Avoir vingt ans à Châteauroux, dans les années 70-80.
Vivre avec sa mère institutrice, avoir tiré définitivement un trait sur son père jamais connu, et n'avoir qu'une seule envie, monter à Paris, avec sa guitare.

Telle est l'histoire de la jeune Dominique Blanchard.
Se retrouver du côté de la rue Lepic, dans une petite chambre de bonne, et cotôyer le petit peuple montmartrois.
Prendre également des cours de théâtre avec Jean-Laurent Cochet.

C'est ce qu'elle nous raconte, la Dominique en question, sur le plateau du théâtre Lepic. Dans sa robe rouge à pois, assortie à la cravate (à moins que ce ne soit le contraire) de son pianiste Charles Tois.
Auparavant, avant son entrée, nous aurons entendu un petit medley pianistique, et en off la voix grave et profonde de Richard Bohringer nous dire le premier poème de Bernard Dimey. Le cadre est posé.

Et elle continue de raconter son histoire. Une histoire de rencontre.

Avec un poète. Un grand, très grand poète.

Cette première rencontre se fera par le biais d'une affiche.
Bernard Dimey donne un récital de ses poèmes salle Pleyel. Nous sommes en 1978.
Elle y va. Par curiosité, pour voir et écouter ce « gros homme au pull-over taché ».

De fil en aiguille, suite à la signature d'un autographe, elle dînera avec Dimey et ses copains.
Ils se reverront, habitant tous les deux le même quartier. Il demande à la jeune Dominique de se raconter.

Et puis un jour, de fil en aiguille, il lui dit « C'est con, mais tu vois, je crois que tu pourrais être ma fille... »

Dominique Blanchard n'est autre en effet que la fille de Bernard Dimey, l'auteur de tant de textes, de poèmes et de chansons interprétées par Montand, Aznavour, Reggiani, Salvador, Patachou, Juliette Gréco, Les Frères Jacques, Mouloudji, Michel Simon, et même un certain... Iggy Pop.

Les deux vont vivre presque trois années ensemble, avant que l'alcool et la maladie invitent la camarde à accomplir son funeste et irrémédiable job.

De sa voix claire au timbre pur et cristallin, Dominique Dimey va nous interpréter certaines des chansons de son père, notamment « l'enfant maquillé », « Les enfants de Louxor », et bien entendu la sublime et célèbre « Syracuse », avec un dernier couplet qu'elle a adapté. (Je n'en dis pas plus...)
Elle nous dira également des poèmes, tendres, graves, ou plus drôles, comme « Quand on n'a rien à dire », ceux tirés du célèbre ouvrage « Le bestiaire de Paris », avec « Le cochon » et « Le flamant ».

Mais bien entendu, Melle Dimey va nous livrer bien plus.
« Devenir le père de sa fille ou la fille de son père, ça ne s'improvise pas » nous confie la comédienne-chanteuse.

Difficile de trouver à vingt ans un papa aussi charismatique, exubérant mais aussi terriblement secret, et devoir le quitter si vite. Comment ne pas mettre alors une espèce de couvercle sur ces années-là...

Son premier spectacle à elle s'intitulera « Moi, j'aime pas les papas ! ». Quelle métaphore !
Et nous de comprendre alors son engagement aux côté du Secours Populaire, de la Ligue de l'Enseignement ou encore de l'Unicef, en faveur des droits des enfants, surtout ces enfants qui sont brinquebalés dans le monde étrange et difficile des adultes.

En nous confiant « Aujourd'hui, je peux le dire, je suis fière d'être sa fille », elle nous suggère évidemment le chemin qu'il lui a fallu accomplir pour intégrer et assimiler cette surprenante et dévorante filiation.
L'adverbe « aujourd'hui » prend ici tout son sens. Il y a eu beaucoup de temps passé avant cet « aujourd'hui ».

Dominique Dimey est très touchante, très émouvante. De façon pudique mais en appelant un chat un chat, elle m'a bouleversé.
Cette relation père-fille hors du commun, elle nous la livre, avec ses mots, des mots qu'elle peut enfin mettre sur son histoire.
Et oui, je me répète, c'est bouleversant !

C'est un magnifique spectacle autobiographique qui mêle poésie, musique, chanson, tendresse, humour et qui nous plonge au cœur d'une incroyable rencontre, de celles qui changent et déterminent le cours d'une vie.

La mise en scène d'une obsession.
Voici en quels termes Marguerite Duras évoquait cet Homme assis dans le couloir, ce très court roman publié en 1980, et qui figure parmi ses œuvres les plus méconnues.

