La situation de départ est somme toute assez banale : André est de sortie avec son amant, Boris, mais celui-ci lui apprend qu’il l’emmène dans un restaurant conseillé par sa femme. C’est la scène initiale, sur le parking du restaurant : les deux amants s’embrouillent. Alors qu’il décide de partir, il manque d’écraser une femme avec sa marche arrière. Cette femme, c’est Yvonne, qui vient fêter son anniversaire au restaurant avec son fils Eric et Françoise, qui connaît Boris… par l’intermédiaire de sa femme. On les sent arriver grosses comme des camions, les scènes un peu gênantes.

J’ai du mal à comprendre comment Yasmina Reza dont je vénère l’écriture fine et perspicace ait pu écrire cela. J’ai laissé une chance à la première scène : après tout, ce n’était peut-être qu’une installation un peu lente de l’intrigue, plus intéressante. Mais il s’est avéré qu’en réalité c’était peut-être l’une des scènes les moins ennuyeuses de la pièce. Successions de dialogues sans grand intérêt, cette pièce se révèle d’un vide rare et inattendu, les vannes tombant à plat : « Elle fait des conférences sur l’art du tricot des chaussons pour adulte » – Oui, et ?

Pourtant, je pense avoir saisi au moins une partie de la critique inhérente à la pièce : ces scènes de la vie quotidienne semblent souligner la montée d’une forme d’individualisme, le manque d’écoute, l’égocentrisme de chacun. L’idée se perd tellement dans ces dialogues sans saveur qu’une chanson aux paroles appuyées nous rappellera le propos à la fin de la pièce, au cas où on n’aurait pas bien compris. Dommage, parce qu’étaient particulièrement bien représentée sur scène, le traitement de la vieillesse aujourd’hui, ou ces habitudes conventionnelles imposées par la société, comme cette fameuse proposition d’aller boire un verre « plus tard » tout en sachant pertinemment qu’aucune des deux parties n’en a l’envie.

Comme contrepoint à ce conformisme, Yasmina Reza a dessiné le personnage d’Andrea. Indifférente aux règles sociétales, elle rappelle le Graham de Sex, Lies, and Videotapes en jurant constamment avec le personnage qu’elle devrait adopter pour être dans la norme. Elle aurait pu être tellement géniale cette Andrea, elle aurait pu être inspirante, mais la partition n’est pas à la hauteur de l’idée. Heureusement Emmanuelle Devos en tire tout ce qu’elle peut, lumineuse toujours, un peu survoltée, attachante. A ses côtés, la troupe suit cette excellence. Malheureusement, cela ne suffira pas à rattraper ce texte désespérément vide.

Je suis partie au bout de 30 minutes (sur 2 heures de spectacles), déjà lassée des "trucs" utilisés pour essayer de faire rire le public (et qui m'ont bien évidemment laissée de glace), un peu attristée de voir Emmanuel Dechartre, mal dirigé, cabotiner comme il pouvait en Harpagon, en tout cas énervée devant cet Avare qui essaie de passer en force et qui se casse la figure dès les premières répliques.

Je préfère prévenir directement : je ne suis pas une spécialiste des comédies musicales. J’aimerais en voir plus car chaque spectacle que j’ai vu m’a ravie, et à l’annonce du retour de Singin’ in the rain, j’était plus que tentée : malgré mon manque de culture sur le sujet, cela reste un grand classique et l’un de mes films préférés. J’ai eu la chance de participer à la générale, et je dois dire que je suis absolument comblée. Pour ceux dont le film doesn’t ring any bell, je rappelle simplement qu’il s’agit d’une histoire autour du passage du cinéma muet au cinéma parlant, incorporant des chansons cultissimes et de belles performances dansées, le tout dans un univers coloré et revigorant (avec l’irrésistible Gene Kelly !).

Singin’ in the rain a quelque chose des comédies musicales de Broadway, et pourtant c’est un spectacle de chez nous : en effet, nous devons cette belle production au Théâtre du Châtelet qui, pour la reprise du spectacle, et comme le théâtre est en travaux, a fait le pari d’investir le Grand Palais. Pari réussi ! Pour l’occasion, ils ont vu les choses en grand : le Grand Palais s’est habillé de parapluies et de lampadaires, et ce pour notre plus grand bonheur. En effet, ce n’est pas seulement un spectacle qu’ils proposent, mais bien une immersion totale dans l’univers de Singin’ : les spectateurs sont invités à arriver deux heures avant le début du spectacle pour profiter d’un stand photo, du karaoké, d’un stand maquillage, ou d’un cours de claquettes (fortement conseillé, c’est un vrai bonheur !).

