Intérieur de bon goût, pendule à coucou qui se déclenche au mauvais moment, enfin voici Clémence chantonnant, heureuse, elle plie les vêtements de bébé que sa belle-fille Manon vient de lui apporter, bébé Roberto va passer quelques jours chez ses grands-parents. Manon se permet de donner quelques recommandations à sa belle-mère pour s’occuper du bambin, (oui, on a vécu ça !) les jeunes parents ne se souviennent pas que leurs propres géniteurs se sont occupés d’eux !

Gaspard, mari de Clémence, rentre enfin de sa réunion, complétement épuisé, mais heureux de voir son fils Lucas et Manon.

Que se passe-t-il tout d’un coup ? Lucas en pleurs, sa femme gênée et les parents complétement abasourdis, d’entendre Lucas insulter sa femme, (c’est bien parti pour aller à Capri tous les deux en amoureux…) Enfin nous apprenons que Manon part seule, que Lucas reste travailler chez lui, heureusement pas de problèmes pour bébé, il reste chez Papi et Mamie !

Gaspard insiste pour que son fils demande le divorce, Clémence est plus mesurée et pour cause, de fil en aiguille, les mots fusent, les phrases s’échappent, hélas…

Les malheurs des uns et des autres font le bonheur du public, une bien réjouissante comédie, la dernière de Eric Assous, sur le mensonge, les non-dits, Jean-Luc Moreau réussit une mise en scène dynamique et drôle, lui-même tient le rôle de Gaspard, pourfendeur de l’hypocrisie, mais il faut se méfier… Quant à la charmante Anne Jacquemin, elle apporte la touche féminine et drôle de son personnage, en toute innocence. Arthur Fenwick, jeune mari paumé et trop conciliant est irrésistible, Alice Raucoules a le dur privilège d’être la « méchante » mais en fait, ne pas se fier aux apparences !

Avouons-le on s’amuse beaucoup !

Voici un thriller théâtral impressionnant et habile de Laurent Mauvignier, juxtaposant les narrations et brouillant les pistes linéaires de la compréhension. La mise en scène de Arnaud Meunier, complexe et soignée, prend des allures cinématographiques par le biais de tableaux-séquences entrecoupés de noirs et joue des effets et des situations avec un floutage ou une crudité plongeant le récit dans un trouble permanent.

« Le père et la mère se retrouvent aux prises avec leurs mensonges, leurs silences. Dix ans plus tôt, leur petite fille disparaissait. À l’heure d’un nouveau deuil, dans la maison du grand-père, tout le monde se retrouve et s’affronte lorsqu’un événement inattendu réveille le traumatisme. »

Dès la première scène, dans le silence, dépouillé de tout repère, le père (magnifique Philippe Torreton) est là, immobile face à nous. Les jalons du thriller sont alors posés. Le comédien, par la seule présence de son personnage, donne le ton qui sera celui de la pièce. Une tension traversante, sur le fil, ténue et ininterrompue tout le long du récit, chargée d’émotions rentrées ou débordantes qui envoutera les jeux de chacun des protagonistes.

Et nous voici emportés dans les aléas d’une course folle, course vaine ou impossible peut-être, à la recherche de la vérité qui soulagera le doute. Perdus dans le labyrinthe où l’on cherche quelle issue pourra conduire vers le soulagement. Vers cet avènement enfin réussi de la valse-hésitation des attentes et des renoncements accumulés, de l’étourdissement des espérances vaines. Au risque de se confronter à nouveau à la peur de savoir et de regretter. Au risque de réveiller les hantises fantomatiques de ses refoulements. Au risque de perdre la douleur qui a étayé tout le temps perdu à ne plus attendre et le remords de l’avoir remplacer.

L’interprétation en impose, prégnante et significative, tout en force et fragilité mêlées, remarquablement nuancée, comme une symphonie concertante où les pupitres s’opposent et se répondent selon les mesures, dans les crescendos fabuleux et les diminuendos sensibles de la partition. Anne Brochet, Romain Fauroux, Ambre Febvre, Jean-François Lapalus et Philippe Torreton sont littéralement brillants, convaincants et touchants.

Un spectacle captivant, écrit avec un voluptueuse ingéniosité, mis en vie avec adresse et surtout, interprété avec brio. Je recommande vivement.

Et… Coupez !

Du manifesto au rodéo.
De Manhattan à la Reine Blanche.
De la rue à l’arène.

1967.

