Il est dans de beaux draps, le fantôme de Canterville !
Dame, je voudrais vous y voir, vous ! Pas facile d'être un fantôme qui ne fait pas peur !

Un fantôme qui n'inspire ni crainte ni répulsion dans un manoir hanté, c'est un peu comme un homard à trois pinces, un peu comme Séréna Williams en tenue de tennis sobre ou encore un peu comme un ministre de l'Education Nationale sans réforme.
C'est inattendu et pour ainsi dire rarissime !

Leïla Moguez a eu la bonne idée d'adapter pour le jeune voire très jeune public la nouvelle d'Oscar Wilde publiée en 1887.

Le ministre Hiram B. Otis a acheté la propriété de Canterville Chase, à la stupéfaction générale, car on disait que le manoir était hanté.
Il faut dire aussi que le ministre en question était américain, et débarquait du côté d'Ascot, dans le comté du Berkshire, (les amateurs de précisions géographiques se régalent), avec sa famille composée de son épouse et de ses deux enfants, la douce Virginia et le turbulent et espiègle Washington.

L'adaptation de Melle Moguez va se concentrer judicieusement sur le fait que le fantôme en question n'est pas n'importe lequel des fantômes.
Sir Simon, c'est son nom, eut la malheureuse et définitive idée de trucider son épouse Lady Eleonore en 1575. On ne retrouva jamais le corps du mari meurtrier, mais son esprit trouble depuis le manoir.

Sans compter la tache de sang qui refuse obstinément de disparaître du tapis, et ce malgré tous les détergents possibles et imaginables.

Deux comédiens vont à eux seuls interpréter tout ce petit monde.
Hier, Aurélie Gendron et Pierre-André Ballande (PAB pour les intimes, dont j'avais notamment beaucoup aimé la prestation dans une précédente pièce, « Aladin, la prophétie »), les deux déboulent donc du fond de la salle rouge du Lucernaire et se chamaillent d'entrée de jeu, se disputant les différentes annonces d'avant représentation.

Immédiatement, les jeunes spectateurs comprennent que le spectacle sera décalé.

Le procédé est habile et fonctionne à la perfection.

Melle Gendron et M. Ballande vont donc interpréter à eux deux tous les rôles.
Là encore, nous ne sommes jamais perdus. Même quand la gouvernante Mme Umney se retrouve avec une barbe.
Quelques accessoires, quelques costumes, et le tour est joué.

Toute la famille est là, devant nous. Sans oublier le fantôme, avec chaînes et drap immaculé, comme de bien entendu !

Les spectateurs sont captivés par le récit et les péripéties de l'histoire.
Les grands comme les petits.
J'en veux pour preuve, suite à une réplique percutante de l'un des deux comédiens, la petite voix qui est montée du public pour affirmer haut et fort « N'importe quoi ! ».
Hilarité générale !

Oui, nous allons beaucoup rire.

Les deux ont une vraie vis comica, une vraie force comique.

(La version de « Colchiques dans les prés » est un grand moment. Je n'en dis pas plus et vous laisse découvrir...)

Pour autant, tout le monde dans le public est concentré et attentif.
C'est évidemment un signe qui ne trompe pas. Par moments, on entendrait les mouches voler.
La double énonciation, la distanciation, la catharsis, ces trois principes fondamentaux du théâtre fonctionnent parfaitement.

Une nouvelle fois, au Lucernaire, le parti-pris de prendre les jeunes spectateurs pour des êtres doués de raison est démontré. Aucune mièvrerie, aucune démagogie juvénile.
Les petits spectateurs sont respectés en tant que tels !

Ce spectacle est à conseiller sans modération à tous ceux qui ont la charge durant les après-midis d'été parisien de têtes plus ou moins blondes, à partir de 5 ans.

Quant à ceux qui n'ont plus personne à garder et n'ont plus qu'à occuper qu'eux-mêmes, ceux-là peuvent également venir assister à ce bien beau moment de théâtre.
De la bien belle ouvrage !

