Au Musée d'Orsay, se déroule et ce jusqu'au 21 juillet 2019 une magnifique exposition intitulée « Le modèle noir, de Géricault à Matisse ».

C'est la première de ce genre en France : il s'agit en effet de nous intéresser à un grand non-dit de l'histoire de notre Pays, à savoir l'importance des modèles noirs qui ont croisé de prestigieux artistes, contribuant ainsi à l'élaboration de leur œuvre.

Il est donc question de redonner un nom à ces oubliés majeurs du récit des avant-gardes : ici, l'histoire de l'art va côtoyer l'Histoire tout court, l'ethnographie et la politique.

Je vous conseille d'investir 5 euros dans l'audio-guide, ce qui vous permettra d'écouter notamment les commentaires de deux personnalités particulièrement concernées par cette histoire-là, Lilian Thuram et l'écrivain et rappeur Abd al Malik.

C'est l'ex footballeur qui va nous énoncer la véritable problématique de l'exposition, à savoir quel est le regard sociétal de ces peintures représentant ces modèles noirs.

Le premier tableau, peint par Marie-Guillemine Benoist, en 1800, fut intitulé à l'origine « Portrait d'une négresse ». Et Lilian Thuram de poser son regard critique et de nous faire part de son étonnement : en 2000, la toile fut rebaptisée « Portrait d'une femme noire ». Pour lui, c'est tout aussi connoté que le titre précédent.
Imaginerait-on une toile intitulée en 2000 « portrait d'une femme blanche » ?
C'est donc pour cette raison que l'œuvre s'intitule désormais « Portrait de Madeleine », du prénom du modèle.

L'exposition est logiquement présentée d'un point de vue chronologique.
Nous débutons par la Révolution française, avec notamment les portraits de députés des Antilles siégeant à Paris.

Puis vient la terrible régression, que peu de nos concitoyens connaissent : Napoléon non seulement rétablit l'esclavage, mais interdit l'accès à la France métropolitaine de tous les Antillais. (L'impératrice Joséphine de Beauharnais, la propriétaire martiniquaise béké, est passée par là...)
Des portraits du général rebelle Toussaint-Louverture, du général Dumas, des toiles représentant l'esclavage et le traumatisme national sont montrés, avec une terrible représentation du châtiment des quatre piquets, sous le regard impassible d'une famille de planteurs métros.

De magnifiques portraits du modèle Joseph sont accrochés, ce modèle qui servit à Géricault pour son célèbre « Radeau de la Méduse », dont la première esquisse a été prêtée par Le Louvre.
Ab al Malik nous détaille quant à lui une magnifique toile de Puvis de Chavane, « Jeune noir à l'épée ».

Nous avançons dans le temps, avec la période 1848-1870, avec notamment l'« Olympia » d'Edouard Manet.

Puis, viendront des modèles dans le Paris du XIXème siècle et du début du XXème, sans oublier des toiles représentant des artistes de cirque noirs, avec principalement la toile de Edgar Degas « Miss Lala au cirque Fernando. »
Les premières photographies de Nadar sont là, avec notamment un portrait d'Alexandre Dumas, à qui un passionnant chapitre est consacré, et puis les premiers films montrant le célèbre duo métissé des clowns Footit et Chocolat.

La dernière période, 1914-1953 est consacrée aux représentations des afro-descendants dans les revues noires de l'époque, avec la célèbre Joséphine Baker, les tirailleurs sénégalais vus par Félix Valloton, les musiciens noirs américains des régiments américains venus combattre en France et qui introduisent le jazz dans notre pays.

La naissance du militantisme politique noir sera bien entendue évoquée.

Et puis nous seront retracés picturalement le surréalisme, la négritude, avec des toiles de Masson, Lam, Johnson, et enfin Matisse, fortement marqué par son séjour à Harlem.
Nous verrons pour terminer sa grande toile « Danseuse créole » créée en 1950, à base de papiers gouachés, découpés et collés.

