Son balcon
SAISON 2022-2023
Son challenge culturel !
Objectif de voir 50 pièces de théâtre
52%
26 pièces vues
Mini Molières
1 278reçus
Génie
Son classement : 17 / 5781
Avant elle
Sonia ThéâToile
190 critiques
Après elle
Charlotte Henry
165 critiques
Niveau
16 / 20
16 / 20
174
critiques
filatures
18
7
Espions
Derniers curieux qui ont visité son profil
Actualités de ses filatures
Quiproquos à gogo !
On sait que l'art de la comédie est très difficile.
C'est pourquoi il y en a tant de médiocres .....
La réussite d'"Une idée géniale" est qu'elle rassemble tous les ingrédients d'un vaudeville réussi : écriture efficace, mise en scène hyper rythmée et interprétation succulente.
Nul besoin d'une écriture intelligente et encore moins plausible, ce qui compte c'est que les malentendus soient cohérents.
Plus c'est gros, plus ça passe !
La progression de l'histoire, basée à la fois sur la répétition et sur la surprise fonctionne à plein.
Sébastien Castro parvient à tenir le spectateur en haleine jusqu'au bout avec beaucoup d'habileté et d'efficacité.
La mise en scène est elle aussi fondamentale.
La cadence ne doit jamais baisser, les portes doivent s'ouvrir et se fermer sans temps mort, et les malentendus s'enchaîner avec une logique implacable.
Un grand bravo à Agnès Boury et José Paul pour cette formidable orchestration et cette maîtrise du comique de situation.
Et puis il y a l'interprétation, sans laquelle tout ce qui précède tomberait totalement à plat.
Là aussi, c'est une vraie réussite.
Les quatre comédiens ont cette sincérité dans l'absurde qui est indispensable pour faire rire.
Il y a les étonnements hilarants de Sébastien Castro, les affirmations décalées de José Paul, la fausse ingénuité de Laurence Porteil.
Quand aux répliques complètement barrées d'Agnès Boury, qu'elle balance avec un naturel confondant, elles sont à haute qualité théâtrale !
Après un démarrage un peu lent, nous voilà embarqués dans cette histoire d'infidélité qui ne ressemble à aucune autre.
La salle archi pleine se marre sans arrêt ....
Un gros succès mérité et prolongé jusqu'à fin mars !
On sait que l'art de la comédie est très difficile.
C'est pourquoi il y en a tant de médiocres .....
La réussite d'"Une idée géniale" est qu'elle rassemble tous les ingrédients d'un vaudeville réussi : écriture efficace, mise en scène hyper rythmée et interprétation succulente.
Nul besoin d'une écriture intelligente et encore moins plausible, ce qui compte c'est que les malentendus soient cohérents.
Plus c'est gros, plus ça passe !
La progression de l'histoire, basée à la fois sur la répétition et sur la surprise fonctionne à plein.
Sébastien Castro parvient à tenir le spectateur en haleine jusqu'au bout avec beaucoup d'habileté et d'efficacité.
La mise en scène est elle aussi fondamentale.
La cadence ne doit jamais baisser, les portes doivent s'ouvrir et se fermer sans temps mort, et les malentendus s'enchaîner avec une logique implacable.
Un grand bravo à Agnès Boury et José Paul pour cette formidable orchestration et cette maîtrise du comique de situation.
Et puis il y a l'interprétation, sans laquelle tout ce qui précède tomberait totalement à plat.
Là aussi, c'est une vraie réussite.
Les quatre comédiens ont cette sincérité dans l'absurde qui est indispensable pour faire rire.
Il y a les étonnements hilarants de Sébastien Castro, les affirmations décalées de José Paul, la fausse ingénuité de Laurence Porteil.
Quand aux répliques complètement barrées d'Agnès Boury, qu'elle balance avec un naturel confondant, elles sont à haute qualité théâtrale !
Après un démarrage un peu lent, nous voilà embarqués dans cette histoire d'infidélité qui ne ressemble à aucune autre.
La salle archi pleine se marre sans arrêt ....
Un gros succès mérité et prolongé jusqu'à fin mars !
Voici un spectacle vivace et ardu, captivant et envoutant où Sylvain Maurice met en vie, avec une approche quasi diabolique toute en finesse, la pièce de Martin Crimp. Nous sommes embarqués aussitôt dans une surprenante narration de récits juxtaposés qui décapitent la stabilité ordinaire d’une histoire amoureuse, ébranlent les formats du couple et bousculent les liens affectifs habituellement exposés.
