Le musée d’Orsay propose une exposition sur Edvard Munch dont le sous-titre est : « un poème de vie, d’amour et de mort ». C’est la clé pour comprendre l’oeuvre du norvégien qui fit scandale dès sa première exposition, le public était désorienté par l’aspect ‘non-fini’ de ses peintures et par son inventivité. L’auteur du célèbre ‘Le cri’ révèle de nombreuses facettes et possède plus d’une corde à son arc.

Munch livre sa vision très personnelle du monde où la vie, la mort et la renaissance sont indéniablement liées. Munch a écrit dans un de ses carnets : » La maladie, la folie et la mort étaient les anges noirs qui se sont penchés sur mon berceau ». Ce sont trois thèmes récurrents chez l’artiste. Il a perdu sa mère à 5 ans puis une de ses sœurs, il a été lui même très malade puis une autre sœur est internée, un frère décède brutalement à l’âge adulte. Devant cette succession de drames, Munch ne pourra que reproduire des scènes qui sont gravées dans son esprit comme « l’enfant malade » (1896) ou « la lutte contre la mort » (1915).

Comme un bon nombre d’artistes qui lui sont contemporain, il pratique la reprise multiple de certains motifs avec plusieurs techniques de peinture et de gravure. Il fréquente aussi beaucoup les théâtres et il est très ami avec l’auteur August Strindberg, il réalise des éléments de décor et des programmes illustrés. Véritable artiste qui touche à tous les styles, il est totalement inclassable et l’exposition nous permet de découvrir les différents aspects de son art (influences naturaliste, impressionniste, symboliste, synthétisme,…).

Loin de tout courant artistique, il possède un style unique qui lui est propre. Ainsi l’oeuvre d’Edvard Munch ne se réduit pas à la célèbre toile ‘Le cri’; on découvre un artiste marqué par sa vie.

Il faudra prendre ses lunettes de soleil pour visiter l’éblouissante exposition ‘face au soleil’ proposée par le musée Marmottan Monet. Une exposition sur la présence de l’astre solaire dans l’art (peinture, sculpture, dessin, objet,…) qui promet de nous faire passer un bon moment par de nombreux univers et styles artistiques.

Des Egyptiens qui révéraient le disque solaire au plus célèbre des impressionnistes Claude Monet et son merveilleux tableau ‘Impression, soleil levant’ (qui fête ses 150 ans cette année) en passant par Louis XIV, le roi soleil, nous balayons des siècles d’art dans une exposition très riche. Les pièces présentées sont superbes. On déambule entre Turner, Derain, Courbet, Pissarro, Miro,…

C’est à travers une réunion de plus de 100 oeuvres que nous découvrons comment les artistes se sont appropriés les croyances solaires en les représentant dans leur création. Du rôle de Dieu chez les Egyptiens (Amon, Aton,…), le soleil est passé au statut de création de Dieu dans la Bible. Il est aussi le symbole de la monarchie de droit divin et les monarques s’identifient à l’astre céleste pour justifier leur place prééminente dans la société et asseoir leur puissance. Le plus connu reste Louis XIV qui a beaucoup fait pour diffuser une connaissance ‘scientifique’ du soleil en fondant l’Académie royale des Sciences et l’Observatoire de Paris.

Au XIX ème siècle, les connaissances scientifiques sur le soleil font de nombreux progrès. Grâce à de nouveaux instruments d’observation et au progrès de la physique, les scientifiques comprennent mieux de quoi il retourne. L’étude des éclipses s’avère particulièrement instructive, les peintres, fascinés par ce phénomène, s’intéressent à ces travaux et s’en inspirent.

Une exposition très belle, avec de nombreuses oeuvres qui se tient dans un musée qu’il faut aussi visiter car il est magnifique et révèle de belles surprises.

Le Grand Palais Immersif est un nouveau lieu destiné à présenter au public des expositions ‘immersives’. Immersive, le mot est lâché… Il est beaucoup utilisé pour des performances, des expositions, des pièces de théâtre,… et souvent le coté Immersif n’est pas au rendez-vous. C’est donc avec curiosité et appréhension que nous nous sommes rendus dans ce nouvel endroit.

Le propos de l’exposition est de nous montrer comment Venise s’est créé : à la base, il y a eu un miracle d’ingénierie et architecture, ajoutez par-dessus un nuage artistique très réussi et vous obtenez Venise, la ville construite sur la boue d’une lagune instable qui lutte depuis des siècles contre la mer, sa pire ennemie mais aussi, celle par qui sa richesse s’est développée. Ainsi une chronologie établit les étapes clé de l’essor de cette cité – état et nous présente son organisation autour du Grand Canal et de la place St Marc. Nous visitons aussi les édifices emblématiques de la ville grâce à des technologies innovantes (vue en nuage de points, en X-ray,…).

Et puis, on parle aussi du futur : Venise se réinvente sans cesse… C’est un centre artistique mondialement reconnu et que les ingénieurs ont à cœur de préserver de la mer encore pour de nombreux siècles. Néanmoins la visite s’achève sur une surprise : la découverte d’une Venise – Atlantide.

Avec la scénographie choisie par l’agence Clémence Farell et l’ambiance sonore composée par David Chalmin, on alterne entre images et documents réels et numériques. Grace à des panneaux immenses (près de 20 m de haut) qui reconstituent des vues de la ville, nous naviguons littéralement sur les canaux, passons sous le Rialto,… C’est parfois troublant ! Le coté immersif est donc réussi.