Valérie Solanas publie à compte d’auteur un véritable brûlot féministe intitulé SCUM Manifesto, qu'elle vend dans la rue.

Manifesto, on voit peu près, mais SCUM ?

SCUM : le rebut, la lie, la crasse.
SCUM : "Society fur Cutting Up Men", une société pour châtrer les mâles.



En quelques mots comme en cent, Valérie Solanas est finalement assez simple : « Renverser le gouvernement, éliminer le système monétaire, mettre en place l’automatisation et détruire le sexe masculin. »
Rien que ça.

Dans ce petit opuscule qui est à la radicalité féministe ce que la kalachnikov AK-47 est au lance-pierre, celle qui sera condamnée à trois ans de prison pour avoir truffé un certain Andy Warhol de trois balles, celle-là échafaude toute une théorie.

Dans une démonstration certes on ne peut plus extrémiste, qui certes parfois relève du plus ignoble fascisme, Miss Solanas analyse finalement assez lucidement la domination exercée par la gent masculine sur les femmes, domination relevant du plus ancestral patriarcat.

Pour elle, tous les moyens les plus extrêmes seront bons pour éradiquer purement et simplement tous les mâles de la planète.


Dans un premier temps relevant du registre scientifique, voire universitaire, le texte va se politiser à outrance pour théoriser ce féminisme absolutiste, et va même s’orienter vers un côté science-fiction, au futur assez simple, un côté qui va engendrer une certaine forme d’humour.

C’est ce pamphlet étonnant et détonant que la metteure en scène Mirabelle Rousseau et la comédienne Sarah Chaumette ont eu la bonne idée de porter sur un plateau de théâtre.

Bonne idée, excellente idée même, car elles sont parfaitement parvenues à mettre en avant la fulgurance, la radicalité sans concession, la vision absolutiste et jusqu’au boutiste de Valérie Solanas.
Portées par la très actuelle traduction du livre par Blandine Pélissier, qui appelle une chatte une chatte, les deux complices vont nous asséner une véritable claque.
Au public, en général, mais surtout aux spectateurs masculins dont votre serviteur en particulier.



Nous allons assister à une conférence.
Le pupitre surmonté d’un micro nous donne déjà un indice sur la forme que va prendre le spectacle, et quand la conférencière pénètre par le fond de la salle, plus aucun doute ne plane : allure sévère, chignon retenu par un crayon, petites lunettes sur le bout du nez, Sarah Chaumette commence à dire le texte.

Elle annonce immédiatement la couleur : tel un spécialiste médico-légal qui relève d’un coup d’un seul le linceul d’un cadavre pour sa reconnaissance par les proches, dans le but d’infliger le moins de douleur possible, la comédienne nous définit le SCUM.

Je vous assure qu’à ce moment précis du spectacle, lorsque vous croisez son regard, vous n’en menez pas large !

Elle parvient à nous édifier. Dans les deux sens du terme.


Edifier, c’est à dire nous expliquer clairement ce qui a amené Miss Solanas à écrire son texte. La comédienne est très convaincante, et nous ne pouvons qu’acquiescer.

Oui, la domination masculine et le patriarcat sont bien réels.
En ce sens, c’est un spectacle indispensable, en ces temps troubles où ici et là, clairement ou insidieusement, les droits fondamentaux des femmes sont de plus en plus menacés.

Edifier, c’est faire peur.

Parce que pour l’auteure, la fin justifie les moyens. Tous les moyens.


Elle ne ménage pas sa peine, Sarah Chaumette, à arpenter le plateau, à porter haut et fort le texte.

Et puis, elle va chercher en coulisse une espèce de parallélépipède métallique bleu, qui va se révéler être une machine qu’elle va brancher.

De conférencière, grâce à cette machine, elle va devenir militante, respectant la structure littéraire du bouquin.

De pupitre, le meuble en bois devient un piédestal phallique, sur lequel elle s’élèvera de plus en plus.

Et la machine, me direz-vous ?
Cette machine va nous procurer une étonnante surprise, dont bien entendu je ne vous révèlerai pas la teneur.
A vous de venir découvrir ce phénomène à la Reine blanche.

Sarah Chaumette nous livre de façon hallucinée et drôle les vitupérations de Valérie Solanas.
Nous sommes sidérés par tant de radicalité, après avoir opiné du chef durant le constat.
La comédienne est alors magnifique d’outrance, incarnant cette redoutable pythie, cette prophétesse extrémiste, cette théoricienne de l’éradication masculine.

