« On est nostalgiques d’un temps que l’on n’a pas connu ! ».
Voici ce que me confiaient deux très jeunes spectatrices dans la file d’attente du théâtre de la Contrescarpe, impatientes qu’elles étaient de découvrir cette pièce.
Chirac.

Comme pour illustrer la fascination au sens premier du terme qu’exerce encore et toujours l’ex-président de la République.
Comme pour dire leur besoin de retrouver l’homme, public et privé, l’animal politique.

Pendant une heure et quart d’un remarquable spectacle, étonnant et passionnant, nous allons le voir, Jacques Chirac.
En chair et en os, serais-je tenté d’écrire.



Nous voici dans le jardin du Luxembourg.
Sur une chaise métallique estampillée Sénat, une jeune femme lit les mémoires chiraquiens.
Je vous aurais bien révélé son prénom, mais celui-ci est prétexte à une formidable séquence que je me garderai bien de déflorer.

Elle s’endort. La rencontre peut avoir lieu.

A cour, dans la pénombre, le voici qui paraît en contrejour sur la scène.
Tout d’abord une silhouette familière.
Un grand gaillard en costume, avec les lunettes si célèbres (La maison Bonnet est remerciée sur le dossier de presse, ce sont bien les mêmes…), avec la coupe de cheveux gominés bien connue…

Impossible de s’y tromper. C’est bien lui. Le voici qui entame la conversation.

Durant ces soixante-quinze minutes, le dialogue entre les deux personnages va littéralement passionner les spectateurs.

La pièce de Dominique Gosset et Géraud Bénech va nous faire revivre les heurs, bonheurs et malheurs de ce président « pas comme les autres ».
Ni hagiographie, ni dossier à charge. Le curseur est à sa bonne place.

Dans un réalisme saisissant, grâce à une écriture ciselée reprenant des éléments journalistiques et biographiques, aux formules percutantes souvent très drôles, parfois bien émouvantes, nous allons assister à une joute oratoire, souvent à fleurets mouchetés, entre les deux personnages.


Vont se dérouler devant nous un retour sur la vie privée, un bilan de l’action politique, (avec les réussites incontestables et incontestées mais aussi les casseroles), un retour sur les conceptions de l’État, de la place des femmes, de l’écologie, ou encore une évocation des paradoxes et des contradictions de cet homme.

Le duo de comédiens fonctionne à la perfection.

Elle, c’est Fabienne Galloux.
Elle est parfaite, tour à tour candide posant des questions, espiègle titillant l’ancien chef de l’Etat ou provocatrice rappelant les « dossiers » chiraquiens.

Et puis, il y a Marc Chouppart, qui livre une véritable performance.

L’ex-pensionnaire de la Comédie-française est purement et simplement Jacques Chirac.
C’est même par moments très troublant. Une véritable performance.

Nous l’avons vraiment devant nous.

Tout y est.
La silhouette, donc, mais également la gestuelle, (je vous conseille des bien observer ses mains…), les mimiques, sans oublier l’incroyable ressemblance du visage.

Et puis la voix. La célèbre voix.

Jacques Chirac a beaucoup été imité. Dans des sketchs n’excédant bien souvent pas plus de dix minutes.
Marc Chouppart, lui, tient son personnage durant une heure et quart.

Tout y est : les intonations, le timbre si particulier, les consonnes finales prononcées, les variations subites de volume...
Impressionnant et troublant, vous dis-je.

Il est très drôle, à nous rappeler les célèbres expressions attendues par tout le monde, (vous savez, le « ça m’en touche une, etc, etc »…), à envoyer des piques à ses «petits » camarades de droite, ou encor à tenter de séduire son interlocutrice.
Il est également bouleversant lorsque sont évoqués les souvenirs douloureux de cet homme.

Le comédien excelle vraiment dans les habits de ce personnage hors du commun. Il nous ravit et nous sidère.

Je n’aurai garde d’oublier de mentionner le magnifique travail du créateur-lumières.
De subtiles éclairages mettent parfaitement en valeur ce qui se joue devant nos yeux.
Un travail rendu d’autant plus difficile en raison de la présence de projections video au lointain, et de multiples pans réfléchissants. De la très belle ouvrage.

Courez donc toutes affaires cessantes au 5 rue de Blainville retrouver celui qui présida à la destinée de la France pendant onze ans, onze mois et vingt-neuf jours.


What do you want ? Me to go back to the Contrescarpe Theater ?

Et de deux !
Au tour des femmes !

Voici donc le premier volet (par ordre chronologique d’écriture) de ce diptyque, dont je vous avais narré le second épisode, consacré à la masculinité.
C’était ici.

Tout est parti pour Catherine Hauseux d’une interrogation concernant l’éducation qu’elle pouvait donner à ses enfants : « Comment se fait-il que […] je cherche inconsciemment à « armer » davantage ma fille que mon fils ? »



Elle a donc choisi de travailler sur ce thème qu’est ce questionnement sur la vie des femmes, en 2021, sur la condition féminine contemporaine, qui ne peut se comprendre que si l’on se souvient et l’on analyse le passé.