Le travail c'est la santé ?

Le non-travail, c'est le projet !

C'est ce que ne va pas tarder à découvrir Alfred Carmut, ex-employé passant plus de temps à rêvasser devant son ordinateur sur lequel il appuie fort sur la touche « Enter » pour faire pro, qu'à « targeter » les nouveaux clients potentiels.
Et forcément, ce qui devait arriver arrive. Direction Paul Empoil !

Chez Paul Empoil, lui et nous allons tout d'abord faire la connaissance d'un animateur de stage, sourire carnassier, jambes écartées, dont l'objectif sera de démontrer à quatre stagiaires très hauts en couleur la nécessité de passer rapidement en mode projet pour retrouver du taf.

Il y aura Nadéja, coiffeuse-visagiste-bimbo-avant-gardiste, Jean-Karim titulaire dans le 9-3 d'un CAP « herboristerie à tendance lymphatique ».

Nous apprendrons également à connaître Kévin, chanteur apprenti-star internationale, sans oublier Kim-Jean-Luc, startuper « transhumaniste » d'origine coréenne. ("C'est sans douleur, c'est numérique !")

Dans ce tout nouveau spectacle, Philippe Fertray va certes nous faire beaucoup rire.
Ses personnages à la recherche d'un nouvel emploi, sont très drôles, souvent hilarants.

Impossible de rester de marbre devant ses interprétations de la bimbo à la banane dorée en bandoulière, ou encore celle du rebeu au bonnet noir « K-Tar » enfoncé sur la tête, décrivant son projet de voyage organisé en Seine-St-Denis.

C'est tout d'abord par la très grande qualité de son texte que le comédien-auteur nous attrape et ne nous lâche plus.
Fertray, c'est un mélange de Raymond Devos et Stéphane De Groodt, à savoir un travail précis, rigoureux, drôlissime sur la langue.

Le spectacle fourmille de trouvailles langagières, de formules-chocs, de jeux de mots de bon aloi, de calembours jubilatoires, d'à-peu-près épatants.
« Rien Nasser de courir, il faut partir au rond-point », nous serine par exemple Jean-Karim, du fond de sa cité...

Le passage sur les multiples et ronflants noms de baguettes de pains trouvés par des publicitaires voulant vendre de la farine, ce passage est formidable. Celui consacré au projet du rasoir à huit lames est magnifique !

Chaque personnage possède son propre registre de langue, à commencer par l'animateur à l'insupportable sabir, fait d'une novlangue technocratique et bureaucratique très actuelle et très tendance.

Ce spectacle est de ceux dont les mots se dégustent, se savourent.

Mais nous n'allons pas faire que rire.
Philippe Fertray, ne ménageant vraiment pas sa peine et son énergie, nous tend un impitoyable miroir sociétal.
Il nous décrit de façon très corrosive, voire subversive, en exagérant à peine, une société contemporaine en général et un monde du travail en particulier on ne peut plus aliénants.

Oui nous rions, mais ce rire sain et salvateur ne nous fait jamais oublier que les situations que l'artiste décrit ne sont jamais très éloignées de la réalité.

C'est nous que finalement, sans concession, il décrit et met en scène, c'est notre monde, c'est le rapport de l'individu face à la perte du travail et à l'espoir de rebondir.
Il est souvent impossible de ne pas avoir un frisson dans le dos en pensant que non, tout ceci n'est presque pas exagéré...

Un joli message sera délivré à la fin du spectacle. Et non, je n'en dirai pas plus.

Vous l'aurez compris, votre projet immédiat, quant à vous, c'est d'aller applaudir toutes affaires cessantes ce seul-en-scène intelligent, drôle, et par bien des aspects militant, engagé.

C'est acquis, ça, pour tout le monde ?

Il avait chaussé ses souliers tricolores, le grand ordonnateur de la soirée !
14 juillet oblige !
Pour cette septième édition, co-produite par France 2 et Radio France, Stéphane Bern, smoking bleu, cheveux désormais lissés, raie à gauche, présentait le désormais traditionnel concert classique sur le Champ de Mars.