Je vous conseille donc vraiment d'aller passer trois ou quatre heures à Orsay, il faut bien cela, pour découvrir cette passionnante exposition, qui permet de découvrir ou de redécouvrir des toiles, des œuvres à la lumière d'une problématique que la France n'a toujours pas fini de digérer et d'assimiler.

Un magnifique et très pédagogique catalogue permet de poursuivre cette visite à la fois artistique et politique.

Dis-moi ce que tu veux, je te dirai qui tu es...
Dis-moi ce que tu vends, tu sauras qui je suis...

Un deal. Une joute.
Une lutte des mots, un affrontement verbal, un difficile combat oratoire par le biais d'un acte commercial illicite et nocturne.

Deux êtres humains se jaugent, se jugent, se jouent l'un de l'autre à l'aune d'un acte somme toute banal, l'achat-vente d'un produit illégal quelconque.

Un dealer, un client. Le second sur le territoire du premier. Comme un intrus forcé dans un espace nocturne en déliquescence.
Une zone-champ de coton urbain, une jungle moderne, un no-man's land inquiétant.

Et le désir sous-jacent, ce désir dont Koltès emplit sa pièce.

En 2016, Charles Berling a créé sa version de cet opus important de la production théâtrale de cet auteur, qu'il reprend à la Villette pour quelques jours seulement.

Face à lui, Mata Gabin.

La comédienne apparaîtra sous une sorte de passerelle, alors que l'obscurité gagne la salle et le plateau. On aperçoit également un réverbère, des enseignes au néon très fatiguées, des murs crasseux, avec une venelle centrale.
Un univers inquiétant, un endroit interdit, un lieu de tous les possibles et peut-être de tous les dangers. Mais peut-être finalement plus rassurant que les espaces intérieurs de ces deux personnages.
Le ring suburbain de l'économie souterraine. Un décor très réussi de Massimo Troncanetti.

Lui apparaîtra dans le public, sur une étroite passerelle le reliant au plateau. On ne sait d'où il a surgi.
Son costume est très fatigué, avec notamment un gros accroc sur le pantalon.

Et le combat peut commencer.
Les deux comédiens vont incarner ces deux êtres ultimes, avec une animalité à fleur de peau.
Ils bougent lentement, se présentant souvent de profil, comme des ombres mouvantes dans la pénombre.

Melle Gabin est impressionnante. Vraiment.
Dans un battle-dress aux motifs camouflage, double capuche sur la tête, (elle se découvrira progressivement), est elle ce dealer. Celle qui possède, qui vend. Celle qui se fond dans un environnement hostile.
Elle dégage une sacrée puissance, une force sauvage, une vraie animalité.
De sa voix rauque, elle dit les mots de Koltès. Elle fait beaucoup plus, elle les clame, les profère, les murmure, les hurle, parfois.

C'est elle qui porte la pièce, c'est elle qui est véritablement enthousiasmante de présence inquiétante, de charisme trouble.
Son interprétation est d'une oxymoresque sombre luminosité. La tension qu'elle fait régner est absolument magnifique.

Le mise en scène de Charles Berling est basée sur la notion d'espace, la distance qui sépare les deux personnages, une distance horizontale, ou verticale. Les deux monteront chacun leur tour sur la passerelle, surplombant l'autre, le dominant.
Lui repartira sur sa passerelle, elle n'osera pas le suivre, préférant au final rester sur son terrain.

Nous, nous resterons suspendus aux mots de Koltès, qui résonneront longtemps encore après cette heure un quart de très beau théâtre.

Une grande leçon d'humidité !
Jean-François Sivadier nous propose sa vision très réussie et très aqueuse de la pièce d'Ibsen.
A « thermes » très peu échus.

Il faut dire aussi que l'action se passe en majeure partie dans l'établissement de bains d'une petite ville, dont la richesse dépend en grande partie des curistes qui s'y pressent.
Le préfet Peter Stockmann en est l'administrateur, et son frère, le docteur Tomas Stockmann en est l'un des principaux employés, responsable de la bonne marche de ces bains.

