J’appréciais jusqu’à maintenant David Brécourt dans des comédies et ma curiosité m’a poussé à venir le voir jouer dans un autre registre avec la pièce ‘En ce temps là, l’amour’ de Gilles Ségal.

Un homme que nous appellerons Z. vient d’être grand-père. Ce changement le décide à enregistrer sur un magnétophone des souvenirs marqués au fer rouge dans sa mémoire : une rencontre si particulière avec un père et son fils dans un wagon qui les emmenait vers un camp d’extermination durant la guerre. Les mots ont du mal à sortir de la bouche de Z., on sent qu’il revit ce qu’il a vécu : ce père créé une ‘bulle’ au milieu du chaos, pour transmettre à son fils de 12 ans, ses valeurs et tout ce qui aurait pu faire de lui un homme.

Ce récit initiatique est riche en émotions de tout poil : il y a des pointes d’humour et des fulgurances poétiques qui se dégagent de ce texte ciselé et qui donnent à la pièce une force profonde. On ne ressort pas indemne de la petite salle des Mathurins tellement nous sommes bouleversés. Cette histoire des transmission est intense et la preuve d’un amour paternel inconditionnel qu fait tout pour protéger son enfant et le laisser vivre normalement et non dans la peur alors qu’ils filent vers la mort. J’avais la gorge serrée d’émotion à la fin.

La mise en scène efficace de Christophe Gand sert à merveille ce texte et les lumières de Denis Koransky sont parfaites pour nous plonger dans l’histoire. J’ai découvert une nouvelle facette de David Brécourt : il est fantastique dans son interprétation.

Vous ne pouvez pas rester de marbre devant ce bijou.

« Piège pour Cendrillon » est tiré d’un roman écrit par Sébastien Japrisot en 1963 (il a également écrit « L’été meurtrier » et «Un long dimanche de fiançailles »). En 1965, il y a le film réalisé par André Cayatte avec Dany Carel (qui tenait les deux rôles titres) et Madeleine Robinson la gouvernante : Et maintenant, c’est une pièce jouée au théâtre Michel, adaptée par Aida Asgharzadeh (déjà remarquée avec « La main de Leila » et « Les vibrants »).

Michelle, élevée par sa tante et surtout par la gouvernante de celle-ci la terrible Madame Murneau, se réveille à l’hôpital, amnésique après l’incendie de sa maison qui a couté la vie à Dominique son amie d’enfance. Elle est brulée notamment au visage et aux mains et quoiqu’elle tente, sa mémoire ne revient pas. Qui était-elle ? Que s’est-il passé lors de l’incendie ? Elle va chercher à se souvenir à tout prix, jusqu’à se perdre à nouveau et que le piège se referme…

Sébastien Azzopardi propose une mise en scène efficace, il faut dire que c’est un spécialiste du genre pièces à suspens (« La dame blanche » et « Dernier coup de ciseaux ») : un décor sobre, un peu de fumée, des lumières dispensées avec parcimonie et des détails auxquels il faut prêter attention.
Avertissement : N’arrivez pas en retard, ne regardez que la scène sinon vous risquez de louper quelque chose et risquez de perdre le fil. Oui il faut être attentif car le rythme est soutenu, les manipulations et faux semblants s’enchainent tambour battant.

Et puis les quatre comédiens, tous superbes : David Talbot qui endosse plusieurs rôles sans qu’on puisse le confondre. Le duo infernal Do et Mi est constitué par Alyzée Costes et Nassima Béchicou, les deux sont magnifiques, chacune avec un genre propre et des tenues qui leur vont à ravir. Mais celle pour qui j’ai eu un coup de cœur c’est Aurélie Boquien qui est extraordinaire dans le rôle de la gouvernante-dragon.

J’ai beaucoup aimé le jeu de Franck Desmedt, sa diction si particulière, sa grande présence, mais je n’ai pas été séduit par le texte.

Les propos sont très descriptifs, différentes histoires s’entremêlent dans cette exode pendant la guerre. Étant fatigué de ma journée, j’ai parfois eu du mal à bien suivre, les changements de personnages étant nombreux.
Avec peu d’objets et un décor minimaliste, la mise en scène est soignée.

Même si je n’ai pas été transporté, je comprends que ce seul en scène suscite l’enthousiasme.

Un homme qui a perdu sa dignité, face à des ados difficiles, lui le fils d’un paysan, d’un “cul terreux”, il a voulu croire en la transmission du savoir, de la beauté d’un texte. Son père voulait qu’il fasse autre chose, oui enseignant c’est ça qu’il faut faire !

Mais que faire face à des gamins qui préfèrent les belles voitures, d’abord ça gagne combien un prof ? Lui, le professeur, parle de ses confrères, l’un picole, l’autre s’en fout, une encore prend des antidépresseurs. Lui, il a sa femme, choriste à l’opéra et leur petite fille, mais tous les matins, une grosse barre à l’estomac, a-t-il au moins une écoute de ses supérieurs, pas vraiment, alors il est seul, face à des mômes qui le méprisent, face à leurs doutes et leurs angoisses aussi, mais qui n’a rien à voir avec Molière, Plutarque, Shakespeare...

De quoi parle cette pièce ? du ras-le-bol d’un homme qui ira jusqu’à la tragédie pour se sentir libre, mais aussi de la représentation théâtrale, un acteur, un professeur, ils ont un public. Et là est-ce l’acteur ou le prof qui s’adresse à nous ?

Bien embarrassée pour noter le comédien, ce n'est guère facile de ne jouer qu'une fois dans la semaine.

« La famille Ortiz » de et mise en scène par Jean-Philippe Daguerre au théâtre Rive Gauche est l’histoire d’une famille extraordinaire évoluant entre la fable et le conte fantastique.