Au pied de la Tour Eiffel qui fêtait ses cent-trente printemps, nous étions quelque 500 000 spectateurs réunis, certes pour ce grand barnum médiatique, mais également pour le somptueux feu d'artifice qui devait suivre ces deux heures et demi de spectacle.

Cette année, plusieurs artistes se partageaient la vedette.

En tout premier lieu, il convient de mentionner le magnifique Orchestre National de France, et le non moins magnifique chœur de Radio France. (Les choristes adultes seront rejoints par quelques jeunes de la Maîtrise de Radio France que dirige l'excellente Sofi Jeannin).

A la tête de tout ce beau monde, le chef Alain Altinoglu, qui tirera le meilleur de tous ces grands musiciens.

Il faut être très clair. Ce concert, c'est avant tout une volonté des deux chaînes du service public, télé et radio, de proposer une soirée musicale à la fois populaire et de qualité !
Nous assisterons donc à deux heures de « tubes » classiques.
Il est donc hors de question de chercher dans le programme des œuvres rares ou inédites.

Des stars vont se succéder sur la scène du Champ-de-Mars.

En tout premier lieu, Roberto Alagna et son épouse à la ville comme bien souvent à la scène, la soprano Aleksandra Kurzak.

Le ténor interprétera quelques airs du répertoire, ainsi qu'une version de « La mama », de feu Charles Aznavour. A ses côtés, la guitariste virtuose Xuefei Yang. (Un peu plus tard, elle nous donnera le célèbre Concerto d'Ajanjuez.

Le célébrissime ténor interprétera également le très connu duo de La Périchole « Vous a-t-on dit souvent », avec Gaëlle Arquez. Les fans d'Offenbach, dont votre serviteur, se régalent !

Sans oublier l'air « Rachel, quand du Seigneur », tirée de l'opérette La Juive, de Fromental et Halévy.

Et puis le couple nous chantera le fameux « Heure exquise qui nous grise », de Franz Lehar, tirée de l'opérette La Veuve joyeuse.

Autre grand moment de la soirée, l'interprétation de « L'ode à la lune », de Anton Dvorak par une autre star, du violoncelle cette fois-ci, à savoir Gautier Capuçon.

Khatia Buniatishvili s'emparera des quatre-vingt huit touches du Steinway pour le 3ème mouvement du Concerto N°1 pour piano et orchestre de Tchaikovski.

Moi, j'étais surtout venu pour Jakub Josef Orlinski !

Etoile montante de la scène lyrique mondiale, le contreténor polonais a illuminé la soirée !
Il nous a donné le fameux air « Vedro con moi diletto » d'Antonio Vivaldi, tiré de son opéra Giustino.
Les notes et la voix du jeune chanteur semblaient monter au ciel, en passant par le dernier étage de la Tour Eiffel.
Une grande émotion saisit alors tous les spectateurs.

Une ovation salua la prestation de Jakub Josef Orlinski !
(Un artiste lyrique contreténor par ailleurs spécialiste de break-dance, comme devait nous le prouver un sujet pré-enregistré, diffusé par le réalisateur de la soirée, François ­Goetghebeur.)

Au cours de la soirée se succéderont la célèbre ouverture de Carmen, « La habanera », la danse hongroise N°5 de Brahms, « La danse du sabre » de Aram Katchaturian, le « Va pensiero » de Verdi, « Le veau d'or » du Faust de Gounod, autant d'autres « tubes » qui seront donnés pour le plus grand plaisir de tous.

Sans oublier pour terminer l'hymne européen, la célèbre « Ode à la joie », avec les quatre Aleksandra Kurzak, Gaëlle Arquez, Roberto Alagna et René Pape.

Et puis 14 juillet oblige, une Marseillaise finale, dans la version orchestrée par Hector Berlioz.
L'ordonnateur aux chaussures tricolores sus-nommé est au garde-à-vous sur la scène !

