Pour faire monter la température dans la salle dès le début, autant commencer par mettre le feu avant de se plonger dans un nuage de fumée. Puis dans un parcours atypique, il va nous conduire vers des choses plus improbables les unes des autres. La carapace-oracle de tortue va servir de cible sur laquelle l'artiste va tirer des flèches. Il suivre les conseils que l'objet va lui donner : « Recommence », « Ne blâme pas les vivants déjà morts », « Peut-être que les histoires et les mythes empêchent d’avancer ». C'est assez déroutant tout comme son regard placide qu'il jette souvent au public. Parfois, un sourire s'affiche tout de même. Il tente par tous les moyens d'habiter l'espace qui se transforme en ruine. Rien n'est laissé de côté : chant en live, chute d'une planche qu'il scie, équilibre sur des parpaings, mélange de différents style de danse, bruitage parodique de dessins animés... Jamais on ne quitte du regard ce que l'on voit absorbé entre émerveillement et surprise.

Indéniablement Erwan Ha Kyoon Larcher prend un contrepoint artistique audacieux et sincère. Vous allez découvrir une performance que vous ne risquez pas d'oublier.

Double espace de mise en scène pour une terrible machination. Un avant scène avec du sable, un simple tronc d'arbre et quelques marches pour aller dans l'espace surélevé.

Une séparation qui peut représenter une strate sociale car Silvia n'est qu'une simple paysanne et va franchir un seuil important. Sur l'estrade, on voit un magnifique mur recouvert de lierre qui permet aux comédiens un jeu subtil de va et vient sur scène montrant la grande ingéniosité du scénographe Alain Lagarde. Impossible de ne pas rester captivé par l'histoire qui nous emporte.

Luc-Emmanuel Betton, Roger Contebardo, Maud Forget, Sophie Tellier, Guillaume Sentou et Alexiane Torrès brillent par leur investissement dans leur rôle, leur énergie, leur folie, leur passion qui nous les font tous aimer pour leur force et leur faiblesse. Une complicité étonnante qui renforce le machiavélisme de l'histoire. Les costumes sont d'une grande beauté avec le mélange des styles et époques surtout avec les robes de Flaminia et de Lisette. La robe jaune flamboyante montre la vulgarité alors que la robe verte Belle époque sublime l'élégance allant jusqu'au détail de mettre des vraies morceaux de plume de paon. Arlequin ressemble plus à titi parisien jusqu'à dans sa façon de se déplacer.

Un incroyable travail de la costumière Coline Plonquin qui vaut vraiment le coup d'oeil. Et pour englober l'ensemble, il faut parler du fantastique travail sonore de Christian Chiappe et de Guillaume Leglise. Bien souvent on ne se rend pas compte de la musique, mais ici elle accompagne et souligne les moments importants et contribuent à valoriser les émotions ressenties par le spectateur. Tout interagit avec grande justesse et nous accompagne à chaque instant.

Cet homme est mon Maître, mon Modèle.
Ma référence absolue en matière d'écriture radiophonique, une icône à qui je dois tellement dans le cadre de mes propres émissions, de mes propres chroniques sur Radio-France.

Si je devais comptabiliser le temps durant lequel je l'ai écouté, cet homme-là, de l'autre côté du poste, (ou quelquefois derrière la vitre du studio, sans jamais oser l'aborder après l'émission, tellement impressionné que j'étais), le total de ce compte-là s'exprimerait en années.

Cet homme est un conteur. Un diseur.
Un brillant causeur venu nous faire une délicieuse et délicate conversation.

Philippe Meyer.
Le spectacle qu'il nous propose est une déclaration d'amour.
A la radio. A SA radio. Celle qu'il aime, celle qu'il a faite, celle qu'il continue de produire.

Celle qu'il écoutait, petit, dès 9 ans, La tribune des critiques de disques, Les maîtres du mystère, Signé Furax, les publicités chantées (il nous imitera pour notre plus grand plaisir, c'est du nanan, les grandes voix radio de cette époque), jusqu'aux podcasts qu'il produit actuellement sur la toile.

Philippe Meyer, c'est une voix. Certes.
Mais c'est avant tout une écriture.