« Richard, médecin, et sa femme Corinne ont quitté Londres pour s’installer à la campagne. Tandis que Corinne s’acclimate à cette nouvelle vie avec leurs deux enfants, Richard enchaîne les visites à domicile chez ses patients. Un soir, il rentre à la maison en portant dans ses bras une jeune femme inconsciente prénommée Rebecca. Cette jeune femme, qu’il dit avoir trouvée étendue sur le bord de la route, va semer le doute et révéler les fractures du couple. »
Crimp autopsie le couple, fait surgir de ses entrailles l’espace transitionnel et sacré qui lie le rapport entre soi et l’autre ; entre l’intime et le social ; entre le non-dit, le suggéré et le dit, le ressenti.
Son théâtre se rapproche, une nouvelle fois, du « néo-brutalisme » du théâtre britannique In-Yer-Face où la provocation se marie à l’âpreté des situations décrites ou suggérées par le langage parlé plus que dans les scènes jouées, où la violence rampe sourdement.
La tension s’impose immédiatement dans les échanges, percutant notre écoute, stimulant notre quête de sens et d’indices dans ces bouts d’histoire, placés en parallèle, d’une intrigue qui ne l’est pas. Le doute perdure, entre peurs et soupçons, entre paradoxes et mensonges.
Un huis-clos qui instille une anxiété dans notre attention.
L’écriture abondante, fournie et fouillée fait se chevaucher les questions sans réponses, les réponses à d’autres questions, les interjections éclatantes de fureur semant le trouble et laissant planer un sentiment de terreur.
La mise en scène de Sylvain Maurice assisté par Béatrice Vincent, se révèle habile par une approche simple et claire permettant de faire ressortir la percussion des propos, leur perversité intrinsèque et leurs effets déroutants. Maurice construit le labyrinthe de sens voulu par Crimp. Sa scénographie, réalisée en collaboration avec Margot Clavières, contribue à une esthétique soignée et colorée (lumière de Rodolphe Martin), agréable et douce, qui vient en contrepoint de la cruauté des propos, de l’étrangeté féroce des récits, et du désarroi qui nous ravit.
L’intensité des situations évoquées et leur troublant floutage tissent peu à peu un univers énigmatique que l’ambiance sonore de Jean De Almeida appuie ardemment et que les comédiens s’approprient formidablement.
Les personnages, décrits certes avec précision par le texte et la direction de jeux, sont incarnés magistralement.
Isabelle Carré est Corinne, une épouse troublante : inquiète et épanouie, amoureuse et libérée, nerveuse et froide, une interprétation tout en subtilité.
Yannick Choirat est Richard : puissant et fragile, dérouté et déroutant, énigmatique à souhait. Une interprétation tout en puissance.
Manon Clavel est Rebecca : trublionne de la norme, légère et funeste, perfide et attachante. Une interprétation tout en nuances.
Un spectacle imposant et impressionnant. Une mémorable proposition du théâtre de Martin Crimp. Une mise en vie captivante. Trois rôles, trois partitions, trois interprétations convaincantes et complémentaires, un pur délice de jeux. Un spectacle que je conseille vivement.
« Richard, médecin, et sa femme Corinne ont quitté Londres pour s’installer à la campagne. Tandis que Corinne s’acclimate à cette nouvelle vie avec leurs deux enfants, Richard enchaîne les visites à domicile chez ses patients. Un soir, il rentre à la maison en portant dans ses bras une jeune femme inconsciente prénommée Rebecca. Cette jeune femme, qu’il dit avoir trouvée étendue sur le bord de la route, va semer le doute et révéler les fractures du couple. »
Crimp autopsie le couple, fait surgir de ses entrailles l’espace transitionnel et sacré qui lie le rapport entre soi et l’autre ; entre l’intime et le social ; entre le non-dit, le suggéré et le dit, le ressenti.
Son théâtre se rapproche, une nouvelle fois, du « néo-brutalisme » du théâtre britannique In-Yer-Face où la provocation se marie à l’âpreté des situations décrites ou suggérées par le langage parlé plus que dans les scènes jouées, où la violence rampe sourdement.
La tension s’impose immédiatement dans les échanges, percutant notre écoute, stimulant notre quête de sens et d’indices dans ces bouts d’histoire, placés en parallèle, d’une intrigue qui ne l’est pas. Le doute perdure, entre peurs et soupçons, entre paradoxes et mensonges.