Les petits drapeaux tricolores et européens s'agitent alors frénétiquement.
J'ai pu noter au passage sur l'un des fanions bleu-blanc-rouge distribués au public une mention revendicative : « Des sous pour Radio-France » ! Le message est clair !

Il sera l'heure alors pour Alain Altinoglu de lancer ses musicales troupes pour une dernière œuvre « Also sprach Zarathustra », de Richard Strauss.
La dernière note est enchaînée avec les infra-basses qui débutent la bande-son du gigantesque feu d'artifice !
La société pyrotechnique Ruggieri peut être fière de ses employés !

On l'aura compris, oui, le service public radio-télé peut proposer un spectacle de très grande qualité, populaire et accessible par tous, qui plus est diffusé en direct dans trente-cinq pays.
Quelque quatre-cent-cinquante techniciens étaient mobilisés pour l'occasion !

#BalanceTonDonGiovanni

Pour Ivo Van Hove, l'affaire est définitivement entendue.
Le héros de Mozart et Da Ponte est bel et bien un redoutable prédateur sexuel, doublé d'un assassin.
La petite fumée qui sort de la scène ne laisse planer aucun doute, les Enfers ne sont pas loin.

Ce type est on ne peut plus sulfureux.

Le metteur en scène le condamne d'emblée. Sans autre forme de procès.

Elle est loin l'image du gentil séducteur que l'on pouvait parfois avoir dans certaines mises en scène passées.
L'affaire Weinstein a laissé quantité de traces. Indélébiles.

La vision du metteur en scène belge du chef-d'œuvre mozartien sera sombre, très sombre. Austère et grise. Une grande sobriété va régner durant ces trois heures.
A l'image de ces éléments architecturaux qui attendent le public sur la scène du Palais Garnier.

Trois gigantesques tours de béton précontraint, reliées entre elles par des escaliers apparents, ou que l'on devine, entre grandes fenêtres ou cours intérieures.
Immanquablement, on pense aux constructions labyrinthiques et surréalistes de M.C. Escher, qui lui même s'inspira du peintre Giovanni Battista Piranesi.
Une vision de la Cité pesante, lourde, oppressante, éclairée par une lumière crue, froide, une Cité dans laquelle la fuite n'est pas permise et où le destin devra s'accomplir coûte que coûte.

Ces trois tours sont installées sur des tournettes. Elles pivoteront sur elles-même très lentement, de façon imperceptible, pour finalement créer un mur entier, plein, froid, où Don Giovanni sera acculé.

C'est alors qu'une fantasmagorique vidéo (merci Christopher Ash) y sera projetée, représentant à la toute fin de l'acte 2 les victimes du prédateur. Des victimes par milliers, qui gisent et se contorsionnent dans d'affreux tourments, se rapprochant inexorablement de nous.
Cette vision dantesque est saisissante.

Ivo van Hove a situé l'action de nos jours, si l'on en juge les costumes et les accessoires des chanteurs.
Don Giovanni et Leporello sont habillés de somptueux costumes noirs.
Le maître a de plus une cravate assortie ainsi qu'un long imperméable gris, bien pratiques pour l'échange vestimentaire de l'acte 2.
Il n'hésite pas à dégainer un pistolet automatique, avec lequel il assassinera le Commandeur.

Tous les costumes de cette production seront eux aussi noirs, sombres, ou gris, comme les chemises des villageois.
Seules quelques mannequins féminins (les conquêtes précédentes, probablement) seront vêtues de robes aux couleurs plutôt vives, pour la scène des masques.

Les interprètes de cette mise en scène, tous autant chanteurs que comédiens sont jeunes. Rarement l'œuvre est jouée avec une distribution aussi « juvénile ».
Mais attention : une jeune distribution certes, mais avant tout une distribution de grande qualité.

A son habitude, Van Hove dirige ses acteurs de façon précise, intense, tendue. Les jeunes interprètes ne sont pas lâchés avec mission de « folâtrer »... Pas du tout.

