Certes, par moments j’avais l’impression d’être en face de Rowan Atkinson, ses mimiques, ses ratages permanents. Pierric, est d’une souplesse, un véritable homme caoutchouc, il se tord dans tous les sens, se penche sans tomber, fait des bascules. Un génie !

Et puis, il y a les moments de magie, avec ces fichus boutons de porte qui lui donnent bien du souci ! Les situations sont un peu répétitives mais c’est le but du jeu !

La petite fille devant moi, s’est bien amusée, les adultes aussi, voilà donc un spectacle pour toute la famille, toutes générations confondues.

Il voyage en solitaire (ou presque), dans le chef-d'œuvre de Monsieur Racine.

Lui, c'est Philippe Lebas, qui nous invite à assister à un fascinant projet d'acteur.

Son propos est d'interpréter tous les personnages de cette tragédie, de façon à ce que cette solitude forcée de l'acteur, le comédien face à lui-même, lui permette de mettre en valeur le fabuleux jeu de miroir auquel sont confrontés tous les personnages de la pièce.

Alors, bien entendu, il me faut immédiatement évacuer le côté « performance » de l'entreprise.
Oui, s'envoyer en pratiquement deux heures presque mille six cents alexandrins, c'est un véritable tour de force.
Une fois ceci dit et posé, il faut aller au delà de cette gageure réussie haut la main.

Ici, cette solitude scénique nous permet paradoxalement de mieux percevoir l'intelligence, la finesse et la profondeur du texte racinien.

En jouant tous les personnages, Philippe Bas transforme cette pièce en véritable poème épique. Il joue véritablement (presque) tout le texte, avec toutes ses intentions, ses contraintes, ses audaces, ses fulgurances, ses ruptures, ses émotions.

Devant nous, nous aurons une galerie de portraits très caractéristiques, que le comédien campe avec brio grâce aux inflexions de sa voix, grâce à sa gestuelle, et grâce également à un accessoire rouge sang.
Un morceau de tissu qui de drap originel (ou de linceul final ?) servira d'écharpe, de manteau, de toge, de cape, de cache-col, de baudrier, de lyre, de symbole du pouvoir, et j'en passe...

Oui, se succéderont devant nous tous les ingrédients humains de cette histoire d'un type qui s'émancipe pour devenir le tyran que l'on sait, assassinant au passage et pour ce faire son demi-frère et en se débarrassant de tous ceux qui le gênent : la terrible mère abusive, le héros qu'on prive de son dû, le monstre, le bon gouverneur, le soldat honnête, la fiancée éplorée fuyant le monde et peut-être la raison...

Philippe Bas est donc presque seul.

Sur scène, la metteure en scène Christine Joly « veille au grain », le texte à la main, assise sur une chaise haute et changeant de place à chaque acte.
Comme une présence maternelle ambivalente.

C'est par ailleurs elle qui au cours de l'acte IV dira la très longue tirade d'Agrippine, s'emparant du manteau pourpre. Parce que la rencontre explosive du duo mère-fils est inévitable.

Il y a autre chose de fascinant dans cette démarche artistique peu commune.
Il me paît à penser qu'un autre homme a réussi ce pari fou de dire tout Britannicus : Racine lui-même !

Comment ne pas imaginer que l'auteur a passé au gueuloir tous les alexandrins de tous les caractères de sa pièce ?

C'est assurément cette phase orale qui a décidé de l'existence ou non de tel ou tel vers, de telle ou telle rime, de telle ou telle orientation du sens.

Ce sont sans doute en exprimant haut et fort les sonorités des mots, des phrases, des vers et de la langue que l'auteur âgé de trente ans « seulement » parvient à fixer ses idées.

C'est certainement cette oralisation qui a indubitablement fait que « la mayonnaise racinienne » a pu prendre et devienne le chef-d'œuvre que l'on sait.

Phillippe Bas nous donne un passionnant cours de comédie.
Nous savons en permanence quel personnage se tient devant nous. (Trois ou quatre fois seulement Christine Joly nous précise lors de son entrée l'identité d'un personnage, que sans contexte nous ne parviendrions pas à identifier.)

Et puis il réussit parfaitement à appréhender la principale problématique de la pièce, à savoir la fourberie permanente du vrai héros de la pièce, Néron.
Nous savons très bien grâce à l'interprétation du comédien que tout le discours de cet homme est un tissu de dissimulation, d'ambiguïté et de tromperie.
Un professionnel de l'embrouille, on vous dit !

Ce Britannicus restera longtemps dans ma mémoire.
Cette version, cette vision d'un chef d'œuvre au cœur du texte se déguste et se savoure intensément !

Un « musical » qui vaut un détour au théâtre de la Huchette, petit écrin incontournable. Une comédie musicale intelligente, drôle et émouvante. À l’affiche tout l’été. À ne pas manquer !

