Tout commence en 1968. Jean-Louis Barrault est alors directeur de l’Odéon. La grogne monte dans Paris.

Son théâtre est occupé par des étudiants qui voient dans ce théâtre le symbole de la culture bourgeoise et du gaullisme. Refusant de couper l’électricité pour déloger les occupants, le ministère de la Culture le congédie. Dans ce contexte libertaire, il créé avec sa compagnie le spectacle « Rabelais ». Un défi étonnant en choisissant de jouer l’intégralité des pièces de l’auteur. On oublie l’impertinence, la soif de vie et le côté grivois de l’auteur mais Jean-Louis Barrault connaît les œuvres et va les exploiter en rajoutant sa touche personnelle. Pour jouer cette pièce, il va occuper le ring du théâtre de l’Elysée-Montmartre sur une musique de Michel Polnareff et des danseuses du Crazy Horse. Là où était organisé des matchs de box, de catch prend vie une histoire loufoque avec 40 comédiens et 4h00 de représentation. 50 ans plus tard, Hervé Van der Meulen décide de redonner vie à ce projet audacieux dans son théâtre, le Studio Théâtre d’Asnières avec le théâtre Montansier de Versailles. Par contre, il choisit de réaliser une version plus courte de 2h45 avec 19 comédiens sur scène. Une prise de risque audacieuse comme il est bien rare d’en voir actuellement au théâtre. Et le résultat est à la hauteur de ce défi improbable. On y va retrouver tous les éléments : les voyages des héros rabelaisiens, les facéties de Panurge, les plaisanteries scatologiques, les disputes avec les autorités civiles, royales et religieuses, les guerres picrocholines et autres, les balades à Thélème et à la Dive Bouteille. Rabelais a été moine, médecin, voyageur, traducteur, auteur et reste d’une étonnante modernité. Cet humaniste condamné pour apostasie souligne dans son écriture l’importance de la liberté d’agir et de penser dans une société au pouvoir religieux inquisiteur. Pour ces histoires, il mélange plusieurs genres : le conte, la parodie, le roman d’aventure… tout en montrant la richesse du vocabulaire puisé aussi bien dans les langues mortes que dans les dialectes régionaux.

Une source d’inspiration qui insuffla bien des idées grandioses de mise en scène à Hervé Van der Meulen et aux scénographes Claire Belloc et Isabelle Szymaszek. On voit juste une grande toile bleue en fond de scène, des portes manteaux où sont déposés des costumes, des chaises et deux escabeaux. Cela suffit à nous emmener vers des mondes les plus stupéfiant. On met une planche sur un escabeau et nous voilà dans un château en pleine ripaille attendant la naissance de Gargantua. On rapproche deux espaces de siège et nous embarquons sur la mer au cœur d’un gigantesque bateau. Les comédiens montent en haut de l’escabeau et nous voilà dans un tribunal. De même, le bateau connaît une forte tempête. Un morceau de bois descend du plafond sur lequel est attaché cordes et toiles. Les comédiens s’en emparent et bougent vigoureusement. Effet garantie que nous tanguons au cœur du navire. Des détails même modernes s’intègrent comme des références à Bruce Lee ou Dragon Ball dans une scène comique avec un moine combattant. Que de détails à raconter tellement bien réaliser et intégrer avec intelligence. De même pour les centaines de costumes réalisés par Isabelle Pasquier et Alice Laforge vraiment travaillés jusqu’à l’infime petit détail. J’avais envie de prendre mon appareil photo et de prendre le temps de tout bien observer pour tout mieux voir et montrer. De même pour le maquillage d’Audrey Million. Les comédiens portent chacun des marques noires sur les visages qui leur donnent une nouvelle intensité dans leurs personnages. Et des personnages nous allons en rencontrer.
Les 19 comédiens qu’il faut citer : Étienne Bianco, Clémentine Billy, Loïc Carcassès, Aksel Carrez, Benoît Dallongeville, Ghislain Decléty, Inès Do Nascimento, Pierre-Michel Dudan, Délia Espinat-Dief, Valentin Fruitier, Constance Guiouillier, Théo Hurel, Nicolas Le Bricquir, Juliette Malfray, Mathias Maréchal, Théo Navarro-Mussy, Pier-Niccolo Sassetti, Jérémy Torres et Agathe Vandame jouent, chantent, dansent, miment… Chacun aura le droit à être mise en avant. Personne n’est laissé pour compte et tous collabore à rendre ce spectacle fantastique. On s’émerveille des décors, des costumes et des comédiens plus talentueux les uns que les autres qui nous emmènent dans un voyage où à aucun moment on ne s’ennuie. Jamais le sourire ne quitte les visages des spectateurs et les rires, toutes générations confondues, raisonnent à tout va.

Comment être insensible à cette prestation singulière pleine de fougue et de folie ? On ne peut pas. On se lève, on applaudit et on dit : Merci.

Une histoire incroyable sur le chevauchement d’identité pour fuir la douleur.

