En voyant les premières images du spectacle, j’étais un peu sceptique. Lorsqu’il s’agit de répertoire, j’ai tendance à préférer les mises en scène classiques. Mais celle de Macha Makeïeff me confirme au contraire qu’un spectateur devrait toujours tenter sa chance :

Quelle fraîcheur, quelle lecture décalée et réjouissante de la pièce de Molière !

Décor pop et ambiance rétro-baroque des années 70, animaux empaillés et cabinet d’expérience scientifique à l’appui, Macha Makeïeff s’approprie la scène de La Scala pour nous livrer une version très enlevée de « Trissotin ou les Femmes Savantes » qui ne perd pourtant rien de sa puissance d’évocation. A contrario, cette mise en scène moderne décentre le propos en nous faisant chausser les lunettes de notre époque : le texte de Molière rencontre ainsi notre vision contemporaine du féminisme, des relations homme-femme et du rapport à la connaissance.

Vincent Winterhalter est extraordinaire en chef de maison couard et dominé. Et que dire de Bélise interprétée ce soir-là par Jeanne-Marie Levy, personnage nymphomane et délicieusement ébahi. Les autres femmes savantes interprétées par la mère et sa fille Armande (Marie-Armelle Deguy et Caroline Espargilière) ajoutent à cette illumination du « bel esprit » dont elle se sont toquées en la personne de Trissotin (Geoffroy Rondeau). Un Trissotin sinon menaçant (comme dans la m.e.s qui fait date de Bruno Bayen avec Pierre-Louis Calixte-2010) plutôt mystérieux et dont l’aspect androgyne semble témoigne d’une duplicité qui finira par tomber. Clitandre (Ivan Ludlow) tient un rôle touchant dans cette étrange maison : tout longiligne, seule sa voix puissante et basse semble le tenir droit, en équilibre malgré son impuissance face au procès qu’on veut lui faire.

Car la mise en scène de Macha Makeïeff prend le temps du jeu, un jeu qui se glisse entre les paroles. Parfois regards, parfois postures, contacts entre les personnages ou parfois burlesque mis là dans le seul but de nous faire rire comme dans la scène des expériences scientifiques, ce jeu s’impose ajoutant de la profondeur au texte et l’ouvrant à une nouvelle strate de compréhension. Ainsi maîtrisés, les acteurs se promènent dans le texte et dans l’espace avec une aisance qui se transmet au public.

On retrouve dans le décor la même inspiration que dans le Kroum de Jean Bellorini : un intérieur à plusieurs niveaux, coloré comme autant de face d’un Rubik’s cube : c’est peps ! Les costumes, tous ravissants, nous plongent encore plus dans ce côté déjanté des années 70.

Même si je reste attachée aux mises en scène classiques qui permettent de garder le texte au centre et de le faire résonner, j’accueille avec plaisir une mise en scène décalée réussissant par je ne sais quelle (al)chimie à la piquer d’une fantaisie qui ne peut qu’ajouter à l’attention du spectateur curieux.

Un spectacle singulier et animé d’une vision. Micha Makaïeff et sa troupe de comédiens renouvellent la pièce : à voir pour tous, aguerris et plus jeunes !

Quelle aventure ! « Voir un Mesguich, c’est entrer dans un autre monde ! » m’avait-on prévenue. J’ai compris tout de suite. Il y a d’abord la seule pièce de Savinien de Cyrano de Bergerac (oui, l’original du 17ème) encore jouée aujourd’hui : « La Mort (d’)Agrippine ».

Un texte grandiloquent et semblable à l’écriture tragique : les alexandrins y sont, les rimes bien rythmées mais il faut s’accrocher car on n’y comprend pas grand-chose. Vengeance, honneur, guerre de pouvoir et tractations : on navigue étrangement entre les rois maudits (ringard mais culte !) et la série Game of Thrones, costumes fantastiques et dreadlocks à l’appui.

Malgré la voix off par laquelle Daniel Mesguich annonce les scènes à venir, la logique du texte reste opaque mais tant pis : il reste ici la langue, la sonorité des vers, leur diction et leur incarnation ; et quelle incarnation ! Le vertige du texte, est rempli par autre chose, par la mise en scène de Daniel Mesguich.

Sa direction d’acteur est singulière, elle aussi grandiloquente, pleine d’emphase et d’originalité…  Gare à qui sait se laisser surprendre et bercer par cet objet non identifié !

Car pour ne rien ménager au spectateur, Daniel Mesguich a imaginé un déroutant système de miroir : les personnages sont comme organisés par pair, habillés sensiblement pareil et souvent deux sur le plateau. Articulant en même temps la tirade de leur partenaire/adversaire, les personnages se diluent comme dans un chœur. Comme une vengeance pour toutes les vengeances, un roi pour tous les rois, une quête de pouvoir pour toute les quêtes de pouvoir. L’effet et la synchronisation sont troublants de réalisme et ont dû demander une préparation intense en répétition. On sent la minutie du metteur en scène exigeant car d’ailleurs la diction ne pourrait être meilleure. Tout résonne et tout pulse, tout se meut dans ces vers bien qu’on ne sache très bien qui s’attaque à qui et qui d’Agrippine, Tibère, Livilla ou Séjanus en sort véritablement gagnant.

