Loufoque et débridée, burlesque et déjantée, c'est sur un rythme soutenu, vif et joyeux que cette enquête policière nous ballade allègrement pour conter son histoire rocambolesque et charmante, amusante à souhait.

« 1908. Nous sommes au château des Gournay-Martin à 3 heures de Paris. On rédige les faireparts du mariage de Germaine Gournay-Martin avec le Duc de Charmarace. La domestique prépare le thé, le Duc revient de sa promenade à cheval. C’est alors que l’arrivée d’une lettre à l’attention de M. Gournay-Martin va tout faire basculer. ’’Monsieur, j’attire votre attention sur le diadème de la Princesse de Lamballe. J’ai la ferme intention de m’approprier ce joyau et me rendrai dès demain dans votre office parisien, où vous l’exposez et où vous entassez toutes vos œuvres, pour une respectueuse perquisition.’’ signée Arsène Lupin »

L’adaptation et la mise en scène de Delphine Piard fait la part belle à la parodie cartoonesque tout en respectant les codes des célèbres nouvelles de Maurice Leblanc. L’écriture est habile, truffée de saillies efficaces et élégantes teintées d’un soupçon d’autodérision. Un parfum d’absurdie se répand tout partout sur les scènes, les tableaux vivants et les séquences chorégraphiées. L’ensemble fonctionne à merveille et montre avec truculence ce buffet de délires et de ruptures, d’astuces et de grosses ficelles, construit comme une succession de pièces de puzzle où un suspense insoutenable (qui a dit « on pige tout très vite » ?) nous tient en haleine (ou en complicité !) tout le long.

La direction de jeux donne de belles scènes et de beaux numéros à une distribution en verve qui s’amuse autant que nous.

Il est intéressant de remarquer que les personnages joués par Grégoire Baujat, Pierre Khorsand et Florent Chesné ressemblent à s’y méprendre à un véritable trio de clowns dans lequel le clown blanc (Arsène Lupin), le clown rouge dit l’auguste (l’inspecteur Ganimard) et le contre-pitre dit le second auguste (monsieur Charolais) rivalisent de ruses et de postures. Ils s’illustrent avec une drôlerie manifeste dans le récit de cette histoire à tiroirs alambiquée et cocasse.

Les dames ne sont pas en reste, loin de là ! Aude Roman campe Mademoiselle Germaine avec une vigueur ébouriffante, faisant ressortir les côtés psycho-maniaques et nigaud-rigide de son personnage avec des colères croustillantes savoureuses. Emma Brazeilles est Sonia, la domestique et complice du gentleman-cambrioleur, une façon de Miss « les deux-pieds-sur-terre » qui fait le pivot matérialiste de tout cet aréopage de personnages loufoquissimes mais qui n’oublie de se lâcher à son tour… Une fichue bonne équipe. Bravo et chapeau bas !

Un spectacle qui nous sourit et nous amuse en permanence dans la lignée du théâtre de plaisir. Drôle et léger, insouciant et agréable. Laissez-vous tenter par ce divertissement bien ficelé et bien joué.

Nous voici embarqués dans un voyage en eaux profondes dans les mers houleuses de la planète Dubillard. Intime et impudique autant que criard et explosif, ce périple est tourmenté et impressionnant. Des vagues de hargne et de colère, des jets d’angoisse, des flux de provocations amusées et de magnifiques morceaux de poésie espiègle à la fulgurance doucereuse viennent tout à tour se poser sur notre cheminement.

« Je ne suis pas de moi n’est pas une biographie de Roland Dubillard mais une tentative d’exprimer la rébellion qui se dégage de son journal. Nous avons disséqué ’’cette vie de mots’’ en quatre séquences qui respectent les étapes décisives de son existence : l’enfance, l’âge adulte, la chute et la survie après l’accident. La révolte de Dubillard nous rappelle nos méandres actuels : est-il possible de se confronter au monde sans béquille, sans pacotille, et de vivre malgré tout ? Comment retrouver la joie de s’étonner de tout. Mais avec tout cela, on n’est jamais tranquille car ’’qui bien se connaît ne se porte pas forcément bien.’’ »