Un grain de sable très mouillé va gravement perturber la bonne marche de cette prospère entreprise économique.
Le médecin va trouver une sale bactérie qui contamine irrémédiablement l'eau thermale.

Pour lui, impossible de garder le secret. Il doit prévenir ses concitoyens. Et les ennuis commencent.

Ibsen, pour la première fois de sa carrière, va écrire une véritable tribune. Il dénonce une société satisfaite d'elle-même, corrompue, où l'argent prime tout, dans laquelle l'intérêt de certains passe avant la chose publique.

Il dénonce aussi l'impossibilité de l'individu du XIXème siècle d'atteindre ce qu'il considère comme le but suprême : être soi-même.

Bien entendu, ce texte d'une confondante modernité ne pouvait qu'intéresser Sivadier, qui pose clairement les problématiques que ne manquent pas de soulever à juste titre nos nécessaires et actuels lanceurs d'alerte confrontés à l'urgence écologique, au mensonge, aux lobbystes, à la dissimulation, à la corruption.

Le Dr Stockman est ce lanceur d'alerte-là, face à des actionnaires qui ne veulent pas remettre aux normes leur établissement, ainsi qu'à la puissance publique qui préfère voir affluer l'argent dans la ville plutôt que fermer ces bains et contaminer les patients.

La pollution la plus grave n'est plus celle écologique, mais celle des mots et des esprits.

Il sera également victime de la lâcheté d'une certaine presse soit-disant proche du peuple.

Et puis, et peut-être surtout, il sera victime de lui-même : au cours d'une réunion publique, il sortira de ses gonds, manipulé par ses contradicteurs, et en viendra à insulter le peuple, devenant l'ennemi du titre.
Le populisme ne sera pas loin...

Le peuple, c'est nous. Les spectateurs.
L'un d'entre nous montera sur scène, nous serons pris à partie, apostrophés, traités de veaux, nous serons également mis à contribution par un vote assez peu démocratique. Je n'en dis pas plus.

Le metteur en scène éclaire notre très contemporaine société française par ce texte très fort.
Nicolas Bouchaud, le Dr Stockmann, va s'en donner à cœur joie. A son habitude, il est dans un registre d'une grande puissance, d'un grand engagement. Il donne énormément à son personnage.
Le metteur en scène en ancrant ce texte dans la plus contemporaine actualité, lui fait « tonitruer » une diatribe concernant la masse inerte du peuple, et qui dérive sur le théâtre, les happenings, le rapport au public.
C'est absolument jouissif. Je n'en dis pas plus et vous laisse vous régaler.

Mais tous les comédiens sont parfaits.
Vincent Guédon est ce préfet, haut-fonctionnaire complètement asservi au pouvoir local en place. Il est glacial, sans pitié.

Sharif Andoura est le rédacteur en chef du « Messager du peuple », le canard local. Le comédien est formidable en type qui retourne sa veste en fonction des intérêts des puissants. Une grande composition. Sa scène d'interview à la BFMTV de la famille Stockmann est très réussie.

Autre belle composition, celle de Stéphane Butel, interprétant l'imprimeur Aslaksen, le petit bourgeois qui n'aura de cesse de vanter la modération des dires et des opinions, les pseudos lutte et résistance oui mais sans violence, la bonne conscience à peu de frais.
Un centriste mou avant la lettre, qui obéit surtout à l'argent. Suivez mon regard en marche...
Il est épatant de drôlerie, en notable à la fois fourbe et pleutre.

Le reste de la distribution est à l'avenant avec Cyril Bothorel qui joue deux rôles de façon épatante, celui d'un marin et du beau-père du Docteur, Cyprien Billing interprétant le personnage de... Billing, apparemment très insoumis.
Agnès Sourdillon est une grande Mme Stockmann, Jeanne Lepers est formidable en Petra Stockmann, la fille du couple.

