Après nous avoir fait voyager avec Les cavaliers (Molière du meilleur spectacle privé en 2016) Éric Bouvron nous embarque sur les traces de Lawrence d’Arabie.

Magnifique épopée qui nous transporte en péninsule arabique, dans le désert et les camps de bédouin.

La mise en scène, très cinématographique, est rythmée, fluide, millimétrée et terriblement efficace. Une alternance de chants, musiques et scènes merveilleusement orchestrée. C’est un spectacle chorale impressionnant de précision où chacun a sa place, un très beau travail de groupe.

On part réellement à l’aventure. Une histoire d’amitié entre cet anglais et ces hommes si éloignés de lui et puis son amour pour cette terre si différente de son pays. Une épopée héroïque et fraternel comme on en voit peu au théâtre : on est captivé.

C’est drôle, gai et très intéressant.

Un excellent spectacle.

S’inspirant du récit des mariages éphémères entre marins et jeunes femmes japonaises Leslie Menahem, auteure, propose une fiction moderne inspirée du livret de l’opéra Madame Butterfly.

Cette pièce revisite donc l’opéra de Puccini. La voix est ici donnée à Suzuki, une fidèle servante/amie qui raconte l’histoire de Cio-Cio-San (« Madame Papillon » en japonais). Son regard externe est rempli de bienveillance et de tristesse. Elle regrette de n’être pas intervenue, de ne pas avoir pu agir pour éviter cet enchainent dramatique. Mme Butterfly passionnée et convaincue de ses choix ne faillit pas et s’enlise jusqu’à l’acte fatal. Ces deux personnages féminins tiennent la pièce, l’une parle, l’autre chante (très jolie voix). Elles sont accompagnées par les apparitions fugaces des personnages masculins dont le fameux Pinkerton, officier égoïste et inconscient qui causera le malheur de Cio-Cio-San. Et surtout elles sont surtout entourées, englobées et portées par un quatuor, composé d’un violon, d’un basson, d’une contrebasse et d’une clarinette.

La musique, le texte et le chant s’enchevêtrent, et se soutiennent pour donner un résultat très agréable. C’est à la fois, doux et pur, léger et fort.

C’est un conte et le public était extrêmement concentré, à l’écoute de ce drame que l’on sent arriver et que l’on redoute.

La scénographie de Rébecca DAUTREMER est superbe, tout en clair-obscur, à la fois papier découpé et transparence, elle montre toute la beauté et la fragilité de l’héroïne. Les très beaux costumes d’Elise GUILLOU, grands kimonos de papier blanc, donnent à l’ensemble une belle unité. On saluera également la très jolie mise en lumière de Juliette LABBAYE.

Unité c’est d’ailleurs un mot qui définit bien ce spectacle. On sent beaucoup d’écoute entre les comédiens et musiciens, beaucoup de cohérence dans l’ensemble du projet, assemblage et équilibrage parfait. La mise en scène d’Arnaud Guillou est fluide et efficace.

C’est un spectacle hybride, un mélange entre une pièce, un opéra, et un concert et l’ensemble est parfaitement harmonieux. La musique prend des libertés, on passe par du Puccini, du Gabriel Fauré, mais aussi par du Gershwin et du Barbara.

Un très joli moment de théâtre. A voir !

Le décor est superbe et l’ambiance est posée. Nous sommes dans l’Express d’Orient, le train de luxe qui traverse le continent en passant par toutes ces villes exotiques.

Tout à coup le fameux Arthur Conan Doyle, le créateur de Sherlock Holmes, monte à bord du train dans un très réaliste nuage de vapeur. Les personnalités des personnages sont bien trempées. Chacun est à sa place, le râleur, la jeune hystérique, le russe à l’accent truculent… une palette haute en couleur ! Et tout ce petit monde s’anime dans le train car le wagon salon est le lieu d’une drôle d’intrigue dans laquelle tous vont jouer un rôle crucial.

