Orphée et Euridice est sans doute un des mythes les plus étudiés à l’ecole lorsque l’on découvre la mythologie au collège. Quel supplice pour Orphée de ne pouvoir regarder sa douce Euridice pendant qu’il la ramène vers la terre des vivants !

Lorsque Gluck propose ce mythe en 1762, il révolutionne le genre de l’opéra : une oeuvre courte (1h30) resserrée sur ses principaux protagonistes et surtout un rôle magnifique et important pour le chœur.

Effectivement s’il y a un défaut, c’est bien la durée de cet opéra : c’est trop court !!! Nous n’avons pas souvent l’occasion de dire ça.

On succombe progressivement au charme en trois actes :

Acte un : c’est l’enterrement d’Eurydice dans une morne plaine grise qu’il est difficile à apprécier sur le moment mais qui semble parfaite après réflexion. Jakub Józef Orliński semble un peu faible mais les positions, à genoux ou allongé par terre, ne doivent pas favoriser sa voix d’ange. L’arrivée d’Amour (la splendide Elena Galitskaya) le fait se relever, prêt à affronter les Enfers.

Acte deux : Orphée rencontre les ombres infernales qui veulent le punir d’oser venir sur leur territoire. Les morts de l’enfer donne de la voix, c’est magnifique ! La scène rougeoie, les morts sont assis sur leurs linceuls. Visuellement, c’est réussi : on se croirait bien en enfer. Vocalement, l’importance du chœur est hautement appréciable . Jakub Józef Orliński les charme avec la douceur de sa voix. Il retrouve sa bien aimée.

Acte trois : Eurydice (Regula Mühlemann excellente), réveillée des ombres, suit Orphée mais le supplice commence pour Orphée car elle veut le regarder, l’embrasser, se serrer dans ses bras et il ne peut faire cela… On souffre avec lui…

La direction de Thomas Hengelbrock ne souffre d’aucun défaut, c’est un bonheur de suivre le « terremoto » et l’orchestre Balthasar Neumann, composé de spécialistes renommés, livre une prestation sans faille.

La mise en scène du canadien Robert Carsen, reprise par Christophe Gayral peut sembler fade ou triste mais en fait, il faut cette sobriété. Elle est nécessaire pour permettre aux voix du chœur de donner toute leur puissance émotionnelle. Le chœur, c’est celui de Balthasar Neumann et il est excellent évidemment dans cette oeuvre qui le met si bien en valeur.

C’est avec une férocité grinçante et sourde autant que détonante que Lucy Kirkwood, jeune autrice anglaise, façonne ce drame moderne aux allures d’uchronie où la dénonciation sociale, écologique et finalement culturelle se veut implacable et devient une évidence nécessaire à affronter. Le style narratif caustique et cynique au patchwork habile de ruptures et de saillies textuelles saute souvent dans les flaques du contrepied. L’humour à la crudité frontale impertinente et aux saveurs aigres de l’ironie, sème une drôlerie salvatrice où le rire vient piquer un univers délibérément mortifère.

« Un couple d’ingénieurs nucléaires à la retraite vit quelque part au bord de la mer près d’une centrale nucléaire qui vient d’être touchée par un tsunami. Une collègue ingénieur qui a participé elle aussi à la construction des grandes centrales scientifiques de la terre (un amour de jeunesse que l’on n’a pas vu depuis 30 ans), arrive un soir d’été pour leur faire une proposition étonnante. »

Le récit traverse tout le long un néo-réalisme allié à un néo-brutalisme qui ne sont pas sans rappeler les caractéristiques du mouvement théâtral britannique « In Yer Face » que Kirkwood semble rejoindre, dans la lignée de Kelly, Crimp ou Kane. La dramaturgie conflictuelle se délivre sur un mode de légèreté et de nonchalance. L’écriture semble vouloir nous tenir à distance de ce qui est dit, de ce qui est fait, de ce que nous comprenons être ça. Mais la narration est ici bien façonnée, ficelée avec adresse, et voilà que le paradoxe généré par le miroir cathartique du théâtre nous place tout net dans un champ de proximité avec les personnages et les situations.