Le corollaire de ce thème, c’est évidemment le futur : la transmission.
Que veulent transmettre les femmes à leurs filles ?
Le titre du spectacle, à cet égard, ne laisse planer aucun doute : les deux pronoms personnels, le « je » et le « tu » annoncent d’emblée la couleur.

C’est bien simple, ce que va nous dire et nous jouer Melle Hauseux est à la fois remarquable et passionnant. Encore et toujours.

Deux grandes parties composent ce spectacle.

Dans la première, la comédienne parle d’elle.
Dans un texte d’une très grande qualité, elle nous parle de cette condition féminine, avec les valeurs reçues, les modèles rencontrés, les rapports entretenus avec les parents, la famille, le conjoint, sans oublier la façon de se situer par rapport aux codes attendus par la société actuelle envers les femmes.

Ce texte, non seulement il faut le dire, mais il faut le jouer. Nous sommes au théâtre.
Stéphane Daurat a mis en scène la comédienne de façon très judicieuse. Il y aura le fond, mais également la forme.


Dans une dramaturgie et une scénographie où le linge blanc (le symbole évident des tâches ménagères) est omniprésent, pouvant même servir d’écran pour les subtiles projections vidéo, la comédienne va évoluer avec les mêmes codes-couleur : le noir et le rouge. Tous ses différents costumes seront ainsi déclinés.

Les changements d’identités, de costumes seront réalisés avec beaucoup de précision et de subtilité.

Car nous allons retrouver dans une deuxième partie, après quelques mesures de « Piensa en mi » de Luz Casal, le principe des témoignages recueillis auprès de femmes lors d’une résidence artistique à Villeneuve-saint-Georges.

Catherine Hauseux va incarner trois portraits générationnels, trois femmes différentes, trois destins, trois concentrés de vie.

Une jeune retraitée, une adulescente issue des quartiers, et une infirmière désormais arrière-grand-mère.

Ce qu’elle va nous montrer est époustouflant !
Son interprétation de ces trois femmes est d’un réalisme saisissant. Nous oublions la comédienne pour ne plus voir devant nous que ces personnages tour à tour touchants, drôles ou bouleversants.
Les transformations physiques sont saisissantes, avec une formidable et sidérante scène de vieillissement. (Et non, je n’en dis pas plus...)


Une nouvelle fois, ce spectacle n’apporte pas de réponse toute faite.

La comédienne ne juge pas.
Elle propose à notre réflexion ces témoignages, avec un questionnement philosophique concernant le fait de pouvoir évoluer, de grandir à tout âge.


Et puis bien entendu, c’est à nous de faire le job : nous autres spectateurs sommes forcément invités à nous situer par rapport à ce qui est dit et montré.

A nouveau, ce qui se joue devant nous grâce à Catherine Hauseux et Stéphane Daurat, c’est la Vie dans sa plus grande vérité.
Une histoire d’Humanité.
Ces deux-là, par le biais de cet art étrange et merveilleux qu’est le théâtre, nous interrogent de façon magnifique sur notre condition humaine.


A mes côtés, deux jeunes filles pré-ados emmenées à l’Essaion par leurs parents, étaient bouche bée durant ces soixante-quinze minutes.

Oui, ce diptyque devrait bien être subventionné par l’Education Nationale, et montré à tous les collégiens.

Ne passez surtout pas à côté de ces deux spectacles !
Vous ne pourrez pas dire que vous ne saviez pas...

Homme, sweet homme…

En 1971, Michel Polnareff nous l’assurait : « Je suis un homme, je suis un homme, quoi de plus naturel, en somme... »

Mais au fait, c’est si naturel que ça, d’être un homme ?
Voilà une bonne question !

C’est en tout cas celle que s’est posée Catherine Hauseux, dans le cadre d’un diptyque passionnant autour de la transmission et d’une réflexion sur le vécu, les spécificités, les interrogations des femmes et des hommes.

Ce soir, j’assistais au second volet, consacré donc au sexe que l’on a longtemps dit et cru fort !

Qu’est-ce que c’est un homme ?
Qui sont ces mâles contemporains ? Que ressentent-ils ?
Comment se définissent-ils ?
Comment vivent-ils leur masculinité ?

Voilà quelques-une des interrogations qui vont être évoquées devant nous.

Avec d’arriver sur la scène, ce spectacle a dû être écrit.

Catherine Hauseux a donc été interroger des hommes, dans les villes où elle était en résidence artistique.
Elle a recueilli des témoignages.
Des hommes se racontent, tentent de se définir, évoquent leurs rapports avec les femmes.

La démarche est quasi sociologique.
Mais voilà... De la socio au théâtre, il y a un fossé.
Il était en effet hors de question pour l’auteure de « simplement » lire ces témoignages, il fallait les mettre en voix, certes, mais aussi en corps, en gestes.
Nous sommes bien au théâtre, pas dans un amphi de fac.