On comprend alors pourquoi le manifesto est devenu un rodéo : la comédienne parvient à dompter cet animal sauvage complètement affolé qu’est le texte.

Ce spectacle agit donc comme un électro-choc salutaire : grâce aux judicieux partis pris dramaturgiques, et en passant bien entendu outre la solution révolutionnaire évoquée, on ne peut qu’être totalement en phase avec la démonstration de l’auteure et comprendre la nécessité de la porter haut et fort de nos jours.


Un spectacle électrisant des plus réussis !

Un spectacle véritablement bluffant tant son originalité nous surprend en permanence. Fissure ? C’est un clown, oui assurément, mais pas que. C’est aussi et surtout un personnage aux allures fantomatiques, solides et fluides à la fois, à la poésie troublante et fantasmagorique. Un clown qui pourrait nous faire peur s'il ne nous faisait pas tant rire.

« Virtuose de l'erreur, le clown Fissure rate tout ce qu'il entreprend. Entre fatale idiotie et curiosité irrépressible, rien n'arrête ce roi de la débâcle. Pas même ses drôle de morts qui rythment inlassablement le ballet ininterrompu de ses erreurs. »

Il rate tout ce qu'il entreprend. Il joue à braver le réel, déjoue l’interdit, tord les bras du possible. Mais pourquoi donc ? On ne sait pas, faut-il vraiment le savoir ? Les moments passés avec lui sont tellement irréels qu’ils deviennent comme une évidence déconcertante, un ailleurs-ici-et-maintenant. Et c’est très drôle. Les rires s’échappent, les fous-rires fusent.

Fissure ne se fie pas aux lois de la physique, il les transgresse. Tout échappe à la logique et au rationnel, c’est incroyable. Le spectacle se déroule par tableaux sur un plateau pentu parsemé d'objets qui ne tiennent pas vraiment en place et pourtant si, enfin non... Et cela, dans le temps précis d’une ellipse de lumière qu’un grand mat courbé fait passer de cour à jardin et dont le mouvement se renouvelle à chaque fois.

Une sorte de féérie hilarante et envoutante où le suspens de ses tombées et carnages, de ses floueries et chausse-trapes, nous tient en haleine tout le long dans une machinerie savante et totalement simple en façade. C’est dingue et magique à la fois, comme ces moments de jeux d'enfants où rien n’est empêché et où tout ce qui rate, casse ou tombe ne se prête jamais au drame mais au rire. Certaines et certains, parmi le public, crient de surprise, de rire ou de joie. Si, si, je l'assure, j'y étais !

Un spectacle unique, extraordinaire au premier sens du terme, qui nous surprend par ses tours et sa drôlerie. Un circassien protéiforme. Une performance d’une qualité artistique impressionnante. À découvrir ou retrouver toute affaire cessante. Un bijou brillant et innovant.

Cette Périchole féérique, grandiose et magnifique, c’est vraiment le Pérou !

De la même façon qu’elle co-signe en ce moment un Bourgeois gentilhomme qui restera dans l’histoire de la Comédie française, seule cette fois-ci aux manettes, Valérie Lesort nous propose sa vision enchanteresse de l’un des chefs d’œuvre d’Offenbach, une vision qui restera sans nul doute dans les annales de l’Opéra-comique.

Ou comment laisser une marque indélébile dans la longue liste des mises en scène de cet opéra bouffe créé le 6 octobre 1868 au Théâtre des Variétés.

Jacques et le temple du soleil, ou Offenbach chez les Picaros.
Je dirai même plus : Jacques et le temple du soleil, ou Offenbach chez les Picaros !

C’est en effet du côté de Messieurs Hergé et Tintin que Mademoiselle Lesort semble bien avoir cherché et trouvé les références culturelles de son travail salle Favart.
D’ailleurs, un petit détail savoureux ne nous échappera pas : deux personnages tout droits sortis de Moulinsart feront leur apparition sur le plateau.

Cette mise en scène, ce sera une magnifique bande dessinée colorée, animée, une succession de tableaux époustouflants, tous plus réussis les uns que les autres, générant un humour ravageur et une douce folie maîtrisée de bout en bout, et faisant appel à notre capacité à nous rappeler notre enfance.



Le monde de l’enfance.
Une nouvelle fois, c’est à ce monde-là que fait appel Valérie Lesort.