Hazel, Robin et Rose nous surprennent et nous interrogent. Au-delà du trio vaudevillesque qui chahute en public ses souvenirs, ils nous content une satire contemporaine sur la volonté de résilience tentant d’imposer un renouveau pour ne pas sombrer dans l’abîme de la résignation. Mais est-il encore temps ? Croyance ou certitude ? Agitation désespérée pour conjurer le sort ou sublimation de la vieillesse dans le devenir des jeunes générations ? Ces autres nous-même, symboles de notre lignée, peut-être nos propres enfants. Les enfants. Oui les enfants, sorte de repère étalon qui survole l’ensemble de cette rationalité limitée développé dans le texte, signifiants majeurs du changement.

La mise en scène de Éric Vigner assisté par Alban de Tarlé dessine une esthétique épurée de matérialité et réduit les mouvements au stricte nécessaire de la narration. Les sons bruitent et scandent le temps qui change, hachurant ou soulignant les situations. Le texte prévaut avec force et se délivre dans l’extériorité stylisée et clinique d’une scénographie dépouillée. Les personnages s’imposent alors, magnifiés par une remarquable interprétation.

Cécile Brune, Frédéric Pierrot et Dominique Valadié nous saisissent et nous emportent dans ce récit prégnant qui devient un labyrinthe aux idées, bouscule notre imaginaire et notre réflexion. Elles et ils se fondent dans leurs personnages, on les oublie tant il sont vrais. Seuls demeurent Hazel (Cécile Brune, magnifique et majestueuse défenseuse de la Vie, au tonus décapant et à la sensibilité palpable), Robin (troublant Frédéric Pierrot, tout en profondeur dans son désespoir et sa fragilité) et Rose (impressionnante Dominique Valadié, grande faucheuse meurtrie, digne et distante mais déterminée à repartir avec ses proies). Nous nous laissons volontiers cueillir et entreprendre dans cette déroute captivante et sublime à la fois. Elles et Ils nous subjuguent véritablement par la finesse et la puissance de jeu de leurs personnages.

Un spectacle passionnant. Une pièce coup de poing. Un mise en vie à l’évidence discrète et adroite. Une interprétation de très haut vol.

Incontournable !

Le Prince Ramiro doit se marier et cherche une épouse honnête et bienveillante. Son tuteur, le philosophe Alidoro, s’est déguisé en mendiant et a repéré dans la demeure du baron Don Magnifico une jeune fille pouvant répondre au souhait du Prince. Sa famille de compose d’un beau-père tyrannique à son encontre et deux demi-sœurs Clorinda et Tisbe semblables à des harpies.

Après les succès du Barbier de Séville et d’Otello en 1816, Gioacchino Rossini, âgé de 25 ans, compose en quelques semaines (début 1817) ‘La Cenerentola, ossia La bontà in trionfo’ (Cendrillon ou le triomphe de la bonté) pour le Teatro Valle de Rome par le librettiste Jacopo Ferretti, s’inspirant du conte éponyme de Charles Perrault. Pour gagner du temps, Il reprend des airs de ses précédents succès, notamment l’ouverture de ‘La Gazzetta’.

Cette reprise de La Cenerentola mise en scène par Guillaume Gallienne a le mérite de mettre en valeur les personnages : le Prince est boiteux, les deux chipies de sœurs de notre héroïne sont très sobres dans leur habillement,… Bref, c’est le jeu des chanteurs qui va être mis en valeur. De plus, le décor sombre et un brin inquiétant d’Eric Ruf renforce cette sensation de sobriété. Le coté merveilleux du conte avec la fée et la transformation magique est oublié, nous sommes dans un univers réaliste.

La direction de Diego Matheuz peut sembler un peu austère pendant l’ouverture qui est assez longue mais il s’anime et mène l’orchestre avec finesse et nuance jusqu’à un final très vivant. L’orchestre et les Chœurs de l’Opéra lui répondent d’une seule voix.

