« Y aurait-il du progrès dans cette régression ? »

A la base, un livre d’un auteur que je connais peu. « Dans les forêts de Sibérie », le roman autobiographique qui valut le prix Médicis essai à Sylvain Tesson (2011).

Sur la scène de la Huchette William Mesguich, regard bleu glacier, voix qui porte haut et clair, stature nordique. William Mesguich raconte ce récit d’un ermitage, ce départ volontaire d’un homme seul pour 6 mois sur les berges du lac Baïkal.

Souvent avec humour, l’homme dans sa cabane remplie de livres parle de ses lectures, de l’amitié que ses compagnons de papier et la vodka lui procurent, de ses sensations et réflexions loin du monde. Passé certains clichés du texte et le choix parfois un peu pompeux des musiques pour l’accompagner, on peut dire que le texte de Sylvain Tesson intrigue et désarçonne parfois. Paru en 2011 et déjà pertinent, il parle de phénomènes qui ne sont allés qu’en s’amplifiant : la solitude dans les villes, notre frénésie du toujours plus et la démultiplication de nos désirs. Mais aussi du besoin de retrait de cet homme, son ode à la nature et la satisfaction qu’il éprouve à savoir qu’il ne nuit à aucun être vivant sur terre. Le texte n’est d’ailleurs pas sans paradoxe car le personnage avouera à un moment donné : « la seule chose qu'il me manque c'est une personne à qui raconter mon bonheur d'être seul ».

Tout cela William Mesguich ne le dit pas seulement, il l’incarne pour nous public, le porte à merveille et le fait sien. La partition a été bien pensée, l’adaptation de Charlotte Escamez ne garde que la sève, zappant la plupart des écueils du texte initial pour ne recentrer le jeu que sur les messages principaux. On notera aussi la création lumière de Richard Arselin qui ouvre la salle à la scène grâce à d’astucieux jeu de miroirs. Ce n’est pas sans rappeler d’autres récits d’aventuriers, comme le très bon « Construire un feu » de Jack London adapté au studio de la Comédie-Française l’an passé.

Sans temps mort, ce seul en scène est une réussite. C’est un « spectacle livre » qui m'a donné l'envie d'attraper le roman pour pouvoir à ma guise m'arrêter et me faire à chacune des idées égrenée.

Une agréable découverte et une interprétation talentueuse par William Mesguich !

Commençons par un constat : le Misanthrope est ma pièce préférée et Alceste le personnage qui a le plus marqué mon adolescence. Et pour la première fois de ma vie, j’ai pris le parti de Philinte !

Tout tire source ici d’une formule du metteur en scène Alain Françon pour résumer sa vision de la pièce : « le Misanthrope ou l’hiver des rapports humains ». Point d’ « atrabilaire amoureux » ici et point de comédie : L’ironie tombe pour ne laisser place qu’au sérieux et au dramatique de la pièce.

Alceste, homme occupé à toujours dire la (sa ?) vérité est amoureux de Célimène. La belle tient un salon et reçoit beaucoup ce qui désespère Alceste qu’elle s’attache à nommer son amant. Vivre dans la compagnie des hommes ou les fuir ? Qui d’Alceste ou de la société a raison, qui a tort, qui est le plus buté, qui doit fléchir et changer d’avis ? Si la société ne peut changer doit-il s’y adapter ?

Des questions essentielles traversent cette pièce souvent présentée dans sa veine comique. Alain Françon prend lui le parti de dépouiller le texte du ridicule mis parfois entre les personnages pour ne montrer que leur humanité. Si un personnage est ridicule se sera par essence.

La précision de la direction d’acteur dont fait preuve Alain Françon est un objet très intéressant à analyser : en s’attachant aux mots, il trouve toujours le moyen de faire entendre le texte à son paroxysme.

Son Alceste, interprété par Gilles Privat, se montre vindicatif et querelleur, loin des vertus de la vérité, de la justesse et de la droiture que je lui attribue d’ordinaire. Excessif, sûr de son bon droit à en être moralisateur, amoureux plus “tyrannique” que désespéré… S’en est trop pour un seul homme si bien que sa rigueur le rend détestable et nocif pour son entourage.

Car Philinte et Eliante n’ont de cesse de l’épauler. Pierre-François Garel est un Philinte philosophe qui ne se moque jamais. C’est le personnage le plus habile qui tout en connaissant les codes de survie à la cour entoure son ami de bienveillance et de prévenance pour tempérer son humeur. Pierre-François Garel est Philinte dans tous ses gestes : mesuré, contrastant avec l’agitation d’Alceste. Eliante (Lola Riccaboni), rivale de Célimène paraît le double de Philinte dans la retenue et la dignité qui l’anime.

La galerie des personnages de cette pièce est si bien dessinée que chacun à sa part d’interprétation et son moment de jeu.

De Célimène (Marie Vialle), on ne sait plus bien si la belle manigance ou tente simplement de survivre en laissant planer le doute de sa préférence pour maintenir son salon. A la mondaine fait place une figure plus prudente et stratège.