On dirait le sud...
Le terrible sud esclavagiste des Etats-Unis, avant que la Guerre de Sécession engendre l'abolition de l'esclavage chez l'Oncle Sam.

C'est à cette honteuse époque de notre Humanité que Mark Twain situe son roman considéré à juste titre comme son chef-d'œuvre.

Si son autre « best-seller » Les aventures de Tom Sawyer est assimilé au roman de jeunesse, il en va tout autrement de cette histoire qui va mettre en scène et lier à jamais deux êtres humains.
Deux personnages en fuite.

Un jeune garçon orphelin de mère battu, maltraité et un esclave en fuite. Un « Nèg' marron ».
L'un des 12,4 millions d'Africains qui ont été déracinés de leur continent durant les quatre siècles que dura ce commerce, chargés comme des animaux sur les navires négriers.
(J'en profite pour rappeler que sur ces 12,4 millions d'êtres humains marchandisés, 1,8 million d'hommes et de femmes trouvèrent la mort dans le « Passage du milieu », l'infernale traversée atlantique) *

Huckleberry Finn est un roman initiatique dans lequel deux thèmes principaux vont être abordés.
D'une part, la fraternité et la solidarité humaines entre un jeune blanc et un esclave.
Et puis bien entendu la figure défaillante du père, associée à la recherche d'une vision positive de la paternité.

Dans cette même salle du mythique théâtre de la Huchette qui vit le triomphe de la comédie musicale « Comédiens ! », la metteure en scène Hélène Cohen et le compositeur Didier Bailly ont donc décidé d'adapter le roman de Twain. Le livret a été une nouvelle fois confié à Eric Chantelauze.

J'ai été fasciné par la capacité d'Hélène Cohen a créer beaucoup d'espace et d'espaces au pluriel, sur la petite scène de la Huchette.
Différents moyens fort judicieux, souvent poétiques, seront mis en œuvre pour ce faire. Et je vous laisse découvrir.

Nous serons sur ce radeau ballotté par les eaux souvent fourbes du Mississipi, nous nous retrouverons dans une maison presque hantée, nous pénétrerons dans un temple, dans une grande maison familiale.
Les partis pris scénographiques et dramaturgiques fonctionnent à la perfection.

De plus, nous serons confrontés à beaucoup plus de personnages que les trois seuls comédiens-chanteurs pourront en interpréter. Là encore, je n'en dirai pas plus.

C'est Alain Payen qui nous accueille, en Maître de cérémonie à la redingote pourpre un peu élimée.
Tel un bateleur de foire, il nous met dans l'ambiance de ce qui va suivre, avant que le rideau ne soit tiré et le radeau ne soit montré. Il distribue un petit objet à quelques spectateurs, dont ils devront se servir durant le spectacle.
Le comédien, truculent, est très drôle.

Et nous découvrons Huck et Jim.
En la personne de Morgane l'Hostis et Joël O'Cangha.

Ces deux-là, grâce à la partition, au livret, et surtout grâce à leur talent, ces deux-là m'ont enchanté.

Leur duo va fonctionner à merveille. Que ce soit en jouant la comédie ou en chantant, les deux artistes en solo, ou en duo, sont irréprochables.
Ils servent parfaitement les airs et les chansons du compositeur et du librettiste.

Les deux comédiens-chanteurs ont beaucoup de métier dans le domaine du Musical, c'est évident.
J'ai beaucoup aimé la chanson-titre du spectacle, interprétée par Melle L'Hostis (je défie quiconque de ne pas la fredonner en sortant du théâtre), ainsi que la magnifique ballade bluesy « Miss Lizabeth », que Joël O'Cangha interprète avec un très grand feeling. Beaucoup d'émotion se dégage alors.

L'autre tube « Miss Watson » chanté par le trio ravit également le public.

Les trois artistes seront longuement applaudis, avec de nombreux rappels.
Je vous conseille vivement de franchir les portes de la Huchette et d'aller vous replonger dans cette histoire très touchante, qu'il est bon de redécouvrir dans son entièreté, dans cette version mise en notes.
C'est un bien beau moment théâtral et musical !

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* Les chiffres que j'ai énoncés plus haut, concernant le commerce négrier, sont tirés du remarquable ouvrage de Marcus Rediker intitulé « A bord du négrier, une histoire atlantique de la traite », paru en 2017 et édité dans la collection Points-Histoire.

Une indispensable somme sur ce douloureux sujet.

Et pourtant, elle tourne !

Elle tourne très très rond, cette version par Eric Ruf de la célèbre pièce de Brecht, écrite en 1938 et retravaillée jusqu'en 1954.
Elle tourne même à l'excellence !

Oui, durant presque deux heures et trente minutes, ce qui nous est proposé est une grande et magistrale leçon de théâtre !

