En voyant les premières images du spectacle, j’étais un peu sceptique. Lorsqu’il s’agit de répertoire, j’ai tendance à préférer les mises en scène classiques. Mais celle de Macha Makeïeff me confirme au contraire qu’un spectateur devrait toujours tenter sa chance :

Quelle fraîcheur, quelle lecture décalée et réjouissante de la pièce de Molière !

Décor pop et ambiance rétro-baroque des années 70, animaux empaillés et cabinet d’expérience scientifique à l’appui, Macha Makeïeff s’approprie la scène de La Scala pour nous livrer une version très enlevée de « Trissotin ou les Femmes Savantes » qui ne perd pourtant rien de sa puissance d’évocation. A contrario, cette mise en scène moderne décentre le propos en nous faisant chausser les lunettes de notre époque : le texte de Molière rencontre ainsi notre vision contemporaine du féminisme, des relations homme-femme et du rapport à la connaissance.

Vincent Winterhalter est extraordinaire en chef de maison couard et dominé. Et que dire de Bélise interprétée ce soir-là par Jeanne-Marie Levy, personnage nymphomane et délicieusement ébahi. Les autres femmes savantes interprétées par la mère et sa fille Armande (Marie-Armelle Deguy et Caroline Espargilière) ajoutent à cette illumination du « bel esprit » dont elle se sont toquées en la personne de Trissotin (Geoffroy Rondeau). Un Trissotin sinon menaçant (comme dans la m.e.s qui fait date de Bruno Bayen avec Pierre-Louis Calixte-2010) plutôt mystérieux et dont l’aspect androgyne semble témoigne d’une duplicité qui finira par tomber. Clitandre (Ivan Ludlow) tient un rôle touchant dans cette étrange maison : tout longiligne, seule sa voix puissante et basse semble le tenir droit, en équilibre malgré son impuissance face au procès qu’on veut lui faire.

Car la mise en scène de Macha Makeïeff prend le temps du jeu, un jeu qui se glisse entre les paroles. Parfois regards, parfois postures, contacts entre les personnages ou parfois burlesque mis là dans le seul but de nous faire rire comme dans la scène des expériences scientifiques, ce jeu s’impose ajoutant de la profondeur au texte et l’ouvrant à une nouvelle strate de compréhension. Ainsi maîtrisés, les acteurs se promènent dans le texte et dans l’espace avec une aisance qui se transmet au public.

On retrouve dans le décor la même inspiration que dans le Kroum de Jean Bellorini : un intérieur à plusieurs niveaux, coloré comme autant de face d’un Rubik’s cube : c’est peps ! Les costumes, tous ravissants, nous plongent encore plus dans ce côté déjanté des années 70.

Même si je reste attachée aux mises en scène classiques qui permettent de garder le texte au centre et de le faire résonner, j’accueille avec plaisir une mise en scène décalée réussissant par je ne sais quelle (al)chimie à la piquer d’une fantaisie qui ne peut qu’ajouter à l’attention du spectateur curieux.

Un spectacle singulier et animé d’une vision. Micha Makaïeff et sa troupe de comédiens renouvellent la pièce : à voir pour tous, aguerris et plus jeunes !

Quelle aventure ! « Voir un Mesguich, c’est entrer dans un autre monde ! » m’avait-on prévenue. J’ai compris tout de suite. Il y a d’abord la seule pièce de Savinien de Cyrano de Bergerac (oui, l’original du 17ème) encore jouée aujourd’hui : « La Mort (d’)Agrippine ».

Un texte grandiloquent et semblable à l’écriture tragique : les alexandrins y sont, les rimes bien rythmées mais il faut s’accrocher car on n’y comprend pas grand-chose. Vengeance, honneur, guerre de pouvoir et tractations : on navigue étrangement entre les rois maudits (ringard mais culte !) et la série Game of Thrones, costumes fantastiques et dreadlocks à l’appui.