« Ce texte, je n'aurais pas pu l'écrire si je ne l'avais pas vécu », précisait-elle.
Comme tous ses ouvrages, il est ici question de l'écriture au féminin.

Il va s'agir d'amour dans cette écriture textuelle et sexuelle, une évocation charnelle d'une liaison, mêlent sensualité, passion et érotisme.
Une histoire qu'une femme raconte.
Une femme qui se raconte, et qui, sans aucun tabou, sans aucune fausse pudeur, nous dit les mots de la relation amoureuse et sexuelle avec cet homme qui se tient dans le couloir.

Comme toujours chez Duras, le besoin de ne rien cacher, de dire les mots même crus, les mots de l'amour et du sexe, ce besoin sera permanent, dans cette entreprise littéraire.

Un besoin qui pourrait figurer parfois comme une transgression de l'interdit bien-pensant.

Nous entrons dans la salle Vicky-Messica, et nous entendons crépiter en off une machine à écrire.
Une fois installés, arrive cette femme-écrivain du lointain du plateau. Un bol de café à la main.
Elle va s'asseoir, allumer une cigarette, puis semble se réciter les mots qu'elle va écrire.

Elle est prête, elle peut s'adresser à nous.

Mise en scène par Gabriel Garran, Marie-Cécile Gueguen est à la fois cette femme et cet homme.
Parce que cette histoire est duelle.
Parce qu'il faut bien faire dérouler l'écheveau amoureux entre cet homme assis dans l'ombre du couloir et la femme allongée au soleil.

Melle Gueguen joue cette partition sensuelle et charnelle avec beaucoup de nuances et de puissance.
Elle est tour à tour sensuelle, brûlante, féline, incandescente.
Elle caresse, se caresse, se dénude le buste, elle joue avec son corps autant qu'avec les mots.

Elle nous dit les phrases durassiennes mêlant avec virtuosité érotisme et évocation des paysages de sa jeunesse : « Je vois qu'il ne regarde pas et qui cependant se devine et se voit face au couloir, ces vallonnements si beaux avant le fleuve et cette immensité mauve toujours noyée de brume qui devrait être celle de la mer. La nudité de la plaine, la direction de la pluie devrait être celle de la mer. Et cet amour si fort. »

Et puis la comédienne nous fait comprendre parfaitement toute la franchise féminine de ce texte, sans tabou, sans fausse pudibonderie.

Gabriel Garran et Marcie-Cécile Gueguen nous permettent de bien belle façon de nous frotter à ce texte insolite et chargé d'une grande sensualité.

Il était une fois deux voix.
Deux voix, incandescentes, profondes, habitées, deux voix reconnaissables entre toutes.
De ces voix qui vous fascinent et vous hypnotisent littéralement.

Fanny Ardant. Sur scène.
Gérard Depardieu. Off

Deux mélodies orales, subtiles, brûlantes, bouleversantes.

Un dialogue entre une femme qui voudrait oublier son passé et son amant qui lui pose des questions, lui permettant de raconter, de dire, de révéler sa terrible histoire.

Cette pièce est l'adaptation théâtrale du scénario écrit par Marguerite Duras pour le film éponyme d'Alain Resnais, dans lequel une actrice française va participer à un film sur la tragédie d'Hiroshima tombe amoureuse d'un Japonais.
Nous allons assister à une difficile et poignante recherche mémorielle.

On connaît bien entendu ce thème récurrent dans l'œuvre de Duras, qui mêle la nécessité de se souvenir du passé et un autre besoin, celui de dissimuler la vérité.

Ce fragile équilibre sur la corde raide du temps qui passe va trouver ici son climax.

Le passé de cette femme est douloureux. Une tragique histoire d'amour. A Nevers, en 1944, âgée de 18 ans, la jeune fille d'alors s'était éprise d'un Allemand. Celui-ci fut abattu par des résistants.
Elle, elle fut tondue à la Libération, ses parents l'enfermèrent dans leur cave.

Fanny Ardant est cette femme entre ces deux villes, ces deux époques et ces deux histoires d'amour.
Autant l'écrire tout de suite, elle nous livre une grande leçon de théâtre.

Nous sommes bien au-delà de l'incarnation d'un personnage, tellement est est cette femme brisée qui tente de se reconstruire par le biais de la libération de la parole et du souvenir.

Dans une mise en scène épurée au maximum par Bertrand Marcos, (un seul fauteuil noir côté cour), elle irradie le plateau qui en devient brûlant.
Durant cinquante minutes, elle transforme les mots de Duras en un intense et long poème en prose au lyrisme brut. Une terrible oaristys contemporaine.

Le dialogue des deux voix fonctionne à merveille, celle dans l'éther étant tout aussi présente que celle de l'immense comédienne.