Philippe Jordan est chez lui, avec ses fidèles troupes de l'Orchestre et des Chœurs de l'Opéra.
Il assure également les parties de piano-forte pour les récitatifs.
Sa vision musicale de l'œuvre est violente, comme le héros, sans concession, presque sauvage, par moments.
A l'image de son premier geste de direction qui non seulement lance l'interprétation de l'ouverture, mais aussi l'allumage cru de la scène, (l'effet sera renouvelé au début de l'acte 2), il y a quelque chose de dur, de froid dans tout ça.
Le choix qu'il a fait de cette « dureté » est payant. Il sera ovationné aux saluts !

Une grande cohérence va régner tout au long de cette représentation, l'avant-dernière de la saison.

Le baryton Etienne Dupuis, dans le rôle-titre, est brillant. Son phrasé est à l'image du personnage, dur, violent, mais lors des scènes de séduction, un beau legato enchante tout le monde.
Un petit regret : il chante l'air de la sérénade hors plateau...
Beaucoup d'engagement ressort de son jeu. Il court beaucoup, tombe, se jette par terre. Son célèbre air du catalogue fait merveille, et provoque volontairement par le jeu quelques rires du public.

Philippe Sly en Leporello lui donne une impeccable réplique. La scène d'échange des costumes est un formidable moment. Lui aussi a un rôle très physique. De nos jours, il faut très bien chanter en bougeant énormément.
Les deux seront très applaudis.

Donna Elvira-Nicole Car (l'épouse à la ville d'Etienne Dupuis) mène la vie dure à son Giovanni...
Elle est magnifique de rage, de fureur. Les duos du couple sont prétexte à de très beaux et très délicats moments tout en douceur et suavité.

Un autre couple épatant, c'est celui de Zerlina-Masetto !
Elsa Dreisig est parfaite, tour à tour féroce, tendre, sensuelle. Son timbre chaud, son vibrato parfaitement maîtrisé et son beau phrasé remportent tous les suffrages.
Mikhail Timoshenko est Masetto (il fut le Mithiouka de Boris Godounov, déjà mis en scène récemment à Bastille par Ivo Van Hove). Lui aussi sera très applaudi, son charisme et son timbre chaud et rond faisant merveille.

J'ai été également enthousiasmé par Stanislas de Barbeyrac qui est un grand Don Ottavio. Une grande présence scénique alliée à un beau timbre ravissent les spectateurs.

Quant à Jacquelyn Wagner, elle campe une Donna Anna très forte, très concernée. J'ai beaucoup aimé son timbre très fin, très cristallin,

Quant au Commandeur, c'est un autre habitué des lieux qui s'y colle.
On avait récemment applaudi la basse estonienne Ain Anger en Pimène, à Bastille, toujours dans le Boris Godounov.
Sa voix (très) grave, profonde convient à merveille au Commandeur. Il est très impressionnant !

On le sait, Don Giovanni mourra, permettant ainsi à la morale d'être (relativement sauve), permettant également à la vie de reprendre, aux balcons de refleurir.
Pour autant, les difficultés ne seront pas toutes aplanies.
Certains devront même attendre une année entière afin de convoler... Et en une année, il peut s'en passer...

La vision très aboutie d'Ivo Van Hove, si elle ne révolutionne certes pas l'œuvre de Mozart-Da Ponte, en permet une lecture très actuelle, très contemporaine.
Elle permet également de rappeler s'il en était encore vraiment besoin, le caractère universel du propos de cette partition et de ce livret.
#MeToo

« Où sont les femmes ? », se demandait en son temps le célèbre philosophe suisse blond Patrick Juvet.
Les femmes, elles se trouvent actuellement sur le plateau du Funambule Théâtre, où à trois, elles nous donnent une très remarquable version du chef-d'œuvre d'Edmond Rostand.