Un huis-clos qui instille une anxiété dans notre attention.
L’écriture abondante, fournie et fouillée fait se chevaucher les questions sans réponses, les réponses à d’autres questions, les interjections éclatantes de fureur semant le trouble et laissant planer un sentiment de terreur.
La mise en scène de Sylvain Maurice assisté par Béatrice Vincent, se révèle habile par une approche simple et claire permettant de faire ressortir la percussion des propos, leur perversité intrinsèque et leurs effets déroutants. Maurice construit le labyrinthe de sens voulu par Crimp. Sa scénographie, réalisée en collaboration avec Margot Clavières, contribue à une esthétique soignée et colorée (lumière de Rodolphe Martin), agréable et douce, qui vient en contrepoint de la cruauté des propos, de l’étrangeté féroce des récits, et du désarroi qui nous ravit.
L’intensité des situations évoquées et leur troublant floutage tissent peu à peu un univers énigmatique que l’ambiance sonore de Jean De Almeida appuie ardemment et que les comédiens s’approprient formidablement.
Les personnages, décrits certes avec précision par le texte et la direction de jeux, sont incarnés magistralement.
Isabelle Carré est Corinne, une épouse troublante : inquiète et épanouie, amoureuse et libérée, nerveuse et froide, une interprétation tout en subtilité.
Yannick Choirat est Richard : puissant et fragile, dérouté et déroutant, énigmatique à souhait. Une interprétation tout en puissance.
Manon Clavel est Rebecca : trublionne de la norme, légère et funeste, perfide et attachante. Une interprétation tout en nuances.
Un spectacle imposant et impressionnant. Une mémorable proposition du théâtre de Martin Crimp. Une mise en vie captivante. Trois rôles, trois partitions, trois interprétations convaincantes et complémentaires, un pur délice de jeux. Un spectacle que je conseille vivement.
Pourquoi ?
Le problème des adaptations très modernes de textes très classiques, c'est qu'elles font rarement confiance à l'auteur et à ses mots.
Et quel auteur ! Le patron de la langue française !
Toujours autant joué depuis 400 ans......il doit y avoir une raison.
Tigran Mekhitarian s'empare de ce chef d'oeuvre - même pas peur ! - y voit, à raison, un personnage d'aujourd'hui et décide de le transposer dans les banlieues du 21e siècle.
Jusque là, pourquoi pas ?
Mais - pas assez contemporain peut être ? - il choisit de ponctuer le texte de rap, de mots vulgaires, de faire l'apologie du chichon - super dans une salle pleine d'enfants ! - et de transformer certains personnages de manière grotesque.
Peut être pense t'il que le public n'est pas à même de comprendre cette langue ? Qu'il faut lui expliquer ?
Si c'est le cas, alors pourquoi choisir Molière ?
En faisant cela, il supprime totalement les sublimes moments d'émotion de la pièce, qui sont remplacés par la colère, seule rescapée de cette adaptation.
Quel dommage !
Car lui et Théo Askolovitch sont très justes et parfaitement crédibles dans leurs rôles respectifs de Dom Juan et Sganarelle.
Et sans tout ce démonstratif, mais avec leur sincérité, ils auraient bien mieux fait passer le message.
Et restitué l'émotion aux deux autres comédiens - telle qu'elle apparaît trop furtivement dans la scène du mendiant - qui ne font eux que crier ou cabotiner, faute de mieux.
Dom Juan "d'après" Molière peut être, "de" Molière certainement pas !
Le problème des adaptations très modernes de textes très classiques, c'est qu'elles font rarement confiance à l'auteur et à ses mots.
Et quel auteur ! Le patron de la langue française !
Toujours autant joué depuis 400 ans......il doit y avoir une raison.
Tigran Mekhitarian s'empare de ce chef d'oeuvre - même pas peur ! - y voit, à raison, un personnage d'aujourd'hui et décide de le transposer dans les banlieues du 21e siècle.
Jusque là, pourquoi pas ?
Mais - pas assez contemporain peut être ? - il choisit de ponctuer le texte de rap, de mots vulgaires, de faire l'apologie du chichon - super dans une salle pleine d'enfants ! - et de transformer certains personnages de manière grotesque.
Peut être pense t'il que le public n'est pas à même de comprendre cette langue ? Qu'il faut lui expliquer ?
Si c'est le cas, alors pourquoi choisir Molière ?