Le suspense est au rendez-vous et le mystère perdure jusqu’à la fin. L’enquête n’est en effet pas de tout repos et la pièce est pleine de rebondissements.
Les acteurs sont convaincants et les costumes magnifiques. Une mise en scène efficace associée à un texte qui fait mouche font de cette comédie policière un spectacle très réussi.

Un bon moment de détente en perspective.

L’idée de cette pièce est partie d’un podcast relatant le bouleversant récit d’Hélène Ducharme, attachée de presse au théâtre du Rond-Point. Cette série d’interview déroule la vie hors du commun de cette femme qui lutte contre la maladie dans un contexte familial déjà bien chaotique. De ce touchant podcast et de la rencontre entre Hélène Ducharme et la comédienne Marie Rémond naitra l’envie commune d’adapter cette tranche de vie sur un plateau de théâtre.

C’est sombre et l’on se demande quand la spirale va s’arrêter : mère alcoolique, père violent, secrets de famille et maladie qui n’en finit pas. Mais la richesse de ce podcast, et donc de la pièce, tient beaucoup à la personnalité d’Hélène qui réussit à dédramatiser les évènements en apportant humour et suspense dans son récit.

Il y a énormément de sensibilité dans ce « texte » et une grande maturité se dégage de son discours. Hélène Ducharme se raconte avec une distance et une objectivité que seul le temps permet. Elle semble avoir pardonné à sa mère, à son père et à son père biologique toute la souffrance psychologique subie et toutes les conséquences sur son corps qui en ont probablement découlées. Le récit est loin d’être sordide malgré les douleurs traversées, au contraire, une lumière et un optimisme éclaire la pièce.

Ces épreuves paraissent l’avoir rendues à la fois forte et fragile, déterminée mais ultra-sensible. Prenant sa vie en main très tôt elle est livrée à elle-même face à la maladie, aux greffes, aux dialyses et elle se construit seule. Elle surmonte les épreuves et la vie reprend le dessus.

Le passage à la scène est particulièrement réussi. L’originalité de la pièce tient beaucoup au choix d’adapter le podcast en conservant le format d’interview et en effectuant une retranscription fidèle de la parole plutôt qu’une réécriture totale même si un travail de coupe et d’adaptation a forcément été nécessaire. L’interview est vivant et surprenant comme seul le permet la parole libre. On constate par exemple qu’elle ponctue son discours de « c’est marrant » au moment d’aborder des situations qui ne le sont clairement pas. Ces tournures de phrase, lapsus et hésitations participent à rendre l’ensemble touchant.

Le jeu de la comédienne est varié et ultra naturel. Les silences sont justes, les ruptures spontanées, le ton d’une grande sincérité et Marie Rémond rend palpable la présence de son interlocuteur. Nous avons réellement l’impression d’assister à l’enregistrement de ce fameux podcast. La très riche scénographie remplie l’espace et tout est composé pour rendre la pièce crédible et concrète : gâteau dans le four, nombreux cafés…

Un spectacle à la fois léger et profond qui m’a beaucoup touché !

Elise Noiraud continue de se raconter dans ce 3ème volet d’une trilogie très attachante. Elise a 19 ans et elle souhaite prendre son envol. C’est compter sans sa mère sympa, touchante mais aussi collante et manipulatrice qui la ramène toujours dans sa province à la fois sécurisante et effrayante.

C’est la fin de tout ce qui la rattache à son enfance et cela se fait dans la douleur mais pas sans humour.

La comédienne interprète une succession de personnages truculents, tous croqués avec soin. Ils sont insupportables et comiques mais Elise Noiraud n’est jamais méchante et les regarde toujours avec bienveillance.

Elle nous fait revivre la montée à Paris de cette provençale, naïve et un peu paumée, avec beaucoup de simplicité, de sincérité et de naturel.

C’est à la fois drôle, enlevé et émouvant. La mise en scène est efficace, vivante et cadencée. Un spectacle très humain !