Des costumes à la gestuelle en passant par le jeu d’acteurs, tous les éléments de cette « Mort d’Agrippine » participent à l’expérience d’une pièce à la fois, belle, étrange et surprenante.

C’est extravagant à souhait au point de se laisser prendre au jeu, qu’on aime ou pas, cette proposition et ce style de théâtre est à voir au moins une fois !

Louis, personnage principal, convoque les souvenirs de sa famille choisie et de sa famille naturelle. Louis vient annoncer sa mort prochaine à sa famille naturelle, accompagné pour cela de son ami Longue Date (Vincent Dissez).

Œuvre testamentaire de Lagarce, « Le Pays Lointain » de la Compagnie des Petits Champs a déjà voyagé sur les scènes de France depuis 2017, date de création de la mise en scène de Clément Hervieu-Léger. Le décor choisi pour cette rencontre est une station-service, pathétique et étrangement poétique. 11 comédiens de grand talent forment cette distribution qu'il faut citer : Aymeline Alix, Louis Berthélemy, Audrey Bonnet, Clémence Boué, Loïc Corbery, Vincent Dissez, François Nambot, Guillaume Ravoire, Daniel San Pedro, Nada Stancar, Stanley Weber.

Incarnant des personnages vivants ou morts, ils entourent Louis et resteront sur scène tout du long. Parlant chacun leur tour, rarement ensemble, ils portent une langue qui se répète jusqu'à s’infuser à l’oreille du spectateur. Grâce à eux, les répétitions prennent un sens. Car donner à l’écriture répétitive de Lagarce cette ampleur dit à soi seul le talent des acteurs et l’excellence de la direction d’acteur de Clément Hervieu-Léger.

Ce texte de Lagarce a quelque chose d’étonnant. Etonnant par ce regard sans concessions qu’il porte sur Louis (Loïc Corbery). Solitaire et secret, Louis a quelque chose d’antipathique. Sa fausse affabilité ne trompe plus ses proches et lorsqu’il retrouve sa famille naturelle sa parole ne trouve pas le chemin. C’est un homme venu chercher sa rémission pour ne pas partir sans explications mais un homme qui sait que le fossé est trop large (comme un Edouard Louis passé lui aussi d'une classe à une autre, homosexuel et transfuge). 

Il n’y a dans ce propos aucun pathos et juste des reproches pour Louis. Passé et présent se rentrent dedans, faits des deux familles qui les composent. Deux familles qui cohabitent mal, comme les deux hémisphères du cerveau, comme deux cercles de loyauté et de devoirs incompatibles.

Conscient de tout cela, Louis se laisse dire par les autres sans trouver aucun mot pour cautériser les plaies qu’il laissera béante. Même dire qu’il disparaît lui sera impossible. Louis se retrouve piégé et doit partir tout seul, faute de ne pas avoir laissé les autres l’aimer, de les avoir découragés en ne leur rendant rien en retour.

Pourtant la famille dit quelque chose de nous-même, de notre composition interne, de notre ajustement au monde. Suzanne sa sœur (Audrey Bonnet) et puis Antoine (Guillaume Ravoire), sa mère (Nada Stancar) et son père aussi (Stanley Weber), ce sont eux qui portent dans leurs reproches sa voix à lui, sa solitude qui l’a emmuré, éloigné de leur hémisphère. Et puis il y a les autres, les voix des êtres choisis qui résonnent de temps à autres (Clémence Boué, Daniel San Pedro, François Nambot, Louis Berthélemy). Des voix furtives, parfois d’une nuit, des voix qui savent ce qui lui arrive. Tous se rencontrent dans l’esprit de celui qui se tait. Tous ont leur partition, leur monologue, leur moment de lumière.

Récemment, ce thème des rencontres imaginées a été repris dans "Les Idoles" de Christophe Honoré. Voir monté ce "Pays Lointain" si peu de temps après l’éclaire d’une lumière différente : même entrechat entre passé et futur, même tentative de guérison et de dépassement des déchirements intérieurs. Même sida ravageur même si ici le sida n’est jamais nommé.

Car le Pays Lointain ne dit pas tout, notamment sur le sida qui erre comme un spectre, absent de toutes les paroles. Lagarce aussi se tait. On projette plus de choses que le texte de la pièce ne dit lui-même. Rendant parfois le texte long par ce qu’il refuse de dire...

