuellement, c’est réussi : on se croirait bien en enfer. Vocalement, l’importance du chœur est hautement appréciable . Jakub Józef Orliński les charme avec la douceur de sa voix. Il retrouve sa bien aimée.

Acte trois : Eurydice (Regula Mühlemann excellente), réveillée des ombres, suit Orphée mais le supplice commence pour Orphée car elle veut le regarder, l’embrasser, se serrer dans ses bras et il ne peut faire cela… On souffre avec lui…

La direction de Thomas Hengelbrock ne souffre d’aucun défaut, c’est un bonheur de suivre le « terremoto » et l’orchestre Balthasar Neumann, composé de spécialistes renommés, livre une prestation sans faille.

La mise en scène du canadien Robert Carsen, reprise par Christophe Gayral peut sembler fade ou triste mais en fait, il faut cette sobriété. Elle est nécessaire pour permettre aux voix du chœur de donner toute leur puissance émotionnelle. Le chœur, c’est celui de Balthasar Neumann et il est excellent évidemment dans cette oeuvre qui le met si bien en valeur.

C’est avec une férocité grinçante et sourde autant que détonante que Lucy Kirkwood, jeune autrice anglaise, façonne ce drame moderne aux allures d’uchronie où la dénonciation sociale, écologique et finalement culturelle se veut implacable et devient une évidence nécessaire à affronter. Le style narratif caustique et cynique au patchwork habile de ruptures et de saillies textuelles saute souvent dans les flaques du contrepied. L’humour à la crudité frontale impertinente et aux saveurs aigres de l’ironie, sème une drôlerie salvatrice où le rire vient piquer un univers délibérément mortifère.

« Un couple d’ingénieurs nucléaires à la retraite vit quelque part au bord de la mer près d’une centrale nucléaire qui vient d’être touchée par un tsunami. Une collègue ingénieur qui a participé elle aussi à la construction des grandes centrales scientifiques de la terre (un amour de jeunesse que l’on n’a pas vu depuis 30 ans), arrive un soir d’été pour leur faire une proposition étonnante. »

Le récit traverse tout le long un néo-réalisme allié à un néo-brutalisme qui ne sont pas sans rappeler les caractéristiques du mouvement théâtral britannique « In Yer Face » que Kirkwood semble rejoindre, dans la lignée de Kelly, Crimp ou Kane. La dramaturgie conflictuelle se délivre sur un mode de légèreté et de nonchalance. L’écriture semble vouloir nous tenir à distance de ce qui est dit, de ce qui est fait, de ce que nous comprenons être ça. Mais la narration est ici bien façonnée, ficelée avec adresse, et voilà que le paradoxe généré par le miroir cathartique du théâtre nous place tout net dans un champ de proximité avec les personnages et les situations.

Hazel, Robin et Rose nous surprennent et nous interrogent. Au-delà du trio vaudevillesque qui chahute en public ses souvenirs, ils nous content une satire contemporaine sur la volonté de résilience tentant d’imposer un renouveau pour ne pas sombrer dans l’abîme de la résignation. Mais est-il encore temps ? Croyance ou certitude ? Agitation désespérée pour conjurer le sort ou sublimation de la vieillesse dans le devenir des jeunes générations ? Ces autres nous-même, symboles de notre lignée, peut-être nos propres enfants. Les enfants. Oui les enfants, sorte de repère étalon qui survole l’ensemble de cette rationalité limitée développé dans le texte, signifiants majeurs du changement.

La mise en scène de Éric Vigner assisté par Alban de Tarlé dessine une esthétique épurée de matérialité et réduit les mouvements au stricte nécessaire de la narration. Les sons bruitent et scandent le temps qui change, hachurant ou soulignant les situations. Le texte prévaut avec force et se délivre dans l’extériorité stylisée et clinique d’une scénographie dépouillée. Les personnages s’imposent alors, magnifiés par une remarquable interprétation.