Ce qui peut à priori déranger c’est l’espace réservé par l’éditeur de jeux vidéo Ubisoft pour présenter des images de son jeu Assassin’s Creed II dans une Venise du XVème siècle. Pourtant cette salle permet sans doute de capter l’attention des plus jeunes alors qu’ils font déambuler un des héros dans les lieux emblématiques de Venise avec à chaque étape des informations sur l’histoire, les traditions, les lieux.

Non là où le bât blesse, c’est la furieuse envie de retourner voir Venise en vrai qui nous a saisi lors de notre déambulation. Rien ne remplace un vrai voyage même si celui-ci est très bien conçu.

Rose arrive une fin d'après-midi dans une maison au bord de mer, qui se trouve à proximité d'une centrale nucléaire qui a subi un tsunami, à l'instar de ce qui s'est passé à Fukushima. Dans la maison, elle retrouve Hazel et Robin, couple à la retraite avec qui elle a travaillé dans la centrale. Elle a une proposition inattendue à leur faire mais comment va t'elle s'y prendre pour présenter son idée ?

"Comment vont les enfants ?"

C'est par cette phrase que démarre la pièce de Lucy Kirkwood, auteure anglaise contemporaine. Son texte est joué en France pour la première fois au théâtre de l'Atelier. Et les enfants seront absents de la scène mais leur présence restera tangible car la proposition de Rose parle de leur avenir. Sous l'apparente légèreté de l'écriture, on perçoit bien le propos engagé de l'auteure qui a reçu le prix de la meilleure Pièce aux Writer's Guild awards pour cette pièce. Un texte où la nonchalance laisse passer des piques féroces. Oui c'est un brin caustique même si on sent parfois que l'humour anglais n'est pas toujours assez finement retranscrit en français. Ce n'est pas un problème de traduction, c'est souvent le cas avec des textes sarcastiques, le sens est plus percutant en anglais. La pièce peut dérouter le spectateur par son ton grinçant mais la finalité est noble et inédite.

C'est un texte novateur et parfois déconcertant qui est porté par une distribution extraordinaire : Dominique Valadié (Rose), Cécile Brune (Hazel) et Frédéric Pierrot (Robin). Ces trois là forment une sacrée équipe sur scène : Robin est à vif mais cache son désespoir en protégeant Hazel de la vérité, pour qu'elle puisse faire face avec vigueur aux évènements qui leur arrivent, tandis que Rose serait une sorte de version négative d'Hazel mais avec un but à atteindre qu'elle ne lâchera pas. La mise en scène d'Eric Vigner est elle aussi particulière, totalement au service du texte : dans un décor épuré dans la couleur fait penser aux années 70, les déplacements des deux femmes sont très limités, laissant le poids des mots prendre toute la place dans l'espace scénique.

Orphée et Euridice est sans doute un des mythes les plus étudiés à l’ecole lorsque l’on découvre la mythologie au collège. Quel supplice pour Orphée de ne pouvoir regarder sa douce Euridice pendant qu’il la ramène vers la terre des vivants !

Lorsque Gluck propose ce mythe en 1762, il révolutionne le genre de l’opéra : une oeuvre courte (1h30) resserrée sur ses principaux protagonistes et surtout un rôle magnifique et important pour le chœur.

Effectivement s’il y a un défaut, c’est bien la durée de cet opéra : c’est trop court !!! Nous n’avons pas souvent l’occasion de dire ça.

On succombe progressivement au charme en trois actes :

Acte un : c’est l’enterrement d’Eurydice dans une morne plaine grise qu’il est difficile à apprécier sur le moment mais qui semble parfaite après réflexion. Jakub Józef Orliński semble un peu faible mais les positions, à genoux ou allongé par terre, ne doivent pas favoriser sa voix d’ange. L’arrivée d’Amour (la splendide Elena Galitskaya) le fait se relever, prêt à affronter les Enfers.

Acte deux : Orphée rencontre les ombres infernales qui veulent le punir d’oser venir sur leur territoire. Les morts de l’enfer donne de la voix, c’est magnifique ! La scène rougeoie, les morts sont assis sur leurs linceuls. Visuellement, c’est réussi : on se croirait bien en enfer. Vocalement, l’importance du chœur est hautement appréciable . Jakub Józef Orliński les charme avec la douceur de sa voix. Il retrouve sa bien aimée.

Acte trois : Eurydice (Regula Mühlemann excellente), réveillée des ombres, suit Orphée mais le supplice commence pour Orphée car elle veut le regarder, l’embrasser, se serrer dans ses bras et il ne peut faire cela… On souffre avec lui…

La direction de Thomas Hengelbrock ne souffre d’aucun défaut, c’est un bonheur de suivre le « terremoto » et l’orchestre Balthasar Neumann, composé de spécialistes renommés, livre une prestation sans faille.

La mise en scène du canadien Robert Carsen, reprise par Christophe Gayral peut sembler fade ou triste mais en fait, il faut cette sobriété. Elle est nécessaire pour permettre aux voix du chœur de donner toute leur puissance émotionnelle. Le chœur, c’est celui de Balthasar Neumann et il est excellent évidemment dans cette oeuvre qui le met si bien en valeur.