En cela, Le Pays Lointain est une pièce exigeante, avec quelques longueurs. L’humeur terne et l’impasse à laquelle il mène peut donner envie de penser « Tout ça pour ça !». Car en définitive, il s’agit d’une parole de 4h qui n’aboutit qu’à un échec et un adieu unilatéral.

Malgré tout, Le Pays Lointain de Clément Hervieu-Léger tient de la performance. Le voir monté dans sa version intégrale avec ces acteurs est une performance. Jean-Luc Lagarce nous a livré en 1995 une œuvre ô combien proche des écritures qui nous sont contemporaines. Une œuvre qui s’engouffre dans nos failles avec mélancolie…

Un testament fidèlement porté par cette nouvelle famille d’acteurs !

Je suis conquise par cette nouvelle mise en scène de Hervé Van der Meulen !

Découvert un peu plus tôt au même théâtre Montansier dans une ambitieuse mise en scène de l’œuvre de Rabelais, le metteur en scène s’attaque cette fois-ci à une pièce du répertoire Shakespearien très peu jouée en France : « Peines d’amour Perdues ».

Dans la veine d’un « songe d’une nuit d’été » cette pièce a quelque chose d’illogique, d’aérien et de burlesque à souhait. L’imaginaire, le fantasque, le droit à l’incohérence se trouvent ensemble convoqués dans cette histoire de royaume où l’approche des femmes est prohibée pour trois ans par le roi de Navarre. Mais voilà que pour régler un litige sur la souveraineté de l’Aquitaine, la fille du roi de France se présente à sa cour accompagnée de trois de ses suivantes. Le roi doit alors se résoudre à les recevoir. De là le début de leurs ennuis : incapable de s’y tenir, le roi et ses compagnons se tordront d’amour et chercheront à séduire leur élue.

Pièce légère, écrite à l’époque du Songe d’une nuit d’été, « Peines d’amour perdues » est une œuvre de pur divertissement qui allie cocasseries, joute oratoire et comedia dell’arte. Le jeu des rideaux instaure subtilement l’idée du voyeurisme et sert le propos des intrigues amoureuses. La mise en scène toute de bleus et de verts est très belle et les costumes d’époque fabuleux. Ils participent du voyage de l’esprit.

On est ailleurs, dans cet espace-temps imaginaire cohérent avec l’idée que l’on se fait de cette période. Les 16 comédiens débordent d’énergie et semblent s’amuser sur scène. C’est un régal !

Dans ce registre burlesque sans propos véritable autre que celui de faire rire, il faut bien avouer que Shakespeare brille aussi.

Une pièce pleine de mordant et visuellement ravissante !

Il y a d’abord un décor avec une esthétique feutrée qui évoque par un savant jeu de lumière l’intime et le secret. Dans cette atmosphère, quatre personnages apparaissent : nous sommes sur un bateau voguant vers la Chine. A bord, Ysé, entourée de son mari et de deux autres passagers qui la courtiseront, Mesa et Amalric. Tous ont déjà vécu et sont dans la recherche d’un second départ de l’autre côté de la mer.

Ysé cristallise leurs désirs et une tension entre les personnages s’installe très vite. Ysé et Mesa, Ysé et Amalric ? Ysé portant l’enfant de Mesa repartant avec Amalric, abandonnant mari et amant derrière elle pour aller vers la mort.

Le texte comme dans l’Echange est un mélange d’amertume, d’amour mystique et de malheur reposant sur la rythmique des images et du verbe claudélien. Pour autant, ce rythme long choisi pour dire « Partage de Midi » confère à chaque mot une sonorité qui éclipserait presque la mise en scène. L’ironie est qu’on est presque tenté de fermer les yeux pour ne garder que cette dimension-là. "Partage de Midi" est ainsi comme une longue plainte en clair-obscur. On s’y frôle, on se plaît mais jamais on ne s’incarne tout à fait.

Jutta Johanna Weiss est flamboyante, féline et indécise. Mathurin Voltz dans le rôle du mari a une présence effacée presque menaçante, comme une ombre annonçant le dénouement dramatique. Stanislas Nordey campe un Mesa rongé par l’impuissance de combattre son amour. Et enfin, Alexandre Ruby campe le fier Amalric conquérant et pragmatique. Son jeu plus direct et franc tranche avec les autres personnages de ce quatuor.

Il y a dans ce jeu lent et retenu quelque chose d’étrangement figé qui corrobore avec l’idée d’exploration des rituels d’amour et de mort poursuivi par le metteur en scène Eric Vigner dans son cycle trilogique. Pour autant, cette mise en scène devient parfois alanguie et l’exercice tédieux. Il faut du courage et de l’attention pour savourer pleinement ce voyage.

C’est assurément un spectacle dont on ne peut qu'admirer le travail de jeu, de décor et de mise en scène. Tout est en suspens, certes fidèle à Claudel mais dirigé, avouons-le, vers un public aguerri et patient.