Il faut mentionner la très aquatique scénographie de Christian Tirole et du metteur en scène.
L'eau est omniprésente, les spectateurs des premiers rangs en savent quelque chose.
Celle des bombes à eau qui explosent notamment.
Sans oublier les eaux saumâtres d'une certaine forme de politique et de pseudo-démocratie
Les presque trois heures verront la totale déconstruction du plateau et de la petite société qui y évolue.

C'est un moment fort de théâtre qui nous est proposé, un moment étonnant, engagé, politique au sens noble du terme.
Jean-François Sivadier a bien compris que la pièce d'Ibsen renvoyait totalement à notre époque, dans laquelle personne n'est blanc ou noir, dans laquelle les contradictions sont permanentes.
Et surtout, comme l'auteur, il ne se pose pas en père-la-morale, c'est à nous de faire le job, c'est à nous de nous rendre compte de l'ambivalence des personnages. La fin ouverte, en suspens, participant totalement à cette volonté.

Enfin, il nous permet de nous situer, de nous confronter au miroir qu'il nous tend.
Sommes-nous d'accord avec ce que professe Ibsen : "l'homme le plus fort au monde, c'est l'homme le plus seul" ?
Faisons-nous partie de "la masse compacte" ?

En tout cas, il faut vraiment faire partie de ceux qui iront voir cette très fine adaptation, ce thriller humoristico-écolo-politique, ce très réjouissant ennemi du peuple.

Winter is coming.
A l'Opéra Bastille aussi !
L'hiver, les arbres recouverts de neige, alors que tout était vert au printemps...

La mort...

La course inexorable vers la mort, et l'acceptation de celle-ci, en toute sérénité.
C'est en effet le parti-pris dramaturgique qu'a tiré Robert Carsen du dernier opéra de Mozart. La création eut lieu en 2013 à Baden-Baden.

On a beaucoup écrit sur cette Flûte enchantée, on a proposé bien des analyses : conte de fées pour enfants, opéra maçonnique, œuvre féministe, pamphlet politique, émanation de la philosophie de l'Aufklärung (les Lumières allemandes)...
Le metteur en scène canadien, lui, a axé son travail sur l'obsession de la mort qui émaille l'œuvre.

Il en a dénombré pas moins de soixante occurrences tout au long du livret.

La mort naturelle, le suicide, le meurtre, même...

Pour autant, cette mort-là ne sera jamais morbide, jamais traumatisante, jamais dramatique.
Même dans le temple-crypte souterraine du deuxième acte, même avec une Papagena mariée-zombie au costume en lambeaux, même avec des cercueils abandonnés gisant sur la terre ocre, même avec des ossements jonchant le sol, ici c'est la féérie, c'est l'enchantement, c'est l'accomplissement de la destinée humaine, la puissance de l'Homme initié qui triompheront.

Carsen nous invite à nous abandonner dans des espaces étranges, notamment grâce à une remarquable scénographie basée sur une perspective forcée, nous faisant découvrir dans le premier acte trois parties, de la fosse d'orchestre au lointain, avec à cour trois trous que creusent d'étranges esclaves-fossoyeurs en salopette noire. (Je n'en dis pas plus quant à l'utilité de ces fosses rectangulaires...)

Les contrastes blanc/noir, haut/bas, voiles/têtes nues, vertical/horizontal, renforcent en permanence la dialectique « mozarto-shikanederienne ».

Des scènes impressionnantes, visuellement totalement maîtrisées, m'ont émerveillé. Je vous laisse découvrir.
D'innombrables moments de grâce émaillent la mise en scène, comme une partie juvénile de football, un délicat ballet avec... des pelles, l'entrée dans le Temple, une bien jolie famille d'oiseleurs...

Les subtiles projections vidéo de Martin Eindenberger sur des tulles plus ou moins translucides participent à la fantasmagorie générale.