Cécile Brune, Frédéric Pierrot et Dominique Valadié nous saisissent et nous emportent dans ce récit prégnant qui devient un labyrinthe aux idées, bouscule notre imaginaire et notre réflexion. Elles et ils se fondent dans leurs personnages, on les oublie tant il sont vrais. Seuls demeurent Hazel (Cécile Brune, magnifique et majestueuse défenseuse de la Vie, au tonus décapant et à la sensibilité palpable), Robin (troublant Frédéric Pierrot, tout en profondeur dans son désespoir et sa fragilité) et Rose (impressionnante Dominique Valadié, grande faucheuse meurtrie, digne et distante mais déterminée à repartir avec ses proies). Nous nous laissons volontiers cueillir et entreprendre dans cette déroute captivante et sublime à la fois. Elles et Ils nous subjuguent véritablement par la finesse et la puissance de jeu de leurs personnages.

Un spectacle passionnant. Une pièce coup de poing. Un mise en vie à l’évidence discrète et adroite. Une interprétation de très haut vol.

Incontournable !

A l'évocation de "Bérénice" certains en auront des frissons liés à un traumatisme scolaire. Sans oublier ceux qui voudront fuir rien qu'à lire le nom de l'auteur Jean Racine. Pourtant, ils auraient tort de passer à côté de ce texte du 17e siècle.
Pour résumer assez rapidement l'histoire, Titus va accéder au pouvoir suprême. Il a fait sonder les assemblées romaines concernant son mariage avec Bérénice, reine de Palestine. Elles s'y opposent fermement. Titus n'a pas le choix, même s'il aime passionnément Bérénice, il faut la chasser. Il charge son ami, Antiochus, roi de Commagène, de lui faire la commission. Mais l'homme est secrètement amoureux de la belle. Peut-être qu'elle pourrait alors se tourner vers lui? Bérénice est très contrarié de la situation. Elle refuse de rester proche de TItus qui ne veut plus l'épouser et même bilan pour l'autre. Ils iront se faire voir ailleurs si elle y est.

Rien de bien complexe dans cette tragédie. Alors se pose toujours la question quelle mise en scène faire, avec quel décor et quels costumes. Et rarement le choix se pose sur quelque chose se rapprochant des représentations d'époque. On sait que Muriel Mayette-Holtz aime la modernité comme elle l'a montré lorsqu'elle était à la tête de la Comédie Française. On ne s'étonne pas totalement avec cette chambre à la couleur pâle et ces deux grandes fenêtres. Très vite quand la représentation commence on reste stupéfait devant les jeux d'ombre et les variations de teintes. Les impressions de déjà vu se bouleversent comme si nous étions dans une innovation d'une autre époque, des références à des films policiers américains des années 60, les peintures de Turner voir même "Sin City" de Frank Miller ou des photos de Weegee. Cette fausse maîtrise de perfection se voit dans le détail de la moquette irrégulière avec les traces de pliage pour le rangement. Et surtout sur les tenues que portent Carole Bouquet. Pourquoi une telle actrice qui joue une reine porte une robe de secrétaire mal coupée? Et pourquoi doit-elle porter une nuisette en dentelle transparente où l'on voit son soutien gorge et une culotte gainante? Surtout que son pendant homme lui garde ses vêtements avec le détail de la cravate sur la lampe. Un choix esthétique surprenant par son inélégance. 

Par chance, le talent des comédiens est là pour nous emporter de bout en bout. Carole Bouquet arrive avec beaucoup de pudeur et de sensibilité à incarner Bérénice. Une femme honnête et passionnée qui se fait rejeter car elle ne plaît pas au pouvoir. Elle insuffle une force incroyable car elle refuse d'être un vague objet de satisfaction pour ces messieurs. Une icône féministe avant l'heure avec son amour propre et la connaissance de sa valeur. Son rôle est mis en avant grâce à Titus incarné par Frédéric de Goldfiem. Droit, ferme et tendre à la fois, il est celui devant faire face au conflit entre pouvoir et passion. Celui qui sublime vraiment ce classique est Jacky Ido, Antiochus. On ne doute jamais de son exaltation, de son bouillonnement et de sa flamme. Son oeil brille de ce qui lui dévore le coeur jusqu'à en se jeter au sol. Il est rare de voir un amant éconduit aussi convaincant, vibrant et palpitant. Même si leur présence reste discrète Augustin Bouchacourt et Eve Perreur contribuent à ce moment de vie épique.

Une équipe mettant son énergie au service du théâtre.