En faisant cela, il supprime totalement les sublimes moments d'émotion de la pièce, qui sont remplacés par la colère, seule rescapée de cette adaptation.
Quel dommage !
Car lui et Théo Askolovitch sont très justes et parfaitement crédibles dans leurs rôles respectifs de Dom Juan et Sganarelle.
Et sans tout ce démonstratif, mais avec leur sincérité, ils auraient bien mieux fait passer le message.
Et restitué l'émotion aux deux autres comédiens - telle qu'elle apparaît trop furtivement dans la scène du mendiant - qui ne font eux que crier ou cabotiner, faute de mieux.
Dom Juan "d'après" Molière peut être, "de" Molière certainement pas !
Quel dommage qu'on ne puisse pas avoir un amant sans tromper son mari !
Sujet de prédilection de Feydeau, l'infidélité est au coeur de ce vaudeville réjouissif.
Vous y rencontrerez une farandole de cocus, une brochette de femmes infidèles, un canapé qui devient lit, un majordome hilarant, une épouse sourde comme un pot, un faux Corot .....
C'est Philippe Person qui signe l'adaptation et la mise en scène d'une des pièces les plus emblématiques du célèbre auteur.
Avec beaucoup de talent et d'énergie, il mène tambour battant une troupe de six comédiens - dont lui même - vitaminés et survoltés, où chacun joue sa partition à merveille.
Le rythme, fondamental chez Feydeau, ne faiblit jamais.
La salle, comble, glousse et se régale.
Un remède essentiel contre la morosité !
Sujet de prédilection de Feydeau, l'infidélité est au coeur de ce vaudeville réjouissif.
Vous y rencontrerez une farandole de cocus, une brochette de femmes infidèles, un canapé qui devient lit, un majordome hilarant, une épouse sourde comme un pot, un faux Corot .....
C'est Philippe Person qui signe l'adaptation et la mise en scène d'une des pièces les plus emblématiques du célèbre auteur.
Avec beaucoup de talent et d'énergie, il mène tambour battant une troupe de six comédiens - dont lui même - vitaminés et survoltés, où chacun joue sa partition à merveille.
Le rythme, fondamental chez Feydeau, ne faiblit jamais.
La salle, comble, glousse et se régale.
Un remède essentiel contre la morosité !
Une pièce qui dépeint une uchronie subversive sous les atours d’une satire sociale à l’humour piquant et au cynisme assumé. Un spectacle surprenant et drôle, singulier et intrusif.
La scène d’exposition place d’emblée une forte tension dans cet entretien qui ressemble à un interrogatoire où une femme questionne avec une domination marquée un homme qui candidate à l’embauche. Premier contact, première rencontre entre Johana la patronne et Raphaël l’employé. Mais quel est ce job ?
Il nous faudra attendre, supputer et se laisser surprendre quand enfin il deviendra évident que nous sommes confrontés à un formidable dévoilement d’une nouvelle forme d’esclavage moderne. Le job est incongru, sorti d’un fantasme de bonheur poussé à l’extrême de sa possession et pourtant, ainsi montré, si probable, si proche des normes qui nous entourent que nous finirions par douter qu’il n’existe pas déjà.
« Pour se libérer de sa charge mentale, Johana s’offre les services d’un ’’homme à penser’’. Cet employé à domicile va apprendre à penser comme elle pour la remplacer en toutes circonstances : dans le business qu’elle gère depuis chez elle, comme dans la gestion des problèmes familiaux. »
Certes la charge mentale, surtout celle des femmes, est un fléau de notre société machiste et productiviste, qui oublie de regarder les autres sans se comparer. Certes, le trop-plein crée le vide, le toujours-plus engendre le manque, cherchant à calmer l’avidité par son assouvissement. Mais là quand-même, Johana, tu abuses ! Seras-tu plus heureuse et sereine, plus riche et prospère, une meilleure mère, une compagne comblée grâce à un « homme à penser » ? À un être de substitution qui prendra ta douleur et préviendra tes risques ? Nous le verrons bien…
Dommage que Freud et Marx ne puissent pas voir ce spectacle. Ils deviseraient sans doute sur les dégâts de la schizophrénie mégalomaniaque ou dépressive et la soumission masochiste à la dépendance d’autrui comme sur l’exploitation de la force de travail pour le profit des finances et ici aussi du bien-être d’une entrepreneuse déroutée et déroutante, d’une femme en péril qui met en péril.
