Les Noces de Figaro mérite bien son sous-titre: la Folle Journée car en ce jour de mariage de Figaro et Susanna, les surprises et les quiproquos se succèdent à un rythme soutenu. Le maitre, le Comte Almaviva, voudrait faire appliquer son droit de cuissage sur Susanna, la Comtesse Almaviva veut que son mari volage lui revienne et provoque sa jalousie, Figaro doit aider Cherubino à fuir l'ire du Comte, Marcellina vient réclamer à Figaro de se marier avec elle car il n'a pas honoré une dette...

Inspiré du très controversé Mariage de Figaro de Beaumarchais de 1778, c'est en 1786 que Mozart travaillera avec l'abbé Da Ponte comme librettiste, pour une première collaboration ensemble, sur cet opéra en atténuant certes le propos polémique de la contestation populaire qui couve (3 ans plus tard la Révolution Française aura lieu). C'est un succès dès les premières représentations et qui ne se démentira pas jusqu'à nos jours.

A l'heure du 'Me Too', la metteuse en scène Netia Jones a choisi de transposer l'action de nos jours dans les coulisses même de l'Opéra Garnier mettant l'accent sur le harcèlement sexuel (dès l'ouverture, le Comte apparait comme un prédateur à l'encontre d'une jeune ballerine, les affiches de protestation contre le harcèlement). C'est elle aussi qui est en charge des costumes, des vidéos et des décors. Lors de la première partie, nous voyons simultanément ce qu'il se passe dans trois loges de l'opéra. Il y a beaucoup à voir sur le plateau, l'action s'étalant souvent d'une loge sur l'autre car elles ont des portes communicantes qui s'ouvrent à la volée comme dans du théâtre de boulevard. Les deux premiers actes passent très rapidement (1h35) car nous sommes très sollicités visuellement de toute part, néanmoins cela peut destabiliser certains spectateurs, surtout s'ils doivent en plus lire les sur-titres. Après l'entracte, l'action est sur un plateau unique où nous suivons comment la vérité sur le Comte va éclater.

La direction musicale est assurée avec brio par Louis Langrée, le directeur de l'Opera Comique. Il dirige avec dynamisme et précision l'orchestre de l'Opéra national de Paris. Il faut noter que l'on ne voit pas beaucoup le Choeur de l'Opéra de Paris qui est en retrait des chanteurs, cela n'entrave en rien sa prestation fort agréable.

Le Comte est joué par le baryton-basse Gérald Finley, on adore le détester tant son attitude envers les femmes est arrogante et qu'il semble sûr de lui. Sa stature imposante et sa voix puissante, capable de jolies finesses, en font un Comte vraiment réussi. Luca Pisaroni est Figaro, lui aussi est un baryton-basse et il a la parfaite maitrise de son rôle tant dans le jeu que dans le chant, ils seront ovationnés par les spectateurs.

Face à ces deux hommes, nous trouvons deux femmes fortes : Jeanine De Bique est une Susanna respirant la joie de vivre avec une allure mutine et une voix d'une délicieuse clarté même si sur son premier air, sa voix était un peu couverte par la musique. Elle semble très complice avec la Comtesse Almaviva que Miah Persson anime avec beaucoup de sensibilité. Ses deux grands airs sont un bonheur de finesse et de délicatesse. Elles aussi ont droit à un triomphe du public.

Le coup de cœur des spectateurs est pour la mezzo Rachel Frenkel, débutante à Garnier, qui incarne un Cherubino à la fois facétieux et séducteur à fort potentiel (le 'Voi que sapete' en face à face avec la Comtesse est troublant de sensualité). Le reste des chanteurs est en harmonie avec les héros de cette folle journée.

Charlie par ci, Charlie par là,… Catherine se demande qui est donc ce Charlie qui accapare presque toutes les soirées de son mari Daniel.
Elle demande donc à Daniel de l’inviter à diner. Le piège se referme sur Daniel qui a inventé ce Charlie pour pouvoir tromper sa femme en toute tranquillité. Le voilà contraint de choisir un inconnu, Jeff, en urgence et de le briefer pour le rôle qu’il doit tenir. Bien sûr, la soirée ne va pas se dérouler sans accroc pour notre plus grand plaisir.

