Avec la compagnie des Épis Noirs, il faut s’attendre à tout, nous le savions. Et bien bingo, ça n’a pas loupé, ça le fait encore ! Dès le début et tout le long, on se dit « non, ce n’est pas possible » et pourtant si, ils le font, ils l’ont fait et ils continuent !

« Une troupe de théâtre ambulant, dirigée par un ’’Monsieur Loyal’’ tonitruant, mène ses comédiens à la cravache pour vous raconter la véritable, et non moins monstrueuse, histoire de Britannicus. »

Chevauchant les ingrédients de l’intrigue originelle de ’’Britannicus’’ de Racine, nous assistons à une représentation de cirque brossée à la manière d’une revue de music-hall, entre parodie et prétexte. Un spectacle qui contourne sans vergogne (ils allaient s’en priver peut-être !) et autant que possible, les piédestaux hissés pour vénérer les héros tragiques et les victimes de la célèbre pièce inscrite dans la mémoire littéraire.

« Attention, mesdames, mesdemoiselles, messieurs, les monstres que vous allez voir ce soir, sont des monstres aussi monstrueux que... vous ! »

Un vif plaisir de délire ambiant que cette une farce tragi-burlesque, bouffonne et déjantée où le non-sens est poussé à l’extrême mais dont le récit égrène adroitement des vérités sur les valeurs sociétales et humaines. Passés au tamis d’un façonnage ravageur, toutes transgressions sorties, la puissance des dominants comme la sincérité des sentiments est exposée et brulée au bucher de la dérision. Nous rions tout le temps, nous fou-rions souvent mais nous pensons aussi, marque de fabrique oblige.

Textes et musiques de Pierre Lericq, l’écriture est adroite, la langue est fuselée, les répliques et les situations truffées de ruptures gaguesques, avec des morceaux de poésie dedans. Des chansons (une dizaine quand-même) bigrement bien fichues et d’une musicalité agréable, genre pop et rock électro entremêlés, parsèment le récit et le colorent d’un tonus enthousiaste et communicatif.

La mise en scène de Pierre Lericq (encore lui, et en plus il joue bien), assisté par Bérangère Magnani, est calée et décalée a volo. Précise à n’en pas douter, la direction de jeux nous balade dans les dedans/dehors du texte avec saveurs et réussite.

La troupe est impressionnante. Elles et ils savent tout faire, jouer, chanter, faire de la musique (et même quelques pas de danse, non mais dites !). Jules Fabre, Pierre Lericq, Gilles Nicolas, Tchavdar Pentchev, Marie Réache et Juliette De Ribaucourt nous emportent dans cette narration bigarrée et improbable, armés d’une fougue extravagante, avec une maîtrise impeccable. Vis comica chevillées au corps, elles et ils excellent dans leurs personnages et nous cueillent littéralement.

Un spectacle qui devrait être interdit par la censure mais bon. En attendant, courez-y ! C’est drôlissime de chez drôlissime et ce n’est pas bête du tout. Je recommande vivement ce moment de délire intelligent.

Un festival comme on aime et que nous retrouvons avec joie. Véritable moment attendu de découvertes de ce qui est, et restera, des temps de théâtre étonnants, truffés d’originalité et prises de risque. Cette année, nous avons vu cinq capsules, il y en a seize au total.

Mais parlons de ces cinq capsules.


STAN
De Félicien Juttner. Mise en scène de Félicien Juttner assisté de Tadrina Hocking. Avec Maxime Gleizes, Patrice Rivet et la participation amicale de Tadrina Hocking.
« Un soir qu’il s’ennuie chez lui, Stan reçoit une visite inattendue. Un ami qu’il n’avait plus vu depuis plus de vingt ans. Un de ces amis qu’on a perdu de vue et qui nous rappelle – quand on les retrouve – qu’en laissant le temps passer…On s’était peut s’être perdu de vue soi-même. »

Qu'arrive-t-il à Stan ? Reçoit-il Seb, un ancien ami très proche, un importun qui semble bien le connaître, un fantôme du passé qui resurgit pour le faire dialoguer avec la mort le temps d'une solitude pesante ? Ou bien encore son propre double qui s'impose à lui et lui dévoile les contours labyrinthiques de ses réminiscences et de sa condition ? Un rêve prémonitoire ou une pensée latérale ?

C'est dans ce quiproquo ambiant que nous passons avec lui la durée d'un match de foot à la télé et dont nous ressortons touchés, incertains et plein d'espoir finalement.