Le texte de Stéphane Robelin est descriptif. Il soigne la situation plus que la parole, laissant aux personnages le soin de nous faire ressentir les enjeux, les tiraillements, les écarts. Sa mise en scène est en cohérence, faisant glisser les habitus et les manies sans les charger d’effets, les jeux les montrent suffisamment (Ah, ces verres à demi pleins et cette plante assoiffée !). La scénographie de David Bersanetti, la musique de Antoine Robelin et la vidéo de Ludovic Lang contribuent avec efficacité à créer un univers à la froidure futuriste, dépouillé d’éléments signifiants, favorisant ainsi l’onirisme possible du regard.
L’interprétation des rôles principaux est colorée. Lionel Nakache est un Raphaël remarquable, au jeu nuancé et particulièrement convaincant. Sophie Vonlanthen campe une Johana toute en force, même dans ses craquages. Ils présentent tous les deux un duo-duel équilibré et réussi. Philippe Chaine, Juliette Marcaillou et le jeune Tom Robelin complètent la distribution avec cohérence.
Un spectacle à la dimension politique comme on aime. Un argument détonant. Des situations qui viennent nous déranger là où il faut réfléchir. Une mise en vie adroite et efficace. Des jeux prégnants et crédibles. Un bon spectacle à découvrir.
La scène d’exposition place d’emblée une forte tension dans cet entretien qui ressemble à un interrogatoire où une femme questionne avec une domination marquée un homme qui candidate à l’embauche. Premier contact, première rencontre entre Johana la patronne et Raphaël l’employé. Mais quel est ce job ?
Il nous faudra attendre, supputer et se laisser surprendre quand enfin il deviendra évident que nous sommes confrontés à un formidable dévoilement d’une nouvelle forme d’esclavage moderne. Le job est incongru, sorti d’un fantasme de bonheur poussé à l’extrême de sa possession et pourtant, ainsi montré, si probable, si proche des normes qui nous entourent que nous finirions par douter qu’il n’existe pas déjà.
« Pour se libérer de sa charge mentale, Johana s’offre les services d’un ’’homme à penser’’. Cet employé à domicile va apprendre à penser comme elle pour la remplacer en toutes circonstances : dans le business qu’elle gère depuis chez elle, comme dans la gestion des problèmes familiaux. »
Certes la charge mentale, surtout celle des femmes, est un fléau de notre société machiste et productiviste, qui oublie de regarder les autres sans se comparer. Certes, le trop-plein crée le vide, le toujours-plus engendre le manque, cherchant à calmer l’avidité par son assouvissement. Mais là quand-même, Johana, tu abuses ! Seras-tu plus heureuse et sereine, plus riche et prospère, une meilleure mère, une compagne comblée grâce à un « homme à penser » ? À un être de substitution qui prendra ta douleur et préviendra tes risques ? Nous le verrons bien…
Dommage que Freud et Marx ne puissent pas voir ce spectacle. Ils deviseraient sans doute sur les dégâts de la schizophrénie mégalomaniaque ou dépressive et la soumission masochiste à la dépendance d’autrui comme sur l’exploitation de la force de travail pour le profit des finances et ici aussi du bien-être d’une entrepreneuse déroutée et déroutante, d’une femme en péril qui met en péril.
Le texte de Stéphane Robelin est descriptif. Il soigne la situation plus que la parole, laissant aux personnages le soin de nous faire ressentir les enjeux, les tiraillements, les écarts. Sa mise en scène est en cohérence, faisant glisser les habitus et les manies sans les charger d’effets, les jeux les montrent suffisamment (Ah, ces verres à demi pleins et cette plante assoiffée !). La scénographie de David Bersanetti, la musique de Antoine Robelin et la vidéo de Ludovic Lang contribuent avec efficacité à créer un univers à la froidure futuriste, dépouillé d’éléments signifiants, favorisant ainsi l’onirisme possible du regard.
L’interprétation des rôles principaux est colorée. Lionel Nakache est un Raphaël remarquable, au jeu nuancé et particulièrement convaincant. Sophie Vonlanthen campe une Johana toute en force, même dans ses craquages. Ils présentent tous les deux un duo-duel équilibré et réussi. Philippe Chaine, Juliette Marcaillou et le jeune Tom Robelin complètent la distribution avec cohérence.
Un spectacle à la dimension politique comme on aime. Un argument détonant. Des situations qui viennent nous déranger là où il faut réfléchir. Une mise en vie adroite et efficace. Des jeux prégnants et crédibles. Un bon spectacle à découvrir.