Cette pièce d’Hadrien Raccah est une reprise qui a connu deux autres castings avant celui-ci mais qu’on se rassure nous sommes avec des valeurs sures de la scène théâtrale : Patrick Chesnais, Pascal Légitimus et Lucie Jeanne. Ce trio semble bien fonctionner sur le papier et nous sommes impatients d’assister à ce diner. Diner qui n’est pas sans rappeler le ‘Diner de cons’ de Francis Weber, lors du briefing de Charlie par Daniel : Charlie multiplie les bourdes prévisibles et les initiatives malheureuses.

La mise en scène de Philippe Lellouche est fluide, l’appartement qui tient lieu de décor unique est plutôt joli et sobre, les lumières sont juste comme il faut.

Voilà notre pièce qui commence, la part belle est donnée aux deux comédiens masculins puisqu’ils doivent préparer ce diner pour rendre l’existence de Charlie crédible aux yeux de Catherine. Curieusement on rit moins quand le diner commence pour de bon car on est à l’affut des potentiels dérapages de Charlie. Et soudain un retournement de situation vient prendre par surprise les spectateurs.

Lucie Jeanne est cette Catherine qui n’est pas dupe des explications de son mari et qui sait bien cacher son jeu. Patrick Chesnais cabotine un peu mais ce rôle de mari acculé semble bien l’amuser. Pascal Légitimus est un Charlie tout en candeur et naïveté.

On passe une soirée grand public relaxante.

Au sortir dans la seconde guerre mondiale, dans une famille bourgeoise bien sous tout rapport, c’est la catastrophe : Monsieur, sous-secrétaire d’état à la famille, apprend que Madame, son épouse, attend un enfant alors qu’ils ne sont plus tout jeunes et que son fils a mis enceinte sa secrétaire alors qu’il vient de faire voter une loi durcissant les peines en cas d’avortement… Bref c’est un peu l’apocalypse qui s’abat comme une tornade dans cette famille à la vie bien rangée et ce n’est que le début…

En 1951, André Roussin a écrit cette pièce qui reste d’actualité dans ses questionnements avec des saillies piquantes à souhait. Le texte est servi par une belle mise en scène sobre de Michel Fau qui fait la part belle au texte et au jeu des comédiens.
Oui c’est le jeu des comédiens qui va révéler tout le sel de cette pièce : A commencer par Catherine Frot qui dès la première scène nous fait rire par les propos qu’elle assène à sa fille jouée par Agathe Bonitzer qui sert de faire valoir à sa mère.
Ensuite il y a face à elle, Michel Fau dans un rôle qu’il maitrise parfaitement, c’est un régal de l’écouter parler et retourner les situations à son avantage.
Maxime Lombard est un grand père qui a du mordant et la scène où il explique comment il a revu son héritage est vraiment drôle ! Le seul rôle qui pourrait sans doute être revu pour l’interprétation est celle du fils de la famille joué par Quentin Dolmaire qui ne convainc pas à toutes les répliques alors qu’il a une partition très intéressante et comique à jouer. Hélène Babu et Sanda Codreanu complètent ce casting sans démériter.

La pièce dure 2 heures mais on ne les voit pas passer car on suit avec beaucoup de plaisir les aventures de cette famille.

Pour devenir un joaillier reconnu par tous, il faut du talent, de la générosité et de l'originalité. Fred Samuel possédait toutes ces qualités et ses créations sont mondialement connues. En 1936, il fonde sa maison de joaillerie FRED et c'est un succès.

Le Palais de Tokyo propose jusqu'au 24 octobre 2022 une exposition qui retrace la vie de Samuel Fred et de sa maison de joaillerie jusqu'à nos jours. On découvre un jeune homme né en Argentine possédant un profil d'aventurier et qui devient un dandy parisien dans les années 30 où il créé sa marque. Ce sont 12 salles magnifiques qui sont consacrées au célèbre bijoutier, chacune proposant un aspect de la vie du créateur ou une thématique de ses collections.