Beaucoup d'arbres, une forêt propice à la magie, au surnaturel, avec la course des saisons, du printemps à l'hiver, et le renouveau du cycle immuable de la nature.

L'incontestable héros de la soirée est le baryton Florian Sempey.
Ou comment allier une technique vocale irréprochable, une musicalité, une sensibilité et une justesse de jeu phénoménale. Avec un formidable sens de l'humour et de la comédie.
Oui, son Papageno est un grand Papageno.
Il connaît bien le rôle, il débuta avec, à 21 ans, à l'Opéra de Bordeaux.

Il faut le voir arriver de la salle en espèce de campeur-montagnard, sac à dos, casquette improbable vissée sur la tête, une glacière bleue à la main. On devine bien l'état de ses oiseaux à l'intérieur...
Il est drôlissime, en couard généreux, en amoureux transi, en soiffard invétéré, en ineffable et hédoniste épicurien. On aimerait vraiment l'avoir pour pote !
Oui, c'est un formidable Papageno, qui galvanise le reste de la distribution !

Une autre qui va déclencher les bravi finaux, c'est Melle Vannina Santoni, qui nous offre une remarquable et enthousiasmante Pamina.
Sa voix à la fois claire et chaude, toute en nuances, (elle fut récemment une très grande Agnès, dans la Nonne sanglante, à l'Opéra-Comique), son sens du jeu, de la dramaturgie, elle aussi toujours très juste, en font une grande interprète mozartienne.

Mathias Vidal, en Monostatos, m'a également enthousiasmé.
Le ténor est impressionnant d'engagement, de force et de puissance dans son jeu.

La basse Nicolas Testé campe un très beau Sarastro, notamment dans sa toute première scène, au milieu de cette assemblée d'initiés. Il confère vraiment à l'ensemble une dimension quasi-mystique.

La soprano Jodie Devos se tire sans problème des pièges des airs de la Reine de la nuit. Ses vocalises déclenchent immédiatement un tonnerre d'applaudissements.

Pour ses débuts à l'Opéra national de Paris, Chloé Briot confère à son rôle de Papagena-mariée sanglante une espièglerie qui enchante la salle.
Le duo final avec Florian Sampey est très réussi. A une autre époque, il aurait été bissé !

Tamino est interprété par Julien Behr. Le couple masculin qu'il forme avec Florian Sempey fonctionne à la perfection.

Cerise sur le gâteau, le chef hongrois Henrik Nánási qui pourrait diriger cette œuvre les yeux fermés (il l'a déjà conduite à l'Opéra-Comique de Berlin, à Rome, au Liceu de Barcelone...), Henrik Nánási tire le meilleur de l'orchestre de la maison.
De sa lecture de la partition, il restitue une grande précision, un véritable dynamisme, une force incomparable ou une infinie délicatesse. Là encore, tous les contrastes exprimés contribuent à nous rappeler combien sublime, universelle est cette musique.

Coup de chapeau habituel à l'incontournable José-Luis Basso, le chef des chœurs. La cohérence et la pâte sonore obtenues forcent une nouvelle fois le respect !

On l'aura compris, tous les ingrédients sont réunis pour faire de l'ultime opéra de Mozart un très grand moment musical et dramaturgique.
La flûte est enchantée, la soirée est quant à elle enchanteresse !

Ca, c'est du vécu !
Même que plus de vécu, ça ferait trop !

Immédiatement, dès le noir tombé sur la salle Roland-Topor, le ton est donné : Saint-Preux et son éthéré « Concerto pour une voix » s'échappent des enceintes, alors qu'une silhouette noire, sous un parapluie de la même couleur, longe la scène : années 70, nous voici !

Lors d'un précédent spectacle autobiographique, La Mate, nous avions laissé l'épatante Flore Lefebvre des Noëttes nous dépeindre sa famille et son enfance.
Ici, nous allons la retrouver, Juliette qu'elle est, nous racontant son adolescence.