Arsinoé, interprétée par Dominique Valadié, est, elle aussi, surprenante : point de fiel et de combat d’une fausse prude qui porterait à rire. A la place une femme fuyante et sans panache, presque défaite, blessée par sa disgrâce et qu’on a presque envie de plaindre.

Même Oronte (Régis Royer) est intéressant : grâce à la lecture si caractéristique et proche du texte d’A.Françon, Oronte est rendu pathétique. On comprend que l’enjeu pour lui est réel, avec son sonnet c’est son honneur que l’on bafoue et l’homme ne se laisse pas faire.

Tout agit comme si cette lecture mettait en lumière les caractères humains derrière les personnages. Et cette mise en scène montre bien les tenants et les aboutissants de ce qu’il faut faire pour survivre à la cour. Cela les rend tous plus touchants et plus vivants. Enfermés dans cette antichambre du pouvoir, les courtisans d’hier semblent les mêmes qu’aujourd’hui. Les mœurs de cour sont devenues les civilités que l’on se donne avec méfiance. Comme des requins chacun tourne autour du pouvoir pour s’y faire bien voir. Alceste fait tâche.

Une autre chose remarquable dans cette mise en scène est la quantité de détails et de petits mouvements parasites qui se posent dans le prolongement du texte sans faire « mimique ». La manière de rendre les apartés ou lorsqu’un personnage laisse le talon en suspens, la gêne ou l’indécision exprimée par de légers balancements de corps. Les détails dans le jeu sont l’écho pur des mots, leur mise en mouvement, chorégraphiée.

Bien sûr, tout ce que l’on voit sur cette scène n’est que trop humain et fera dire à certains que cette mise en scène est sèche, trop cérébrale. C’est en soi bien normal : personne n’est exempt d’une certaine « tradition de représentations » car le spectateur amène avec lui des strates d’images et d’a priori sur la pièce, cherchant un comique qui ne vient pas. Des couches et des couches de mises en scènes figées dans le marbre et laissant croire que le Misanthrope doit être ceci ou cela. Malgré la facture classique et assez neutre du décor (forêt enneigée, signé Jacques Gabel), on se retrouve alors fort dépourvu face à cette proposition si différente de dire et faire entendre l’un des plus ambivalent texte de Molière.

Tout est tissé d’une telle finesse. C’est une broderie de mots mis en mouvement et une réflexion poussée sur le caractère des hommes en société. Françon livre sa vision du Misanthrope sans boniment et accordons-le, sans chaleur… Nous nous passerons donc du rire pour revenir au texte le temps d’une soirée.

Une mise en scène puissante et absolument remarquable !

Pour une fois, et cela m’arrive peu, je ressors sans savoir si j’ai aimé la pièce.

En voyant qu’un spectacle sur Erik Satie était programmé au théâtre de la Contrescarpe quelle ne fut pas ma joie. Un musicien que j’adore mais que je connais peu et interprété par Elliot Jenicot s’il vous plaît. Bingo !

Au début tout va bien, une histoire d’hôpital et une infirmière qui rend visite à l’illustre patient. Une discussion s’instaure et les deux acteurs virevoltent sur scène, parfois accompagnés d’animations vidéos dans le fond (de l’illustrateur Suki). Puis vers la fin, la pièce prend un virage à 180°C, elle change de cap si bien qu’on ne sait plus à quoi s’en tenir.

D’un côté, parler d’Erik Satie en l’embarquant dans une histoire fictionnelle est un procédé ludique. D’un autre côté, le rebondissement arrive comme un grand point d’interrogation, remettant en cause tout le récit du début : que croire, que comprendre ? Simple divertissement ? Vérité de l’homme mêlée à de la fiction ?

Le pire est qu’on n’a rien à reprocher à Elliot Jenicot, impeccable dans son habilité à incarner des êtres un peu fantasques et qu’il a déjà prouvé par maintes fois au Français. Sa partenaire Anaïs Yazit est bonne comédienne (même si elle en fait un poil trop) et dégage une belle énergie.

Les vidéos mêlant film d’animation et lettres qui apparaissent sont bien utilisées… Tout est vraiment bien et pourtant il y a quelque chose d’absurde, de pas clair.

Je suis sortie enchantée par les acteurs mais complètement perdue par la pièce, sans savoir à quoi me raccrocher pour distinguer les éléments de vie de Satie de la fiction imaginée si bien que, selon moi, le spectacle passe à côté de son objectif.

Impossible de mettre le doigt sur ce qui cloche. Mais comme le dit elle-même l’auteure et metteure en scène de la pièce Laëtitia Gonzalbes: « chaque plan questionne notre perception : sommes-nous prêts à accepter un autre qui ne fonctionnerait pas comme nous ? » …. Sûrement la faute à mon esprit trop rationnel pour suivre ce spectacle.

Un bien curieux objet théâtral, qui mérite d’être cité pour son originalité !

Une distribution si présente au grand écran peut-elle faire un bon Marivaux sur scène ?

Marivaux, le grand Marivaux mis au goût des années folles dans une ambiance art déco. Dans la mise en scène Ladislas Chollat, smoking et robes de soirée sont de mises. On ne sait pas bien mais l’on devine que l’action se passe dans une soirée mondaine, dans quelque château ou propriété de province.