Sésame ouvre-toi !

Jean-Philippe Daguerre qui m’avait subjugué avec « Adieu Monsieur Haffmann » (aux quatre Molières), une nouvelle fois me cueille, me fascine avec sa nouvelle aventure familiale. Une histoire au paroxysme de l’émotion dans une simplicité de jeu bouleversante. Un jeu au service du texte à la poésie éclatante par une troupe chorale, unie jusque dans l’adversité.

Cette pièce de théâtre avec tous ses codes me donnait l’impression d’assister à un concert, un ballet comme celui que m’évoque « Le tricorne » de Manuel de Falla : un vrai travail d’équipe.
Une musique aussi symphonique aux allures pastorales, héroïque avec une pointe de requiem, avec à sa tête un chef d’orchestre Jean-Philippe Daguerre qui reste dans l’ombre (ne dit-on pas qu’une bonne mise en scène ne se voit pas, dans ce cas présent, il excelle !) et qui dirige discrètement via la voix du narrateur, qu’il confie intelligemment à ses comédiens, ses différents mouvement allant de l’allegro, à l’andante, au largo, au scherzo en passant par le Vivace.
Une partition jouée sans fausses notes par une famille émouvante.

Autour de cette question cruciale : faut-il dire la vérité ou la cacher par amour ?
Jean-Philippe Daguerre a cousu de main de maître un patchwork composé de différents morceaux à la taille, la texture, la couleur, aux saveurs qui s’assemblent merveilleusement sous nos yeux ébahis.
En complément de cette notion fondamentale, se pose aussi la question jusqu’où une mère peut-elle se sacrifier ? Jusqu’à quel sacrifice, le mot clé de cette histoire, peut-elle aller par amour ? Par amour de ses enfants, de son mari ? Dans quel ordre le privilégier ?

La vérité se cache derrière un secret que vous découvrirez en allant voir vivre cette famille composée, comme aime la décrire l’auteur, d’un père Miguel insubmersible, d’une mère Marie protectrice et d’une fratrie joyeuse : Madiba, Ali et Lino pour l’intimité et Pierre, Paul et Jacques pour l’état civil. Une famille qui s’aime, qui se déchire, où les joies, les rires, côtoient les larmes. Une émotion palpable sur les visages des comédiens investis dans leurs rôles jusqu’à la racine des cheveux. Des visages sincères qui s’illuminent, qui se ferment, qui réfléchissent, qui s’aiment.

Cette famille est une pépite d’or 18 carats qui brille de mille feux sous les lumières d’Aurélien Amsellem, et dans l’arène dominée par un père au glorieux passé de torero. Sur une musique aux sonorités ensorcelantes d’Hervé Haine et dans un décor modulable de Juliette Azzopardi ingénieusement élaboré, les belles chorégraphies des combats de Florentine Houdinière, de cette danse du taureau piqué dans sa chair par les banderilles habillée avec beaucoup de belles couleurs par Virginie H, illustrent magnifiquement cette épreuve. Ce conflit qui va faire éclater cette famille et conduire le fils aîné à s’exiler au Japon pour y trouver la sérénité, l’amour et sa voix : Inch Allah comme dirait la mère !
D’ailleurs faut-il couper le cordon pour s’affranchir, grandir, se construire, se réaliser : réussir ? Une vaste question qui mérite réflexion.

Mais un fils qui a menti à sa femme qui va bientôt lui offrir le fruit de leur amour et qui ne peut pas continuer dans cette voie s’il ne veut pas mettre en péril son couple.
Un fils qui présente, en couchant sur le papier, son périple dans son journal intime qu’il donne à sa femme en guise de demande de pardon. Et c’est la lecture de cette confession qui va nous faire faire un bon en arrière dans le temps et nous expliquer dans le détail le pourquoi du comment : savoir pourquoi son mari en est arrivé à cette extrémité.

Une famille Ortiz qui ne peut pas vous laisser indifférent.
Bernard Malaka est aussi crédible, savoureux, dans « La collection » de Pinter ou encore dans « Le fil à la patte » de Feydeau que dans le rôle de ce père Miguel à la passion débordante d’amour pour sa famille.
Inoubliable dans « L’affaire Courteline », Isabelle de Botton joue sa femme Marie en toute sincérité, simplicité, elle est attachante à souhait. Elle nous emporte avec joie dans ses rires malicieux.
Et la fratrie composée par Madiba – Pierre, le fils aîné joué tout en conviction par Stéphane Dauch qui nous donne envie de le protéger, de le réconforter. Il est digne jusqu’à la fin de cette histoire aux allures extraordinaires.
Ses frères, les jumeaux Ali et Lino, sont joués tout en couleurs par Antoine Guiraud et Kamel Isker. Ils sont excellents dans leurs danses macabres et leurs innocences de petits frères.
Claire, femme de Pierre, le personnage clé de cette famille, est jouée tout en finesse par Charlotte Matzneff. Celle qui porte en elle le fruit de la réconciliation et quoi de plus merveilleux comme symbole d’une naissance au moment de Noël de l’enfant prodigue.

Que c’est beau le théâtre quand on sort de la salle avec les yeux remplis d’émotions, les yeux encore humides, le sourire sur les lèvres et la sensation d’avoir assisté à un spectacle remarquablement, subtilement écrit pour apporter du rêve, de la réflexion, dans ce monde perturbé par tant de déchirements.

Sésame ferme-toi !

P.S. pour ceux qui n’auraient pas vu « Adieu Monsieur Haffmann », cette pièce se joue dans ce même théâtre à 19h : qu’on se le dise !