Un texte subtilement écrit. Une mise en scène efficace et des jeux richement incarnés et très prégnants. Une capsule qui ne demande qu'à s'envoler.



ENVOLE-MOI, ENVOLE-MOI, ENVOLE-MOI
De Marie-Julie Baup. Mise en scène de Marie-Julie Baup et Thierry Lopez. Collaboration artistique de Anouk Vial. Avec Marie-Julie Baup, Sipan Mouradian, Nicolas Martinez, Serge Da Silva, Brigitte Belle.
« Lilette tient à souhaiter une très belle année à tout le monde dans l’entreprise et leur parler également de sa virginité. Et sinon Gabriel de la compta est un peu beau, il a quelque chose quoi. Honoré Mamelle est aussi doux que rond, Jean Louis rit parfois gras, et Nathalia est extrêmement gênante. »
Un univers absurde et surréaliste que l'humour et la dérision colorent d'un comique déferlant tâtant parfois du burlesque. Lilette est cette jeune femme inhibée, profondément seule, prisonnière de ses propres doutes. Sa personnalité fragile oscille en les bousculant l’estime de soi, le sentiment de compétence et l'image personnelle. Elle appelle ça sa timidité. Alors bien sûr, elle trouve un appui auprès de son conseiller de vie, sorte de coach ou de psychologue un rien loufoque et un bon peu dingo, qui prend cher de ridicule.

Il s'en suit des essais et des erreurs, des expériences aussi, et puis cette découverte enfin d'une issue possible… heureuse ou pas.

Un argument intéressant. Un traitement dramaturgique risqué mais sans doute encore inabouti, comme le dessin des personnages. Une interprétation pêchue qui porte et emporte l'ensemble.



TABLEAU DE CHASSE
De Victoria Kaario. Mise en scène de Cédric Moreau assisté de Benoit Crou. Avec Alexandra Chouraqui et Géraude Ayeva Derman.

« Quand Candice Heymann apprend que sa fille Sarah a eu 11 à son exposé alors que tous ses camarades de classe ont eu 16, son sang ne fait qu’un tour. Elle décide de prendre rendez-vous avec Sophie Gassamé, sa professeure principale au collège Eugenie Cotton de Sarcelles, pour lui demander des comptes. »

Une confrontation violente entre une professeure et une mère d'élève qui soulève la question récurrente de l'affect dans la relation éducative. Comment le combat entre le désir et l'attente d'une mère avec la mission qui se veut implacable et objective d'une professeure peut-il se terminer ?

Et si un glissement des pulsions s'opérait ? si l'image sociale laissait tout à coup place à la réalité des sentiments, au dévoilement de son intimité, au soi véritable ? Que verrions nous alors ? Mais tout cela ne sera-t-il que l’instant volé d’une rencontre ?

Un tête-à-tête cruel, d’une violence inouïe et d'une densité remarquable, servi par deux comédiennes très convaincantes.



RANGE TON COEUR ET MANGE TA SOUPE
De Marjorie Fabre. Mise en scène de Chiara Breci assistée de Déborah Dahan. Avec Guillaume Charbuy, Claire Couture, Valeria Dafarra, Delphine Lalizout, Matthieu Pastore, Régis Romele,

« Range ton cœur et mange ta soupe commence autour d’un repas : un couple formé par deux personnages nommés A et B, réunit les belles-familles afin qu’elles se rencontrent pour la première fois, malgré les réticences ou la désapprobation des uns et des autres. Débute alors le parcours de ce couple qui tente de construire sa vie en dépit du regard familial, un parcours – du repas initial jusqu’au mariage – qui pourrait le mener à sa véritable émancipation. »

L'écriture de cette capsule est très intéressante par son parti-pris réussi de jeux permanents avec la fiction. Tout le long, le fil narratif est troublé par les injonctions des didascalies qui mêlent aux répliques, par des retours en arrière et des reprises.

Une très adroite façon de montrer l'incommunicabilité entre parents et enfants devenus adultes, de souligner le chemin trop souvent parsemé d’embûches pour parler de la différence, des oppositions entre l'attente des uns et la volonté des autres.

Cette traversée imaginaire de la réalité supposée captive l'attention par son originalité. La mise en scène épurée et stylisée convient parfaitement au récit. Le jeu des comédiens tient le fil narratif de bout en bout avec habileté et fluidité. Une capsule qu'on aimerait beaucoup voir développée.