Réunis là, deux « couples », leurs valets et le jardinier. La Comtesse s’éprend du Chevalier Damis et délaisse son amant Dorante qui lui-même laisse de côté la Marquise. Face à ce soudain revirement, les deux amants déchus s’unissent pour faire revenir leur moitié de ce picotement d’amour et de vanité qui les égare. Ils mettent alors en place un stratagème qui, ils l’espèrent, amènera une fin heureuse à leurs amours.

Dans cette mise en scène se ressent un véritable esprit de troupe. Suzanne Clément et Sylvie Testud forme un beau duo. Sylvie Testud, un peu peste de temps à autre, est une Comtesse féline et fière qui se prendra dans ses filets de coquette tandis que Suzanne Clément dégage une détresse de mal-aimé qui va bien à ce rôle.

Chez les messieurs, Éric Elmosnino a pour sa part ce quelque chose de flegmatique et de lent qui fait encore plus ressortir le jeu de ses partenaires tout en le rendant lui-même désespéramment à plaindre- et comique.  Enfin, dans le rôle du Gascon, Jérôme Robart est bien meilleur que Laurent Lafitte il y a peu au Français (m.e.s Emanuelle Daumas, 2018). Un peu « mr.muscle » mais un peu touchant à la fois d'être si dépendant de son humeur « phallocentrée » il nous fait rire avec son accent et ses accès de désespoir.

Mais en vérité, la surprise de jeu ne vient pas tant de ce quatuor connu que des seconds rôles : Frontin et Lisette, un autre duo, se détache, de plein pied dans la veine comique du marivaudage juvénile et innocent. Dans le rôle de Frontin, Florent Hill montre une palette de jeu déjà complète et semble se régaler sur scène- un comédien à suivre ! Roxane Duran (à mon avis égale au talent d’une Pauline Clément à son arrivée au Français) dégage une fraîcheur teintée de niaiserie qui emporte mon suffrage dans ce rôle de Lisette, si important pour souligner les travers de ces amoureux volages dont elle tente de prendre exemple. Mal lui en prend et Lisette le comprend bien plus vite son erreur que sa maîtresse !

Enfin Simon Thomas est un arlequin froussard et pleurnichard qui nous fait rire à ses dépens et Jean-Yves Roan décrocherait un sourire au plus bourru avec son accent de campagnard plein de simplicité.

La scénographie est impeccable et la composition d’acteurs réussie laisse de la place à une interprétation de la pièce dans laquelle les beaux rôles vont sans l’ombre d’un doute aux femmes.

Un spectacle pétillant et plein de beauté. La mise en scène n’est pas révolutionnaire et ne va certes pas fouiller jusqu'aux tréfonds du sens. On reste donc dans un élan burlesque et avouons que c’est parfois très agréable...

Une respiration comique dans le quotidien. J’ai passé un excellent moment !

Quand le talent est là, que demander de plus ?

Dans ce nouveau spectacle « Je pionce donc je suis » Mickael Hirsch renouvelle l’humour tout en finesse de son précédent spectacle « Pourquoi ? » sur un thème qui nous concerne tous : le sommeil.
Dans un futur pas si lointain, Isodore Beaupieu est l’employé modèle. Oui mais voilà que le jour de la grande présentation télévisée du nouveau réveil, Isidore… S’endort. De là une avalanche d’événements qui lui feront redonner un sens au mot rêve.

Dans un seul en scène, la difficulté première est toujours de réussir à incarner de multiples personnages pour raconter une histoire à plusieurs voix. Mickaël excelle dans cet exercice de métamorphose par un simple geste, une attitude. Il y a même une scène où il singe à la perfection nos amis Fabrice Lucchini et Jean d’Ormesson dans une sorte de clin d’œil hommage hilarant.

En plus de cet art qu’il maîtrise, le texte de son nouveau spectacle est truffé de mille et une trouvailles. Je ne suis pas surprise de lire que le texte a été écrit par Mickaël Hirsch et Ivan Calbérac : on retrouve la veine de « Venise n’est pas en Italie » (autre seul en scène à succès d’Ivan Calbérac joué au théâtre Lepic ndlr). Les jeux de mots s’enchainent à tire-larigot avec beaucoup d’intelligence. Il est même de ces moments où les heureux spectateurs ayant compris le jeu de mot en premier s’esclaffent avec la joie des enfants contents d’avoir saisi au vol un bout de sens ; bientôt rejoins pas les autres spectateurs.

De cet humour se dégage comme une atmosphère de camaraderie, imperceptiblement les sourires se forment et une énergie passe entre l’acteur et la salle. Et mine de rien, quelques idées critiques sur le rythme effréné et les aberrations de notre époque se frayent un chemin pendant le spectacle.
Rien à redire : la bande son imaginative et parfaitement synchro, le décor minimaliste (mise ne scène Clotilde Daniault) et à la fois évocateur… Tout est au cordeau pour une soirée d’humour qui plaira aux amoureux de la langue française.

Poésie et humour... La grande classe !