Nous allons retrouver les deux, tellement caractéristiques, reconnaissables entre toutes, uniques, inimitables.

Un humour fin, acéré, pince-sans-rire, parfois caustique, une phénoménale érudition, un savoir encyclopédique, un regard aigu porté sur le genre humain, une analyse impitoyable mais tellement juste de nos travers (on n'est pas Docteur en sociologie par hasard...), toutes les facettes du Philippe Meyer que j'aime, je les ai retrouvées sur le plateau du théâtre noir du Lucernaire.

Celui qui nous l'a tellement chanté la prochaine fois, celui-là nous ravit de ses anecdotes, de ses galeries de portraits (des gens du métier, qu'il a connus, qu'il nomme ou qu'il nous laisse à demi-mots le soin de découvrir, un sourire en coin...), de ses récits de vie personnelle, de ses rencontres, de ses passions.

Et puis, bien entendu, il va chanter.
Meyer sans chanson n'est pas totalement Meyer.

Avec notamment nous répétant encore et toujours son amour des Frères Jacques, à qui il a rendu un si bel et si émouvant hommage voici quelques années à l'Opéra-Comique.

Accompagné de Jean-Claude Laudat à l'accordéon chromatique, il débutera notamment son spectacle par leur titre « Il fait beau »...
« Quand le soleil s'est levé là-bas derrière Pantin
Ça n'a été qu'un cri dans le petit matin
"Il Fait Beau"... »

Je ne détaillerai pas plus avant le répertoire de la soirée, je vous laisse le plaisir de découvrir les petits bijoux (dont celui écrit par l'immense Bernard Dimey) que les deux compères vont nous offrir.

Mis en scène par Benoît Carré, Philippe Meyer va nous faire beaucoup rire, notamment avec les formules dont il a le secret, comme par exemple celle qui associe le changement de métier et celui de trottoir. Là encore, je vous laisse découvrir la citation complète.

Et l'heure et vingt minutes de passer beaucoup trop vite. Même avec le rappel musical consacré à Paris.
Ce spectacle est un pur moment de bonheur.
Une élégante causerie on ne peut plus spirituelle, l'un de ces moments qui vous font vous sentir vous-même plus intelligent que vous n'êtes, qui vous instruit, qui vous transporte, qui vous élève et qui vous divertit.
Un moment que l'on doit à Philippe Meyer, quoi !

Maintenant, le spectateur est prêt à s'en prendre plein les mirettes. Andreas et Chris s'intéressent depuis leur plus jeune âge au monde de la magie.

Leur père les a toujours soutenu même dans l'élaboration des tours. D'ailleurs, avec tendresse, ils lui rendront hommage. Les deux frangins s'entendent à merveille et n'hésite pas à se faire des blagues sur leur tenu ou leur coiffure. Et il vaut mieux car tous les numéros reposent sur leur complicité. Il faut dire que le show se nomme "Fascination" et que l'utilisation de ce terme n'est pas usurpée. Du close-up aux numéros de grande illusion rien ne leur échappe. Petit jeu de cartes, transformation de billets de banque, moto qui sort d'une tablette géante, apparition d'un camion de 8 tonnes, téléportation dans le public, pousse d'un arbre, apparition d'un lion féroce, homme coupé en deux...

Ils innovent tout en donnant un coup de neuf aux vieux tours avec ingéniosité, poésie et humour. Les effets spéciaux sont saisissants et cela est renforcé par la présence de caméraman sur scène et la participation du public. Impossible de devinez le truc et c'est ce qui permet l'émerveillement. Avant l'entracte, les deux frères ont tordu deux morceaux de rails de train à mains nus et pendant l'entracte le public pouvait aller toucher la sculpture réalisée. Le public se précipite pour trouver l'astuce. Bien entendu chacun y va de son hypothèse et personne ne trouve. Ils sont malins ses magiciens.

Pendant 2h00, on en prend plein les yeux grâce à la mise en scène grandiose, la bonne humeur et le talent des artistes ainsi que des numéros plus étonnants les uns des autres. On n'est surpris pas que 12 camions, 5 bus, 50 techniciens les accompagnent à chaque spectacle. "Fascination" c'est du lourd sous tous les sens du terme. L'année prochaine ils reviennent dans la capitale pour leur nouveau spectacle et je ne doute pas qu'ils seront de nouveau à la hauteur pour charmer encore plus de spectateurs.