Une insubordination quasi guerrière jamais résignée et toujours attentive aux rebonds de la dérision court sur les interrogations et les angoisses de l’auteur sur lui-même, sur la création, l’écriture et le théâtre notamment. Un grandiose et disparate délire autoguidé que voilà. Le dramaturge pose dans ces Carnets en marge ses considérations et ses doutes, sa fragilité et sa douleur aussi, avec un incommensurable humour ravageur et cynique. Le fil narratif se découpe façon puzzle, glissant du burlesque parfois pervers à la fantasmagorie surréaliste en passant par l’introspection troublante.

Le parti pris d’adaptation et de mise en scène de Maria Machado et Charlotte Escamez nous confronte à l’auteur et son double ou peut-être à un double énoncé d’auto-récit, en nous perdant volontiers dans des méandres sombres ou lumineux, silencieux ou bruyants, faits de murmures et d’éclats, de déplacements lents ou de bondissements soudains. Un homme (Denis Lavant) et un jeune homme (Samuel Mercer) pour faire vivre deux faces de Roland. Miroirs inversés, images fuyantes et amalgames déroutants.

Denis Lavant nous stupéfait à nouveau de son jeu intense et profond, nous éblouissant de son espièglerie et de sa confondante vérité qui sait venir nous toucher, nous surprendre et nous emporter dans ce texte au naturalisme irréel. Samuel Mercer se fait plus sage, plus effacé, comme un pendant de tonalité mineure dans une sonate à deux voix où Denis Lavant jouerait en mode majeur.

Un spectacle comme une traversée poétique et ravageuse dans l’univers de Dubillard. Inattendu et captivant. Une interprétation impressionnante.

J'ai été bien déçue par cette pièce, en dehors des costumes des dames,
Le texte était peu avenant et les répliques un peu trop "contemporaines" !
Les comédiens semblaient sortir des "Trois mousquetaires", ils ne semblaient pas investis dans leurs personnages.

Les Noces de Figaro mérite bien son sous-titre: la Folle Journée car en ce jour de mariage de Figaro et Susanna, les surprises et les quiproquos se succèdent à un rythme soutenu. Le maitre, le Comte Almaviva, voudrait faire appliquer son droit de cuissage sur Susanna, la Comtesse Almaviva veut que son mari volage lui revienne et provoque sa jalousie, Figaro doit aider Cherubino à fuir l'ire du Comte, Marcellina vient réclamer à Figaro de se marier avec elle car il n'a pas honoré une dette...

Inspiré du très controversé Mariage de Figaro de Beaumarchais de 1778, c'est en 1786 que Mozart travaillera avec l'abbé Da Ponte comme librettiste, pour une première collaboration ensemble, sur cet opéra en atténuant certes le propos polémique de la contestation populaire qui couve (3 ans plus tard la Révolution Française aura lieu). C'est un succès dès les premières représentations et qui ne se démentira pas jusqu'à nos jours.

A l'heure du 'Me Too', la metteuse en scène Netia Jones a choisi de transposer l'action de nos jours dans les coulisses même de l'Opéra Garnier mettant l'accent sur le harcèlement sexuel (dès l'ouverture, le Comte apparait comme un prédateur à l'encontre d'une jeune ballerine, les affiches de protestation contre le harcèlement). C'est elle aussi qui est en charge des costumes, des vidéos et des décors. Lors de la première partie, nous voyons simultanément ce qu'il se passe dans trois loges de l'opéra. Il y a beaucoup à voir sur le plateau, l'action s'étalant souvent d'une loge sur l'autre car elles ont des portes communicantes qui s'ouvrent à la volée comme dans du théâtre de boulevard. Les deux premiers actes passent très rapidement (1h35) car nous sommes très sollicités visuellement de toute part, néanmoins cela peut destabiliser certains spectateurs, surtout s'ils doivent en plus lire les sur-titres. Après l'entracte, l'action est sur un plateau unique où nous suivons comment la vérité sur le Comte va éclater.