LE MIRACLE DES GRENOUILLES
Texte et mise en scène de Ariane Boumendil. Collaboration artistique de Constance Carrelet. Avec Pascale Oudot, Ludivine de Chastenet, Constance Carrelet ou Ariane Boumendil.

« Trois sœurs se retrouvent un soir dans la maison de leur mère très malade, délirante, qui ne quitte plus son lit. C’est la plus jeune, qui, vivant là, s’occupe d’elle. De quoi peut-on discuter quand sa mère meure un étage au-dessus ? Comment parler de l’essentiel quand tout est matière à conflit ? Après un dîner très arrosé, la découverte dans la maison d’un livre sur la vie des saints fera prendre à la soirée un tournant inattendu… »

Un texte aride et d'une extrême violence, trash même, qui traite sans confession de l'animosité cruelle et agressive de trois sœurs confrontées à la fin de vie de leur mère. Là, à l'étage au-dessus d'elle.

Jouer en force, parfois appuyée, le récit prend place progressivement jusqu'à une fin inattendue et pourtant si évidente.

Une courte pièce qui donnerait sans doute un passionnant moment de théâtre dans un format plus long. Une interprétation intense et admirable.

- Le festival a lieu tous les jours à partir de 19h00 Jusqu’au 11 juin -

Un spectacle comme un précis d’élégance et d’espièglerie où un souffle permanent de liberté traverse les propos et les situations, et tourbillonne autour de nous pour venir nous souffler tout le long que le plaisir est principal. Ici, avec la pièce Quadrille, Guitry nous est montré avec fraicheur et brio comme un conteur des aléas de l’amour dont il se déjoue toujours adroitement et avec classe, pour les transformer par des pirouettes savantes en autant de moments de jeux de cache-cache, de cache-tampon ou de cachoteries nous rendant complices amusés et expectatifs.

« Philippe en couple, depuis six ans avec Paulette, est secrètement amoureux de Claudine à qui il n'ose déclarer sa flamme. Un homme malheureux en amour qui s’empêche de vivre sa vie par convention sociale. Préfèrerait-t-il se ranger en se mariant avec sa compagne officielle pour mieux là tromper avec sa meilleure amie ? Quand soudain arrive Carl, vedette de cinéma américain. Cet accélérateur de destin embarque Paulette dans une histoire passionnée. Amourette ou amour ? Philippe sera-t-il libre d'épouser celle qu'il aime ? »

Nous le savons, jouer Guitry n’est pas un gageure de simple portée. Il faut de la distance, de la légèreté et du savoir-faire pour laisser à l’argument toute son audace sans le charger d’atours emberlificotés de rubans ou d’apprêts inutiles.

La malice du texte suffit amplement. La rendre au plus près de son intention originelle est affaire de précision dans la mise en scène, les postures et les situations d’ensemble, et par-dessus tout dans l’interprétation de chaque personnage. Du débit à la diction, de la répartie à la charge, en passant par les sentiments exprimés, il s’agit là de jouer finement le texte, le dire avec l’intonation qui convient sans le falsifier par des effets trompeurs. Lui faire confiance en somme et le servir tout simplement. Voilà bien ce qui fonde la réussite spectaculaire que nous avons ici.

La mise en scène de Jean Romain Vesperini se love dans le moule du texte et le met en vie d’une auguste façon. La distinction de la langue se fait légère, les situations s’enchainent sur un rythme soutenu ménageant des moments suspendus. Situations qui, cerise sur le gâteau, sont parsemées de scènes musicales et chantées tout à fait bienvenues œuvrant merveilleusement à l’esprit général du théâtre de Guitry. Petites pointes de surprises truffées d’excellence. Il faut voir cette scène chantée et parlée avec Philippe (Xavier Gallais) et Claudine (Léonie Simaga), tout simplement excellente et significative de ce parti pris, un pur délice.

L’interprétation est superbe, brillante et complémentaire. Xavier Gallais (d’une classe incroyable et d’une évidence stupéfiante), Cyril Gueï (tonique et crédible trublion de l’amour), Léonie Simaga (magnifique à chaque instant et toujours si juste) et Marie Vialle (adorable en espiègle et naïve amoureuse). Un quatuor de fort belle tenue pour un quadrille impeccable.

Un spectacle remarquable, une soirée très agréable, un Guitry des plus réussis. Courez-y ! le spectacle est donné à 20h30 jusqu’à vendredi au théâtre Montansier.