« Heureux celui qui oublie
Ce que l'on ne peut changer... »
Ces deux vers, extraits du livret de La Chauve-souris, de Johann Strauss, ces deux vers ont été chantés dans le camp de concentration de Terezin, en 1944.

Des musiciens des chanteurs juifs déportés par les nazis ont réussi à donner cette œuvre, dans les pires conditions qui soient.

Cette représentation particulière, tragique, a été la porte d'entrée choisie par la metteure en scène Célie Pauthe.
Elle nous propose deux voyages.
L'un au pays de la joie, de l'insouciance, du champagne, dans la Vienne de 1875.
L'autre, dans les plus noires contrées qui soient, où malgré tout, des artistes ont tenu à jouer, à chanter.

C'est d'ailleurs sa voix en off qui débute le spectacle. Melle Pauthe nous explique les faits survenus, et nous détaille son projet artistique.

Puis, les jeunes chanteurs et musiciens de l'Académie nationale de l'Opéra de Paris prennent place sur le plateau, sans costumes et se présentent individuellement.
De jeunes hommes, de jeunes femmes rendent ainsi hommage à ceux qui tenaient leur rôle ou leur pupitre à Terezin.

Fayçal Karoui lance son orchestre. La célébrissime ouverture est interprétée alors que défilent des images actuelles du camp de la mort.
Le contraste, le décalage, la mise en abyme sont saisissants.

Puis l'opérette prend son rythme de croisière.
Didier Puntos a réduit l'instrumentation originale à une version de chambre pour sept instruments. Le résultat est très réussi.

Nous voici donc plongés dans ce vaudeville viennois, avec ses quiproquos et ses faux-semblants parfois hilarants.

Cette histoire de vengeance sympathique est le prétexte pour Strauss et ses librettistes à célébrer la valse, l'ébriété due aux bulles du roi-champagne et l'esprit festif de cette fin de siècle.
La fin d'une époque avant la déflagration de la première guerre mondiale toute proche.

Les jeunes de l'Académie vont nous enchanter. Avec notamment trois artistes lyriques épatants.

La soprano russe Liubov Medvedeva est une Adèle/Olga tout en subtilité, s'affirmant progressivement en passant du statut de femme de chambre à celui de cantatrice.

Adriana Gonzalez, l'autre soprano d'origine cette fois-ci guatémaltèque, incarnait hier Rosalinde.
Elle a totalement conquis le public.
Sa tessiture, sa voix ronde, chaude, ses aigus sans efforts, naturels, son humour également ont ravi le public.

Le rôle de Gabriel von Eisenstein est interprété par le baryton Timothée Varon, avec plein d'allant, de fougue. Son timbre à la fois suave et affirmé enchante les spectateurs.
Lui aussi recevra beaucoup d'applaudissements lors des saluts.

Le reste de la distribution est à l'unisson, avec la participation de membres du chœur Unikanti.
Tous chantent remarquablement, certes, mais tous sont des comédiens accomplis.
A cet égard, Tiago Matos est un parfait gardien de prison dépassé par les événements.
Célie Pauthe a donc pu nous proposer de délicieuses et drôlissimes scènes de comédie.

A noter, juste avant le début de l'acte 3, la prestation du comédien Gilles Ostrowski, dans son rôle de gardien de prison, sympathique soudard et et fieffé soiffard, qui va nous présenter un film de propagande nazie présentant le camp de Terezin idéalisé, une monstrueuse compilation de « fake news ».
Tout ce que nous voyons est faux.

Célie Pauthe nous propose donc un projet remarquable d'intelligence et de maîtrise artistique.
Elle parvient à nous donner à voir une œuvre lyrique très réussie, très aboutie, qu'elle replace dans un contexte de résistance collective à la barbarie.
L'Art, et l'un des rôles de l'Art.

Il me faut préciser que cette opérette sera donnée en régions dans les mois qui suivent, à Besançon, Compiègne, Amiens et Grenoble.
Je vous recommande plus que vivement la découverte de cette production.