La première salle est consacrée au Soleil d'Or, emblématique diamant jaune de 105,54 carats à l'origine qui ouvre magnifiquement l'exposition. Il possède une teinte de jaune si particulière qui rappelle l'éclat du soleil et il est mis en valeur dans un bel écrin noir. Il a été retaillé et pèse maintenant 101,57 carats. Bien sûr, on découvre le fondateur, son histoire, sa passion pour la mer qui a inspirée la collection Force 10 et son gout pour les pierres colorées, son audace créative, son humour qui se retrouve dans plusieurs séries de créations. Nous découvrons aussi ses relations avec le septième art et la cour royale du Népal ainsi que les collaborations artistiques avec Jean Cocteau ou Tomo Koizumi. Une salle permet de nous faire croire qu'on porte un magnifique bracelet de la collection Pain de sucre.

La présence de médiateurs dans toutes les salles est une vraie surprise très agréable, ils répondent avec bonne humeur à toutes les questions que le public pose et nous livre des anecdotes sur la célèbre Maison.

C'est vraiment une superbe exposition.

Dans les bas-fonds du palais du Tétrarque Hérode, la princesse Salomé découvre Jochanaan un prisonnier qui s'avère être un prophète dont les assertions font trembler Hérode. Elle est subjuguée par cet homme différent et décide de l'aimer et de l'embrasser mais elle est repoussée violement. Hérode, sa femme Hérodias et leur suite de courtisans arrivent à ce moment-là. Hérode demande à Salomé, dont il a du mal à détacher ses yeux libidineux, de danser. Salomé accepte uniquement si le Tétrarque accepte de lui donner ce qu'elle demandera. Elle danse donc et demande la tête tranchée de Jochanaan. Hérode tergiverse mais finit par céder...

Pour sa première mise en scène à L'Opéra de Paris, la metteuse en scène Lydia Steier reçoit une bordée de huées assez virulente lors des saluts alors que le public est resté calme pendant la représentation. Il faut dire qu'elle n'y est pas allée de main morte dans sa façon de représenter l'histoire : perversion, violence, sexe,... rien ne nous sera épargné. En opposition, Elza van den Heever (Salomé) recevra une ovation fantastique tout comme les autres chanteurs principaux. Alors faut-il séparer la mise en scène de la prestation lyrique ? Vous avez 4 heures !

Tout commence dans ce qui ressemble à une cave sombre et insalubre où le prisonnier est enfermé par des gardes ressemblant à des stormtroopers noirs et où des cadavres de jeunes femmes dénudés sont jetés dans une fosse... Dans le même temps, à l'étag,e nous assistons à une soirée de débauche pour les riches de cette société, où les esclaves sexuels sont des objets de consommation courante. Glauque, oui c'est le terme qui convient. Le reste sera à l'avenant de cette première scène. Le ton est donné !

Indépendamment de cette mise en scène qui fera date, il y a un sacré casting vocal et rendons hommage de suite à Elza van den Heever qui a une présence forte sur scène bien qu'elle soit habillée comme un fantôme de film d'horreur, son jeu est impressionnant et sa voix modulée à souhait, monte crescendo jusqu'au climax final. Le public ne s'y trompe pas et lui fait un triomphe dès qu'elle apparait seule après le tombé du rideau pour un premier salut.

Elle est entourée par une distribution 5 étoiles. Commençons par le couple décadent à souhait : John Daszak est le beau-père qu'on adore détester, son Hérode est libidineux à souhait et sa voix est à l'avenant toute en suggestions lascives mais en gardant une puissance totalement maitrisée. Karita Mattila est Hérodias, la mère de Salomé, elle déploie une voix riche et ample et mérite toute notre compassion vue qu'elle est affublée d'une fausse poitrine dénudée qui est pincée à tour de bras. Il faut savoir que Karita Mattila tenait le rôle de Salomé en 2003.

Jochanaan le prophète est interprété par Iain Paterson, sa voix sombre et basse monte en puissance pendant que sa prison sort du sol et lorsque son ascension est finie, sa puissance de baryton basse atteint sa plénitude. Le capitaine des gardes Narraboth, amoureux de Salomé, est Tansel Akzeybek. Il offre un contraste bienvenu entre sa voix claire de ténor et la sombre scène d'ouverture où il ne peut s'empêcher de regarder la princesse. Katharina Magiera elle aussi par la jolie lumière de sa voix permet d'éclairer cette même scène d'ouverture.

Le reste de la distribution ne démérite pas non plus. La direction musicale de Simone Young reçoit un accueil mitigé de la part du public bien que sa direction soit conforme à l'attendu avec ses ruptures et ses dissonances.