Malgré la voix off par laquelle Daniel Mesguich annonce les scènes à venir, la logique du texte reste opaque mais tant pis : il reste ici la langue, la sonorité des vers, leur diction et leur incarnation ; et quelle incarnation ! Le vertige du texte, est rempli par autre chose, par la mise en scène de Daniel Mesguich.

Sa direction d’acteur est singulière, elle aussi grandiloquente, pleine d’emphase et d’originalité…  Gare à qui sait se laisser surprendre et bercer par cet objet non identifié !

Car pour ne rien ménager au spectateur, Daniel Mesguich a imaginé un déroutant système de miroir : les personnages sont comme organisés par pair, habillés sensiblement pareil et souvent deux sur le plateau. Articulant en même temps la tirade de leur partenaire/adversaire, les personnages se diluent comme dans un chœur. Comme une vengeance pour toutes les vengeances, un roi pour tous les rois, une quête de pouvoir pour toute les quêtes de pouvoir. L’effet et la synchronisation sont troublants de réalisme et ont dû demander une préparation intense en répétition. On sent la minutie du metteur en scène exigeant car d’ailleurs la diction ne pourrait être meilleure. Tout résonne et tout pulse, tout se meut dans ces vers bien qu’on ne sache très bien qui s’attaque à qui et qui d’Agrippine, Tibère, Livilla ou Séjanus en sort véritablement gagnant.

Des costumes à la gestuelle en passant par le jeu d’acteurs, tous les éléments de cette « Mort d’Agrippine » participent à l’expérience d’une pièce à la fois, belle, étrange et surprenante.

C’est extravagant à souhait au point de se laisser prendre au jeu, qu’on aime ou pas, cette proposition et ce style de théâtre est à voir au moins une fois !

C’était un plaisir de retrouver Tchékhov et les thématiques russes.
Ces deux courtes pièces parlent de dettes, de propriété, de demandes en mariage, d’honneur, de deuil... Tout cela dans un univers paysan typique. Un régal.

D'autant que le décor et les costumes nous mettent bien dans l’ambiance.

Nous avons en revanche eu du mal avec le parti pris de direction des acteurs. Ils crient, exagèrent beaucoup. Certes, cela déclenchait de nombreux rires, mais de notre côté, nous aurions aimé un jeu plus subtil, plus mesuré.

Néanmoins, le texte est beau, les dialogues assez drôles !

Intéressante exposition en deux parties bien distinctes.
La première, très réussie, nous parle de la lune et des premiers pas de l’homme sur le seul endroit non terrestre qu’il a foulé il y a maintenant 50 ans. De nombreux petits textes en bleu nous apprennent bien des choses sur ce satellite et sur l'expédition d'Apollo 11.

La seconde partie, un peu moins convaincante, montre des oeuvres sur lesquelles on voit la lune, afin de découvrir sa place dans l’art.

Le parcours est assez court : 3/4 d’heure et la scénographie manque d’une cohérence d’ensemble. On se demande parfois si on n’a pas changé d’exposition.

Faut-il y aller ? Oui, mais sans vous attendre à l'événement du siècle.

Une comédie sympathique au rapport qualité-prix discutable.

L’histoire un peu farfelue de cet homme qui s’invente un ami pour que sa femme ne découvre pas qu’il la trompe est typique du théâtre de boulevard.

Les dialogues sont amusants, notamment quand Gad Elmaleh crée des citations de toute pièce. Même si par moment, la pièce patine un peu, c’est avec le sourire que nous suivons les mensonges des deux hommes, les bonnes réparties de Catherine, exaspérée.

Le décor est réussi. La mise en scène sans réelle surprise, sans grand intérêt.

Les fans de Gad Elmaleh seront contents de le voir sur les planches, les autres trouveront sûrement qu’il manque quelque chose pour avoir envie de conseiller le spectacle à tous leurs amis.