« -Tu n'as rien vu à Hiroshima !

- J'ai tout vu. Tout ! »
Nous aussi, nous avons vu.
Nous avons assisté à un très grand moment de théâtre.
Une leçon, vous dis-je !

... C’est délicieux, inventif et ludique, drôle et incroyable. Un spectacle hallucinant et doux où magie, poésie et burlesque sont conjugués au temps présent par un artiste exceptionnel. Je recommande vivement ce spectacle à l’affiche tout l’été.

Pour moi, hier, c'était jour Ferrier.
Bon, ça c'est fait...
En même temps, le spectacle s'appelle « A ma place, vous Ferrier quoi ? »
Alors hein...

Mais quelle vis comica ! Mais quelle force comique émane de cette Julie Ferrier-là !
Voila une demoiselle qui sait faire rire son public ! Un rire vrai, franc, massif, un rire sain, un rire salvateur, libérateur. « La liberté, tu vois, chéri ! La liberté ! Profite ! »

Melle Ferrier commence son spectacle hors du théâtre.
Nous voyons arriver, médusés que nous sommes, une grande bringue en robe rouge à petits liserés de dentelle, tignasse finement bouclée, accompagnée d'un sévère garde du corps (« Sécurité, sécurité ! ») et d'un étrange petit homme à la coiffure très, mais alors très improbable.

La Julie s'en donne à cœur joie. Elle improvise, joue avec ses futurs spectateurs, les fait s'aligner correctement, etc, etc...

Le ton est immédiatement donné.

Tout ceci se poursuit en rentrant dans la salle, où elle apostrophe, tance, vanne gentiment. Elle joue avec nous.
Sans compter qu'une étrange et drôle de spectatrice fait son apparition et repart l'air très vexé.

Tout peut vraiment commencer. Un cabaret très sauvage va nous être proposé, avec une dizaine de tableaux différents. (« Tu fois ce que che feux tire ? »)
C'est bien simple, nous allons assister à deux heures hilarantes.
Vous voyez le concept d'hilarité ? Eh bien, nous sommes encore au-delà.
J'avais mal aux zygomatiques en sortant de la salle. (« Oh my god ! It's amazing ! »)

Julie Ferrier va camper des personnages hauts en couleur. Très hauts, même.
Ces personnages, que je vous laisserai découvrir, bien entendu, nous renvoient l'image de notre société. Les caractères qu'elle interprète sont tous drôlissimes parce qu'ils sont tirés de la réalité, puis exagérés, caricaturés, mais à peine.

Prenant des accents jubilatoires, jouant de sa (superbe !) plastique, se dépensant sans compter (je serais curieux de savoir combien la comédienne perd de calories par soirée...), dans un abattage furieusement diabolique, elle provoque les fou-rires de la salle.

Elle n'est pas seule sur scène. (« Ouh là làààààààà ! »)
L'accompagnent trois acolytes surréalistes.
D'excellents comédiens doués de beaucoup de talents.

Des mimiques et des gestuelles à la Jim Carrey, des passages très réussis de danse, une goguette très « princière », des moments à la fois loufoques et absurdes, le tout résonant comme un miroir.
Ce qui nous fait rire, à travers les caricatures de ces quatre artistes, c'est nous, nous les humains.
« Jamais vu ça d'my life ! »

Bien entendu, le public est mis à rude contribution. Certains messieurs sont gentiment provoqués, un autre monte sur scène (je pense qu'il s'en souviendra longtemps...), votre serviteur qui a démontré sa nullité au freesbee, etc, etc...

Les quatre représentants du genre humain n'ont pas le monopole du plateau.
Rejoindront le quatuor sur scène deux mammifères (là encore, je vous laisse découvrir...) qui eux aussi ravissent tout le monde. Notamment grâce à une carotte.
Ca donne envie, non ?

Le spectacle se termine sur un inénarrable final (« Allez, tu te casses maintenant... ») !

Julie Ferrier a beaucoup de métier. Et de talent.
Faite rire est très difficile. Elle y parvient sans problème, avec une sorte de surréaliste facilité qui est évidemment très travaillée.
Le show est réglé au millimètre, avec des changements de costumes souvent « improbables »..., des effets lumières, de la fumée, des accessoires épatants, et une bande son elle aussi aux petits oignons.

Ses mimiques, ses double-takes, ses ruptures, ses adresses au public, ses répliques assassines qu font mouche, ses grands gestes sont autant d'ingrédients savoureux de ce cabaret déjanté, à savoir de de très beaux moments de comédie et d'humour.

En ces temps de morosité ambiante, il faut aller voir Julie Ferrier.
C'est un spectacle qui fait du bien. Vraiment !