Un fichu bon spectacle. Cette pièce savoureusement habile de Éric Assous, construite sur les standards de la comédie contemporaine avec des rebonds multiples qui se conjuguent voluptueusement aux répliques bien ficelées et piquantes de ce grand auteur vaudevillesque, fait mouche à chaque coup.

« Gaspard et Clémence vivent une retraite heureuse. Ils sont les grands-parents de Roberto, 18 mois, que leur fils unique Lucas et son épouse Manon doivent leur confier le temps d’un séjour en amoureux à Capri. Mais avant de partir en vacances, une dispute éclate. Le jeune couple que les parents croyaient soudés est en réalité au bord de l’implosion. Au cours d’une discussion sur le possible divorce de leur fils, quelques confessions émergent et puis, catastrophe ... la phrase de trop ! »

Les aléas de la conjugalité, ses affres, ses compromissions et ses bonheurs sont tournés et retournés dans un dédale de mensonges ou de retenues qui, une fois dévoilés, souvent par inadvertance, explosent et brillent de leurs effets comiques massacreurs et plaisants.

Jean Luc Moreau réalise une mise en scène discrète, sans chichi ni chinchilla, qui sert avant tout le texte et ne l'expose pas aux facilités trompeuses de truchements scéniques ou mimiques appuyés. Une mise en scène qui ne se voit pas, comme on aime. Cette sobriété dont Jean Luc Moreau est un fidèle artisan, honore avant tout l’argument et les situations, laissant au texte et à l’interprétation toute la place pour nous entreprendre.

Jean-Luc Moreau, Anne Jacquemin, Arthur Fenwick et Alice Raucoules jouent tout en fluidité et évidence. Elles et ils donnent à leurs personnages tonus et sensibilité, et au comique des situations et des répliques, l’abattage parfois féroce qui convient. Une bien belle et bonne distribution.

Une comédie agréable et drôle, à l'écriture efficace et la mise en scène réussie, impeccablement interprétée. Un bon moment de théâtre de plaisir, à savourer sans hésiter.

Voici un thriller théâtral impressionnant et habile de Laurent Mauvignier, juxtaposant les narrations et brouillant les pistes linéaires de la compréhension. La mise en scène de Arnaud Meunier, complexe et soignée, prend des allures cinématographiques par le biais de tableaux-séquences entrecoupés de noirs et joue des effets et des situations avec un floutage ou une crudité plongeant le récit dans un trouble permanent.

« Le père et la mère se retrouvent aux prises avec leurs mensonges, leurs silences. Dix ans plus tôt, leur petite fille disparaissait. À l’heure d’un nouveau deuil, dans la maison du grand-père, tout le monde se retrouve et s’affronte lorsqu’un événement inattendu réveille le traumatisme. »

Dès la première scène, dans le silence, dépouillé de tout repère, le père (magnifique Philippe Torreton) est là, immobile face à nous. Les jalons du thriller sont alors posés. Le comédien, par la seule présence de son personnage, donne le ton qui sera celui de la pièce. Une tension traversante, sur le fil, ténue et ininterrompue tout le long du récit, chargée d’émotions rentrées ou débordantes qui envoutera les jeux de chacun des protagonistes.

Et nous voici emportés dans les aléas d’une course folle, course vaine ou impossible peut-être, à la recherche de la vérité qui soulagera le doute. Perdus dans le labyrinthe où l’on cherche quelle issue pourra conduire vers le soulagement. Vers cet avènement enfin réussi de la valse-hésitation des attentes et des renoncements accumulés, de l’étourdissement des espérances vaines. Au risque de se confronter à nouveau à la peur de savoir et de regretter. Au risque de réveiller les hantises fantomatiques de ses refoulements. Au risque de perdre la douleur qui a étayé tout le temps perdu à ne plus attendre et le remords de l’avoir remplacer.

L’interprétation en impose, prégnante et significative, tout en force et fragilité mêlées, remarquablement nuancée, comme une symphonie concertante où les pupitres s’opposent et se répondent selon les mesures, dans les crescendos fabuleux et les diminuendos sensibles de la partition. Anne Brochet, Romain Fauroux, Ambre Febvre, Jean-François Lapalus et Philippe Torreton sont littéralement brillants, convaincants et touchants.

Un spectacle captivant, écrit avec un voluptueuse ingéniosité, mis en vie avec adresse et surtout, interprété avec brio. Je recommande vivement.