Gaëlle Arquez est donc Angelina (Cendrillon) à la voix élégante, parfaitement à l’aise dans le jeu et notamment pour exprimer la timidité. Pour lui donner la réplique, son prince est interprété par Dmitry Korchak (qui nous avait laissé un superbe souvenir lors du Rigoletto de Claus Guth) le talentueux ténor nous séduit de sa voix posée avec justesse. Il charme les spectateurs avec l’air ‘Si ritrovarla’, jouant aussi parfaitement avec sa jambe blessée pour attirer la sympathie.

Que dire de la bonne fée et où est la pantoufle de verre ? C’est Luca Pisaroni qui incarne le mystérieux philosophe Alidoro en lieu et place de fée et c’est un bracelet qu’il confie à Angelina. Sa présence est à la fois rassurante pour Angélina et inquiétante pour sa belle-famille. Sa voix vibrante nous fait chaud au cœur. Carlo Lepore est parfait dans son rôle du beau-père tyrannique et il est parfaitement à l’aise dans le jeu de scène, à noter le debut de l’acte deux où il est seul devant le rideau encore baissé (‘Sia qualunque delle figlie’) et qu’il séduit le public avec son air cabotin. Il y a aussi son duo avec Vito Priante (Dandini) un peu plus tard où le comique de la situation l’emporte sur le chant. Vito Priante est donc un Dandini remarquable. Le baryton connait déjà le rôle : il le joue et le chante avec beaucoup de talent. Il sera ovationné par le public.

Reste le duo des sœurs d’Angelina parfaitement assorties : la soprano Martina Russomanno (Clorinda) et la mezzo Marine Chagnon (Tisbe) mêlent souvent leurs voix et c’est très harmonieux car leurs tessitures respectives se complètent fort bien.

C’est un succès auprès du public !

Il faut reconnaitre que pour son dernier spectacle (préparé durant le confinement), elle nous a surpris, je dirais aussi déroutée, la voici qui se lance dans la méditation, le retour sur soi, enfin, elle a de bons partenaires, Shakespeare, Molière et Beckett.

Entre improvisation avec le public, le bébé qui pleure (quelle idée d’emmener de jeunes enfants !), la dame qui se lève et sort pour un petit moment, Emma l’interpelle « tu vas faire pipi ? on t’attend ? », et toujours le traditionnel « comment tu t’appelles toi ? ».

Elle joue avec les lumières, jamais contente, elle apostrophe le chef de plateau, pour l’aider à sa position lotus ! le rappelle pour l’aider à se relever, enfin, difficile de faire le vide et de se retrouver.

Elle amuse avec son imitation de comédienne pour une scène de Molière, après, lui reviennent les répliques d’Hamlet, enfin elle attend toujours Godot.

J’avoue que j’ai eu du mal à entrer dans son histoire, mais Emma sera toujours Emma ou Meriem comme on veut !

Racine a écrit Bérénice en 1670, Muriel Mayette-Holtz a choisi de transposer ce drame amoureux à notre époque.

Appartement simple, lumineux, un lit jonché de coussins. C’est le matin.

Antiochus entre, c’est un grand prince d’Orient, Titus a pu compter sur lui pour vaincre la Judée. Et comme Titus, Antiochus aime Bérénice. Il souffre pour elle, il fait tout pour elle, Bérénice le considère comme un ami, rien d’autre.

Bérénice, reine de Palestine a été ramenée à Rome par Titus, ils s’aiment depuis plusieurs années. Elle est amoureuse de l’homme, pas du prince, mais celui-ci vient de succéder à son père, et son devoir exige qu’il choisisse entre son amour et la raison d’Etat.

Voilà donc le sujet de cette tragédie, qui est peu jouée et c’est bien dommage, un beau texte pourtant.

Carole Bouquet apporte sa féminité et sa douceur à cette reine aimée mais rejetée, elle aura le courage d’affronter son destin.
Frédéric de Goldfiem est un Titus profond, malheureux, mais déterminé. Jacky Ido est tout en douleur, Augustin Bouchacourt et Eve Perreur sont les confidents discrets mais importants.