Une réussite totale. Je vais manquer de mots et de superlatifs, et après tout une phrase suffirait : chers amoureux du film, vous ne serez pas déçus. C’est une production entièrement fidèle à l’âme de l’oeuvre de Gene Kelly et Stanley Donen. J’étais assez curieuse de savoir comment ils allaient transposer certaines scènes, mais tout se fait de manière très fluide et respectueuse du cadre de départ : les alternances de scène et de film fonctionnent très bien, et l’utilisation d’une projection « miroir » pour figurer alternativement l’avant et l’arrière du rideau, élément clé de l’histoire, est à la fois simple et brillante.

J’ai pris un grand plaisir à retrouver mes passages préférés sur la scène, tout aussi vivant, tout aussi pétillants, tout aussi entraînants. J’ai mis un peu de temps à accepter Daniel Crossley, qui incarne Cosmo Brown, pour la raison un peu idiote qu’il ne ressemble pas, physiquement, à Donald O’Connor qui l’incarne – avec brio – dans le film. Ici, si Daniel Crossley joue moins sur les grimaces – de manière générale, il est moins clown et peut-être plus humain. C’est une incarnation différente mais ce personnage reste très attachant, et j’ai fini par me laisser emporter par ce Cosmo un peu moins lunaire mais tout aussi éclatant. Comment ne pas être convaincu devant son merveilleux numéro de claquette, aux côtés de Don Lockwood et de son professeur de diction, lors du fameux Moses supposes his toeses are roses but Moses supposes erroneously ?

Ha ! Les claquettes ! Parlons-en ! Je suis totalement sous le charme des performances de claquettes et je reste un peu sur ma faim car j’en aurais voulu encore plus ! Il m’a manqué le numéro accompagnant la chanson phare du spectacle – mais j’ai bien compris que si le plateau était mouillé, ça devenait difficile de faire sonner les morceaux de métal fixés sur les chaussures. Sur les autres numéros, on retrouve à la fois la classe incomparable de cet art et une certaine grâce sur les danses : j’ai même cru que les comédiens, et particulièrement Dan Burton qui incarne Don Lockwood, avaient une formation classique…

Sur les différences avec le film, je souligne aussi la voix de l’actrice incarnant Kathy Selden, qui n’set pas aussi caressante que celle de Debbie Reynolds (dont j’ai appris qu’elle était doublée dans le film d’ailleurs, par Betty Noyes, merci Ronan pour l’info !). Ceci étant dit, le décalage entre sa voix et celle de Lina Lamont fonctionne bien, et chapeau bas pour Emma Kate Nelson qui parvient à servir malgré tout une belle prouesse vocale dans une chanson que je ne connaissais pas, et qui lui offre un beau moment !

Vous l’aurez compris : cette production est un régal. Pas d’inquiétude pour la transcription, on voit très bien des 2400 places installées pour l’occasion dans le Grand Palais. D’ailleurs, pour moi qui ne suis pas non plus bilingue, j’ai eu très peu besoin de lire les surtitres car non seulement le texte est très compréhensible, mais la sonorisation est de qualité. Ce spectacle a vraiment quelque chose d’impressionnant, avec ses lumières recherchées et ses nombreux décors, mais il n’est jamais pompeux, et c’est dans l’euphorie la plus totale qu’on retrouve l’âme simple, intelligente et distrayante, du chef-d’oeuvre que nous connaissons tous.

Antoine Leiris est ce journaliste qui, au lendemain de l’horreur du 13 novembre et à la suite de la perte de sa femme, a publié sur Facebook un écrit intitulé « Vous n’aurez pas ma haine », dans lequel il s’adressait d’abord aux assassins, arguant que « répondre à la haine par la colère ce serait céder à la même ignorance qui a fait de vous ce que vous êtes » et concluant sur son fils, comme la seule force qui lui restait : « Il a 17 mois à peine, il va manger son goûter comme tous les jours, puis nous allons jouer comme tous les jours et toute sa vie ce petit garçon vous fera l’affront d’être heureux et libre. Car non, vous n’aurez pas sa haine non plus. » Ce texte a été partagé plus de 200 000 fois.

Je trouve qu’adapter ce texte au théâtre est une belle idée : quoi de mieux que le théâtre pour faire ressentir ainsi un sentiment de partage ? Nous qui sommes réunis ici, n’avons-nous pas souffert ensemble, attendu ensemble, pleuré ensemble ? Ne venons-nous pas chercher ici des réponses à nos questions ? Et vivre ce moment, ensemble. Ce n’est pas juste une retrouvaille avec soi, mais un partage chaleureux entre nous. D’ailleurs, ce soir-là, un silence religieux régnait dans la petite salle du Théâtre du Rond-Point. Venir voir Vous n’aurez pas ma haine est une démarche spéciale, nous n’avons pas poussé la porte par hasard, et ça se ressent.