Pour tenir le rôle de Sophie, il faut certes une comédienne avec un physique pétillant de jeunesse et de beauté. Mais surtout, il faut une jeune femme talentueuse capable d’exprimer avec émotion la traversée tumultueuse d’une quête de soi. Camille Razat éblouit par la justesse de son jeu. Les larmes au coin des yeux, elle n’hésite jamais à prendre le spectateur à partie dans son tourment en le fixant du regard.

Difficile de ne pas être emporté dans son récit, tellement les mots sonnent juste et avec conviction. Elle occupe tout l’espace pour parler de la cruauté humaine mais aussi d’amour. Sur son passage, elle dévore tout dans une fragilité à fleur de peau. Et pour cette première au théâtre, Camille Razat brille de mille feux dans sa capacité à transmettre des émotions. Je ne doute pas un instant qu’on retrouvera très vite un tel talent sur scène.

D’ailleurs, elle n’est pas vraiment seule car le violoncelliste Stanislav Makovsky l’accompagne en soulignant avec délicatesse les souvenirs qui s’entrechoquent.

Les rencontres amoureuses dans le train sont des sujets qui inspirent beaucoup les auteurs que cela soit pour les romans ou pour les pièces de théâtre.

Eric Boucher ne déroge pas à la règle et propose un « Coup de foudre au wagon bar ». Même si le coup de foudre ne se déroule pas vraiment au wagon bar. Il sera au cœur de l’histoire et pourtant nous ne le verrons jamais. Mais pourquoi me direz-vous ?

L’auteur a ingénieusement joué sur le fait que l’histoire nous est racontée à travers un songe et que la décision d’aller boire un verre peut tout changer. Dans le rêve, les deux personnages principaux suite à leur rencontre dans le train vont vivre ensemble. Tout allait bien jusqu’au jour où Cassiopée souhaite plus de discussion. Alors vient l’évocation des jeux de rôles via une application créée par un psy pour échanger. Bien entendu cela ne fonctionne pas et la rupture devient inévitable. Lorsqu’elle se réveille, elle souhaite une autre destinée et va prendre les choses en main. Les exercices de couple et la mauvaise foi des deux personnages amènent à rire.

J’aurais apprécié plus de subtilité dans les blagues que l’on a déjà entendues. Mais les rires se font entendre ce qui marque leur efficacité. Le choix du prénom Cassiopée n’est sûrement pas un hasard. La déesse reste assimilée à un être prétentieux comme cette femme qui croit savoir comment communiquer et comment être heureux. Est-ce que cette deuxième chance qui est offerte sera plus épanouissante ?
L’auteur laisse le choix au spectateur qui choisira selon son humeur du jour.

« Pâtes, amour et fantaisie », voilà ce qu’on pourrait dire de ce spectacle dynamique, très sympathique.

Jonglerie au fouet de cuisine, les assiettes virevoltent, pas de casse ! Le lancer de diabolos est parfaitement maîtrisé. Coté acrobatie aérienne, une charmante jeune femme s’envole, elle s’enrobe du tissu avec beaucoup de grâce et de poésie.

Et puis il y a les cadres, les acrobates se projettent au travers, les portés sont adroits, les échappées avant ou arrière à couper le souffle, le mat japonais toujours aussi impressionnant. Tout ceci en continuant leur petite cuisine, leurs confessions, chacun parle de souvenirs d’enfance, dans leur langue respective, ce qui provoque un beau chaos et beaucoup de rires !

Vous ne verrez pas d’amant caché sous le lit ou dans le placard. Juste de l’argent bien planqué en banque qui saura disparaître et réapparaître quand il faut.

On aura rendez-vous aussi avec des crises financières à la hauteur de grands communicants. Merci les importantes banques. Heureusement que les états sont là car si les banques gèrent mal l’argent, l’état les renflouera sans demander de grandes compensations. Comment une société pourrait tenir debout sans les banques ? Elle ne le pourrait pas. Voilà un piège rudement bien tendu. Grâce à des escrocs, des menteurs, des manipulateurs… l’économie devient un jeu subtil que seuls quelques privilégiés peuvent comprendre totalement.

L’économiste philosophe Frédéric Lordon veut permettre à chacun d’appréhender le monde de la finance surtout suite aux dernières crises. Il propose alors une farce pétillante, rempli d’impertinence véridique et le tout en alexandrins. Toute ressemblance avec des personnes n’est pas fortuite. Luc Clémentin a choisi une mise en scène assez originale. Les six comédiens sont habillés en tenu de musiciens avec un pupitre devant eux. Voilà, nous sommes plongés au cœur d’une partition finement écrite. La chanteuse lyrique, Alexandrine Monnot joue Carla Bruni-Sarkory. Elle reste debout dans un pot avec du lierre sur elle. Quelle jolie plante verte musicale. Ensemble ils vont interagir pour nous montrer la face cachée de montages financiers. L’humour sera présent à chaque instant comme pour mieux rire de ces personnages grossiers et des manipulations mises en place. Le dindon de la farce commence à comprendre comment il se fait déplumer et comment on lui enfonce les marrons.

Un spectacle drôle d’impertinence et d’intelligence où l’on repart souriant et plus malin. Impossible de ne pas être conquis par le talent de l’auteur qui se complète à merveille avec le metteur en scène et des artistes sur scène. Juste Bravo.