La direction musicale est assurée avec brio par Louis Langrée, le directeur de l'Opera Comique. Il dirige avec dynamisme et précision l'orchestre de l'Opéra national de Paris. Il faut noter que l'on ne voit pas beaucoup le Choeur de l'Opéra de Paris qui est en retrait des chanteurs, cela n'entrave en rien sa prestation fort agréable.

Le Comte est joué par le baryton-basse Gérald Finley, on adore le détester tant son attitude envers les femmes est arrogante et qu'il semble sûr de lui. Sa stature imposante et sa voix puissante, capable de jolies finesses, en font un Comte vraiment réussi. Luca Pisaroni est Figaro, lui aussi est un baryton-basse et il a la parfaite maitrise de son rôle tant dans le jeu que dans le chant, ils seront ovationnés par les spectateurs.

Face à ces deux hommes, nous trouvons deux femmes fortes : Jeanine De Bique est une Susanna respirant la joie de vivre avec une allure mutine et une voix d'une délicieuse clarté même si sur son premier air, sa voix était un peu couverte par la musique. Elle semble très complice avec la Comtesse Almaviva que Miah Persson anime avec beaucoup de sensibilité. Ses deux grands airs sont un bonheur de finesse et de délicatesse. Elles aussi ont droit à un triomphe du public.

Le coup de cœur des spectateurs est pour la mezzo Rachel Frenkel, débutante à Garnier, qui incarne un Cherubino à la fois facétieux et séducteur à fort potentiel (le 'Voi que sapete' en face à face avec la Comtesse est troublant de sensualité). Le reste des chanteurs est en harmonie avec les héros de cette folle journée.

Pourquoi j’ai cette impression d’avoir assisté à quelque chose d’unique, d’irrévocable et de mémorable ? L’interprétation de Dominique Blanc, sans aucun doute bien sûr. Sa pureté, sa densité, sa fulgurance. Et certainement aussi cette terrible force d’évocation du récit, la puissance cathartique d’une douleur dévoilée surgie de l’intime et la dénonciation de ses causes criée pour expurger et faire savoir, pour ne pas oublier.

« Écrit autobiographique d’un parcours insupportable miné par l’attente. À Paris, en 1945, seule, Marguerite Duras cherche à savoir ce qu’est devenu son mari, l’écrivain et résistant Robert Antelme, alias « Robert L. », déporté politique en juin 1944 en Allemagne. Par-delà la description du chaos de l’époque ou de celle des soldats retrouvant leur foyer, le texte interroge l’incassable fragilité de l’espoir et les modulations du sentiment amoureux. Marguerite retrouvera-t-elle son mari ? Dans quel état ? Quel amour après l’absence ? Après la résurrection ? »

Le texte de Duras décrit le cheminement labyrinthique de la douleur de l’attente et des dégâts causés par le doute qui s’en empare. Le désespoir mêlé à l’entêtement, l’incertitude rejointe par la résignation, le combat à livrer ou la mort à attendre. Mais pas que... Il y a l’histoire dans l’Histoire. Dites et exprimées avec netteté. Implacables, crues et cruelles. Il y a comme une transmission nécessaire et lucide qui conduit vers une transposition étonnamment juste qui vient nous parler de nous et d’aujourd’hui, aussi.

La mise en scène de Patrice Chéreau et Thierry Thieû Niang est lipide et fluide. Pas d’inutile ni de trop. Juste l’interprétation habitée d’un récit terrible et captivant grâce à la maitrise de la voix et du corps, à une expressivité envoutante d’une comédienne éblouissante de talent.

Dominique Blanc nous cueille aussitôt qu’elle parle et nous tient en haleine tout le long. Chaque mot, chaque geste, chaque déplacement, semble pesé et posé à sa bonne place. Tout est vrai, tout est signifiant. Intensité et profondeur du sentiment vécu, restitué telle une évidence et ressenti tel qu’il est, dans une flagrante et spectaculaire simplicité.

Quelle performance !

Un texte sombre et prégnant, un moment magique comme le théâtre sait nous en faire vivre. Une leçon. La mise en vie de Dominique Blanc relève de l’exceptionnel. À ne surtout pas manquer !