Oui, oui, vous avez bien lu : sur scène, seules trois comédiennes, Iana-Séréna de Freitas, Lucie Delpierre et Nataly Florez (en alternance avec Marjorie de Larquier), réussissent de main de maîtresse une formidable gageure : servir à elles seules au mieux ce texte immortel, et en faire ressortir au delà de toute espérance la substantifique moelle et la bouleversante humanité qui se dégage de ce personnage.

Bastien Ossart, leur metteur en scène, a mis en œuvre plusieurs parti-pris plus judicieux les uns que les autres.

Un Cyrano joué uniquement par des comédiennes ?
Oui, nous sommes confrontés à l'universalité de cette pièce. Ici, le fait de confier tous les rôles à la gent féminine (on oublie d'ailleurs très vite ce fait-là...), nous permet d'être au plus près du texte, et d'en savourer à chaque instant la merveilleuse richesse.

Puis, tous les codes du théâtre baroque vont être utilisés, avec notamment un éclairage aux chandelles. C'est d'ailleurs le metteur en scène qui se charge d'allumer toutes les bougies dès l'entrée des spectateurs dans la salle.
Ceci confère à la pièce une atmosphère très particulière, très rare actuellement. Nous avons vraiment l'impression d'être à l'époque à laquelle Rostand a situé l'action de la pièce.

Le metteur en scène a également eut l'idée de demander à ses comédiennes beaucoup d'engagement physique.
Accentués par le fait de jouer par moments avec des masques, ce sont les corps qui vont pleinement s'exprimer.

(Je serais curieux de connaître le nombre de calories dépensées par soirée... Ce nombre-là doit être gigantesque ! )

Nous sommes parfois proche du théâtre de tréteaux, de la Comedia dell'arte et par bien des aspects du théâtre de Nô japonais. Les corps sont mis en valeur, et véhiculent autant d'émotions, de sentiments que le texte lui-même.
Parfois, les trois filles semblent véritablement danser. Des scènes relèvent d'une chorégraphie très étudiée. De vrais moments de grâce émaillent la pièce.

Ce mélange des genres théâtraux est une très riche idée.

Les comédiennes, bien entendu, doivent jouer plusieurs rôles. (la pièce en comporte en effet une cinquantaine...)
Le texte est restitué dans son intégralité.


Non seulement elles jouent donc plusieurs personnages, mais en plus, elles se partagent souvent les rôles principaux et donc les alexandrins associés.

C'est ainsi que Cyrano, Roxane, Christian, notamment, seront joués tour à tour par mesdemoiselles de Freitas, Delpierre et Florez.


Si ça fonctionne ? Oh que oui !
Nous ne sommes jamais perdus. Sur le plateau nu, qui se remplira au fur et à mesure de petits lampions, nous savons à tout moment où nous en sommes.
A tel point que même sans son masque au grand nez, Cyrano est bel et bien devant nous.

Aucun problème non plus à se repérer dans l'espace. Nous comprenons en permanence où nous sommes, à l'hôtel de Bourgogne, chez Raguenaud, à l'hôtel des Cadets, à Arras, au couvent parisien...

Des instants très drôles parsèment le spectacle. Une parodie de la célèbre tirade au début de la pièce, quelques improvisations (la scène jubilatoire avec la marmite de Ragueneau), un petit cri drôlissime et récurent de De Guiche, une petite chanson fredonnée, etc, etc... Eh oh ! Ne comptez-pas sur moi pour tout dévoiler, non plus !

Ce Cyrano, de par son côté épuré, de par sa façon d'exacerber la bouleversante humanité du personnage, m'a fait penser à la version de Dominique Pitoiset dans laquelle Philippe Torreton dans le rôle-titre ne quittait pas le réfectoire de son asile psychiatrique.
De la même manière, ici, les fortes contraintes liées aux parti-pris dramaturgiques permettent de nous faire « exploser à la figure » ce grand texte.

Surtout, surtout, ne manquez pas ce merveilleux Cyrano, c'est d'ores et déjà un spectacle incontournable de cet été parisien.
Vous n'avez aucune excuse, vous ne pourrez pas dire que vous ne saviez pas.