La comédienne est une conteuse née.
De façon burlesque, clownesque, ou bien sérieuse, tragique, bouleversante parfois, elle va nous replonger dans ces années de liberté, d'insouciance, de révolte, ces années des premiers flirts, des premières amours.

Ces années d'apprentissage, également.
Nous allons faire la connaissance des profs de collège et de lycée de Juliette-Flore.
C'est l'occasion de découvrir une galerie d'incroyables personnages, plus vrais que nature, Melle Graton, M. Varan, Melle Rose Fétide, M. Robinet, le père Raimbault...

C'est bien simple, on croirait les avoir devant nous, ces fils et filles de Jules Ferry, tous plus névrosés les uns que les autres...
La démarche, les tics, les mimiques, les voix, tout y est...
Et les tubes musicaux de l'époque se rappellent à notre bon souvenir : les Beatles, Pop-Corn, Moustaki.

Puis, nous allons nous diriger du côté de Saint-Michel-Chef-Chef, le pays des galettes du même nom, pour les vacances de la jeune Juliette du côté du Bois Loÿs.
Je pense que Mme Irène Geoffroy, Maire actuelle de cette station balnéaire de Loire-Atlantique (44730) ferait bien de faire Melle Lefebvre des Noëttes citoyenne d'honneur de sa commune !

Nous retrouvons également la Mate (la Mater, la mère), et le Pate (le Pater, médecin militaire, Lieutenant-Colonel présentant des troubles de la personnalité...)
Une famille mi aristo-catho, mi anarcho-artiste... Un cocktail très détonnant ! Et l'épithète est bien faible...
Avec en fond sonore les Pink-Floyd, Deep-Purple, les Sex-Pistols...

Puis, ce seront les années d'apprentissage du théâtre.
Je vous conseille une remarquable imitation de Daniel Mesguich. C'est frappant de vérité !
La comédienne change de costume à chaque époque. Je vous laisse découvrir. Ces costumes participent pleinement à la drôlerie du spectacle.
Ce sera le Velvet Underground sur un petit électrophone, encore Pink Floyd. Sans oublier Janis Joplin et son merveilleux « Cry Baby ».

Suivront le Comptoir oriental de la Mate, ce grand magasin que la mère de Juliette ouvrira à Nantes, et les crises de plus en plus rapprochées du Pate.
Nino Ferrer vend ses robes, la comédienne scande le poète roumain Ghérasim Luca.

Tout une époque, vous dis-je...

La dernière partie sera bouleversante. J'avais les larmes aux yeux.
La comédienne change totalement de registre.
Parce que la camarde fait son œuvre. Et non, je n'en dirai pas plus.

Nous entendons au loin Georges Moustaki et sa sublime chanson « Il est trop tard ».
Oui, il est trop tard. Trop tard pour dire ce qu'on n'a pas dit, trop tard pour faire ce qu'on n'a pas fait. Seules restent les diapositives projetées sur un écran-trépied. A l'ancienne...

Flore Lefebvre des Noëttes, que j'avais adorée dans Les Mystiques, d'Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre, ou bien dans l'extraordinaire version du Songe d'une nuit d'été, mise en scène par Lisa Wurmser, Flore Lefebvre des Noëttes nous invite à remonter le temps.

Avec beaucoup d'humour, certes, mais également beaucoup de tendresse, de délicatesse.
Elle sait nous raconter une époque, elle sait nous peindre ce un moment particulier de vie, son adolescence. Le tout sans s'apitoyer ou sans verser dans le triste registre « c'était mieux avant ».
Je me suis retrouvé dans ce qu'elle nous disait, j'ai beaucoup ri, j'ai vibré, j'ai été très touché.

En même temps, dans la salle, des jeunes spectateurs découvraient ces années-là. « Ca devait être bien !», ai-je entendu de la bouche d'une toute jeune femme, en sortant du Rond-Point...

Je vous conseille vivement ce spectacle passionnant, à la fois très drôle et très émouvant.
C'est un très beau moment de théâtre.