Le patron du Français transporte le public de la salle Richelieu au sein d'une grande fresque historique, à la fois austère et flamboyante, dans laquelle il met en valeur à un point rarement atteint la troupe ainsi que tous les corps de métiers de la grande maison.

Je doute, donc je sais ? Je sais parce que je doute ? Je ne doute plus donc maintenant je sais enfin ?
La distance entre le refus de tous les dogmes et l'acceptation de la non-certitude scientifique, c'est à dire la question récurrente de la place du doute, voici quelle est le propos principal de Brecht.

Cet affrontement entre religion et science est le propos pour l'auteur d'affirmer non seulement sa dénonciation des totalitarismes nazis puis staliniens, mais également dans les dernières réécritures, à la toute fin de sa vie, le moyen de dire sa crainte de la toute puissance de la science livrée à elle-même, et notamment cette science qui a permis l'élaboration de la bombe nucléaire.

Bien entendu, pour le metteur en scène de 2019, la problématique résonne également furieusement.
Aujourd'hui, tout est fait pour que nous puissions engranger le maximum de connaissances, et pourtant, qui sait comment fonctionne véritablement Internet ou son portable, vecteurs de ce savoir soit-disant universel et pourtant générateur de tant de « fake-news » ?
On l'aura compris, la pièce de Brecht n'a jamais peut-être été plus actuelle.

Je n'aurai garde de passer sous silence les autres thèmes sous jacents de la pièce, à savoir la capacité de l'intime ordinaire de peser sur l'Humanité dans son entièreté au point de la chambouler physiquement et philosophiquement, ou encore la difficulté pour un homme d'accepter ou non son propre reniement.

Sans oublier le fait de rendre à Copernic ce qui lui appartient, à savoir l'hypothèse de l'héliocentrisme, démontrée par Galilée notamment au moyen de « sa » lunette. (Je n'en dis pas plus sur le « sa »...)

La mise en scène du patron est dénuée de toute esbrouffe inutile, de toute facilité ou autres artifices tellement vus ici et là, tellement galvaudés ou inappropriés.

Ici, un classicisme de très bon aloi règne en permanence.
Non pas le classique pour le classique, mais le classique pour mieux faire ressortir de flamboyants parti-pris esthétiques, scénographiques et dramaturgiques.

Les somptueuses et gigantesques toiles peintes servant de décors, et représentant des détails de toiles du Seicento, les sublimes (l'épithète est bien faible) costumes de Christian Lacroix réalisés par les petites mains de la Comédie-Françaises, (Ah ! Cet habit papal !...), les lumières délicates et subtiles de Bertrand Couderc, la création sonore et la musique originale de Vincent Leterme, tout concourt donc à une véritable démonstration d'excellence dans les savoir-faire.

Et puis, bien évidemment, l'excellence va une nouvelle fois concerner la troupe !

Sur le plateau, pas moins de vingt-trois Sociétaires, Pensionnaires ou Elèves-comédiens vont incarner pratiquement une quarantaine de personnages.
Je n'en finirais pas une nouvelle fois de narrer par le menu les hauts faits de chacun.
Ici, il n'y a plus aucun petit rôle.

Hervé Pierre, dans la peau de Galilée, force à nouveau le respect.
Son interprétation est phénoménale.
En jeune professeur d'université jusqu'à ce vieillard enchanté de recevoir des oies pour déjeuner, il va déployer son incroyable palette et son merveilleux talent.
Tous les élèves des Conservatoires nationaux et des autres écoles de théâtre devraient venir voir ce comédien jouer. Là aussi, nous assistons à une magistrale leçon.

Un autre qui m'a enchanté c'est le jeune Pensionnaire Jean Chevalier, dont j'avais déjà écrit tant de bien pour son rôle d'Alexandre dans cette même salle, voici quelques mois.
Ici, il est le disciple du maître. L'élève qui va exprimer son indignation devant le renoncement de son mentor, et qui finira par comprendre.
Jean Chevalier est décidément à nouveau excellent dans ce rôle aux multiples facettes. Il nous tirera des sourires et beaucoup d'émotion, notamment à la fin de la pièce.

Guillaume Galienne en cardinal mathématicien Barberini devenant pape, Florence Viala déchirante en servante et même sans doute un peu plus de Galilée, Elise Lhommeau dans le rôle délicat à appréhender de la fille du savant, Véronique Vella formidable en Côme de Médicis âgé d'une dizaine d'années (si si...), Jérémy Lopez en "Petit moine" bouleversé par l'exactitude des calculs galiléens, Gérard David pontifiant à qui mieux mieux en philosophe pathétique, tous sont on ne peut plus exemplaires.

De très nombreux et très longs applaudissements nourris viennent saluer cette vraie réussite de fin de saison.
Il faut absolument aller voir cette pièce, dont c'est la deuxième mise en scène dans la maison de Molière.
Ne passez surtout pas à côté de ce spectacle grandiose !