Un monde où l’on en finit pas de dire « On dirait qu’on ferait ci, on aurait qu’à dire qu’on serait ça... »

En témoigne encore et toujours le style « lesortien », qui fait appel à une foultitude de délicieux petits procédés dramaturgiques qui nous renvoient à nos plus jeunes années.

Des pains au raisin qui évoquent les macarons capillaires de la princesse Leïa, des chevaux qui forcément laissent du crottin, des chiens qui évidemment conduisent des petites autos à pédales, un prisonnier amoureux qui dessine comme de bien entendu deux initiales dans un grand cœur, et tant d’autres...

Et puis les marionnettes, sans qui un spectacle de Valérie Lesort ne serait pas un spectacle de Valérie Lesort.

Les marionnettes épatantes de Carole Allemand, qui nous touchent profondément, parce qu’elles nous font remonter à l’époque plus ou moins lointaine de nos propres doudous et autres nin-nins…

Les magnifiques et toujours aussi inventifs costumes de Vanessa Sannino, la scénographie de Audrey Vuong, à base de deux grandes structures verticales qui pivotent sur elles-même (avec également un cachot très réussi), les tableaux dansés chorégraphiés par Yohann Têté (avec un french cancan à la fois endiablé et décalé), tout ceci concourt également à notre émerveillement de tous les instants.



Et la distribution !
Une distribution trois étoiles et bien plus, qui va elle aussi provoquer l’enthousiasme des spectateurs.

Valérie Lesort a énormément demandé aux chanteurs, avec une direction d’acteurs à la fois très précise et exigeante au possible.
Ces chanteurs, dont elle a su utiliser au mieux les talents lyriques, certes, mais également leur capacité à jouer la comédie, ces chanteurs vont être amenés à s’exprimer dans des positions étonnantes et parfois stupéfiantes, ce qui aura pour effet là encore de nous faire beaucoup rire.
Le clin d’œil chorégraphique de Piquillo à Michaël Jackson est formidable ! Ou comment chanter penché à 45° )

Stéphanie d’Oustrac est une grande, très grande Périchole, dont on se souviendra longtemps.
La mezzo-soprano nous emmène loin, très loin, avec à la fois une délicatesse et une puissance vocales qui conviennent tout à fait au personnage. Quel engagement, quelle fougue !
Elle nous captive en permanence, et nous attendons avec impatience les airs très connus du personnage.

Le ténor Philippe Talbot interprète de façon irréprochable Piquillo, formant avec Mademoiselle d’Oustrac un couple particulièrement cohérent, réaliste, aux passionnantes péripéties.

Ces deux-là vont nous faire beaucoup rire. Leurs scènes de comédie sont en effet drôlissimes.

Le talentueux baryton Tassis Christoyannis est un vice-roi facétieux, libidineux à souhait, finalement magnanime.
Ses airs, son allure épatante très Henri IV, son léger accent grec, tout ceci nous ravit !

Eric Huchet (qui m’a fait penser dans la première partie au sociétaire honoraire du Français Bruno Raffaëlli), ainsi Lionel Peintre incarnent pour notre plus grand plaisir les deux hauts dignitaires péruviens, nous faisant eux aussi beaucoup rire.

Quant à l’habituée de la maison, la toujours délicieuse mezzo Marie Lenormand, elle chante de la plus brillante façon qui soit le double-rôle de Berginella et Frasquinella.

Julie Goussot et Julia Wiscniewski, elle aussi irréprochables, sont les deux autres cousines !

Julien Leroy, à la baguette, contribue pleinement avec l’orchestre de chambre de Paris et le chœur Les éléments, à nous plonger dans le tourbillon de cette musique d’Offenbach.
Les musiciens et les choristes nous rappellent parfaitement qu’il ne faut pas se fier à l’impression première de légèreté de cette musique.

En les écoutant tous, on est certes emporté dans un premier temps par une grâce de tous les instants, mais on est aussi frappé par l’exigence que requiert la partition du grand Jacques.

Comment pourrait-il en être autrement, une longue et on ne peut plus sonore ovation conclura cette mémorable soirée durant un très long moment.
Les applaudissement en rythme témoignent du grand plaisir pris par les spectateurs, complètement captivés, émerveillés et conquis par ces presque trois heures de pure beauté.

Des spectateurs qui pourront dire en se souvenant pendant longtemps de cette Périchole d’anthologie : « Nous y étions ! »

Et l’on est prié de ne pas oublier : « Quand lama fâché, lui toujours faire ainsi ! »