Contrairement à ce à quoi je pouvais m’attendre, ce spectacle n’est pas mélancolique. Au contraire, j’ai trouvé qu’il avait quelque chose de presque serein. Apaisé. Même si l’indignation est là, et la tristesse, et la peur, toujours présentes, on a aussi réussi à relever la tête, à faire face au monde tel qu’il est et, sans accepter l’horreur, nous avons réappris à vivre. Sans l’autoriser, sans oublier, mais tout simplement car c’était la meilleure des réponses. Cette démarche-là, Raphaël Personnaz la rend avec beaucoup d’humanité : de la déchirure initiale à ce départ dans cette nouvelle vie, la démarche est dure et il l’affronte avec à la fois une forme de simplicité enfantine et l’amertume d’un homme qui a souffert. Il a ce regard insouciant, presque naïf, tendre, doux, un regard où on voit le pire au fond de la pupille, mais qui ne va pas abandonner. Le regard d’un homme qui ne s’est jamais laissé le choix. La jolie scénographie de Benjamin Guillard appuie la dualité homme-enfant qui accompagne le spectacle : par terre, des origamis : ce qu’au départ je prenais pour les corps éparpillés sont en fait les témoins des soutiens reçus par Leiris, et ont pris la forme de jouets pour enfants. L’accompagnement au piano, enfin, est très intelligent et la fin en point d’orgue serre le coeur par la beauté et l’espoir qu’elle dégage.

Revivre cette nuit d’horreur m’effrayait, mais le spectacle – et il l’emprunte au livre, probablement – évoque avec pudeur ce moment refoulé. Là n’est pas du tout la question ; il s’agit de vie, d’espoir, et d’amour. Quelle naïveté ! me direz-vous. Quelle vérité ! vous répondrais-je. A travers son histoire, Leiris raconte cette démarche de reconstruction dans laquelle tous, nous nous reconnaissons. Pour parvenir à vivre après cet événement, tous nous nous sommes accrochés à l’amour de nos proches, tous nous avons dû ressentir à quel point nous étions attachés à ce monde par leurs liens, pour éviter de le fuir par lâcheté. Et si, comme Leiris le ressent, ils sont finalement toujours 3 à être ensemble, ce soir, dans la salle, nous étions 130 à applaudir.

C’était la surprise de cette rentrée théâtrale – oui on est en novembre mais le spectacle est un tel succès qu’il a commencé le 1er septembre et se termine le 31 décembre, me laissant donc le temps de rattraper mon retard. Alors que le Poche proposait deux spectacles aux affiches plutôt aguicheuses – Au But et Amphitryon – son dernier spectacle, moins attendu, n’est pas resté de côté, bien au contraire ! Convaincue par la critique de Radio Mortimer et par le bouche à oreilles général autour du spectacle, j’ai décidé de me laisser tenter, moi aussi.

Les comédiens soignent l’atmosphère de ce spectacle en démarrant le spectacle dès leur entrée dans le théâtre : on se sent déjà pris dans leur tourbillon, alors qu’ils chantent avec ferveur un air de l’opéra King Arthur d’Henry Purcell pendant que les spectateurs s’installent, tout en leur proposant scones, cup of tea and whisky of course. Lorsque nous sommes tous placés dans les meilleures conditions possibles, les deux frères commencent leur histoire : comment eux, jeunes écossais d’un petit quartier d’Angleterre, ont peu à peu gravi les échelons jusqu’à devenir l’une des plus importantes fortunes de Grande-Bretagne, surfant sur la vague du capitalisme.

C’est une histoire étonnante et un spectacle très original ; d’abord, cette entrée en matière participative et plutôt rare, puis le mode de jeu des deux comédiens : pour mieux souligner leur gémellité, ils parlent souvent de concert, et ce sans aucune difficulté de compréhension pour nous. Ils jouent beaucoup avec le public, de l’entrée en salle jusqu’à la fin du spectacle, et semblent prendre beaucoup de plaisir à faire des allers-retours dans la salle. Je dois dire que, sans leur énergie communicative, sans cet entrain qu’ils mettent pour défendre ce texte, je ne sais pas si le spectacle m’aurait tant plu, car je n’ai pas trouvé un intérêt saisissant dans cette histoire. Certes, l’évolution des personnages est intéressante et ils nous mettent parfois dans une situation délicate, mais ce sont surtout des effets de forme du texte plus que du fond : s’il est plutôt très bien écrit, le fond ne m’a happée.

Un bon moment.