Elle entre sur scène, Catherine Hauseux, et à partir d’une situation vécue, qui va tout déclencher. Une situation-problème, pour employer un terme à la mode chez les pédagogues.

Elle sera bientôt rejointe par Stéphane Daurat qui va interpréter, jouer, incarner ces témoignages.
Il sera tour à tour un homme en couple bien installé, un retraité, un type en instance de divorce, un jeune de trente ans, un prof habillé de noir, etc…

Des personnages qui existent, et qui vont à nouveau prendre vie sur le plateau grâce au talent du comédien.

La vérité ! Troublante, palpable, bouleversante, sans fard ni artifice.
Stéphane Daurat l’incarne, cette vérité-là. Et de quelle façon !

Son jeu, d’une justesse phénoménale et absolue, fait en sorte que nous les avons vraiment devant nous, ces hommes-là, plongés dans leurs contradictions, leurs faiblesses, leurs forces, leurs contradictions et leurs divers questionnements.
Tour à tour touchant, drôle, bouleversant ou d'assez mauvaise foi, il EST ces personnages.

L’égalité H/F, la « mâlitude », la masculinité, la paternité, le partage des tâches, le rôle dans l’éducation des enfants, la transmission du nom patrimonial, l’homophobie, voici quelques-uns des sujets qui sont abordés via la restitution de ces témoignages.

Melle Hauseux, elle, joue le rôle de la narratrice-candide, qui intervient parfois pour questionner et pour pousser dans leurs retranchements les différents personnages.

On le comprendra aisément, ce type de spectacle est très risqué.
Le grand danger étant de tomber dans la caricature la plus nauséabonde.

Ici, il n’en est absolument rien.
Ce qui se joue devant nous, c’est la réalité, c’est la vie, c’est notre humanité. Purement et simplement.
Les deux comédiens font en sorte que nous la prenions en pleine face, cette réalité-là !

Et bien entendu, chaque homme présent à l’Essaion ne peut s’empêcher de se situer, par rapport à ce qui nous est raconté et montré : où en sommes-nous, nous-mêmes, face à ces questions essentielles ?

Oui, ce magnifique moment de théâtre nous force à prendre acte de notre propre conception du genre.
C’est là l’une de ses grandes forces.

La dramaturgie et la scénographie sont pleinement au service de cette Vérité, avec l’utilisation de judicieux accessoires, un bande-son discrète, tout comme les subtiles projections vidéo.

Vous l’aurez compris, je vous engage vivement à assister à ce spectacle passionnant.
C’est bien simple : c'est une réussite totale.

Demain, ce sera au tour des femmes ! A suivre...

Enfin une pièce qui mélange les serviettes et les… soviets !

Ray Cooney a écrit cette pièce en 1994, sous le titre original « Funny money » !
L’argent drôle.

Et pour être drôle, cette pièce du dramaturge britannique l’est !
D’autant que son adaptation signée par les ci-devant Michel Blanc et Gérard Jugnot est aux petits oignons.

Il est des anniversaires dont on se souvient longtemps.
Le personnage principal du spectacle,Yvon, pourra en témoigner, lui qui, par un concours de circonstances, a vu sa serviette de bureau échangée dans le RER contre le même modèle rempli de billets, et ce pour un montant dépassant les sept millions d’euros.

A partir de cette situation de départ (sa narration très percutante est très réussie, prenant à peine les trois premières minutes de cette heure et demie), Cooney a construit une véritable cascades de péripéties burlesques, de rebondissements en tous genres et de quiproquos jubilatoires.

Nous allons faire la connaissance de personnages très hauts en couleurs : Yvon, ce comptable veule et très imaginatif, sa femme qui découvre les propriétés du whisky et de la vodka, un chauffeur de taxi au prénom quasi prédestiné (je n’en dis pas plus…), un inspecteur ripoux, un autre bien flegmatique, un mafieux russe, sans oublier un couple d’amis conviés à fêter l’anniversaire du maître de maison.

Comme bien des pièces de ray Cooney, ce qui va compter ici, c’est le tourbillon de situations loufoques et burlesques.
L’important, c’est de permettre au public de se distraire et de rire.
Et pour rire, nous rions énormément !

L’adaptation est donc très réussie. Blanc et Jugnot ont concocté un texte percutant, avec des dialogues et des répliques qui font mouche.
J’en veux pour preuve la réponse à « Vous êtes Mme Lemoual » , qui plonge la salle dans un grand fou-rire, (vous n'en saurez pas plus...) ou encore un « Faites-vous plaisir ! » épatant.

Les deux ex-membres de la troupe du Splendid ont su mettre au goût du jour ce texte, et lui conférer par moments un petit air de Feydeau contemporain, notamment dans l’exposition des relations entre Yvon et sa femme.

Arthur Jugnot a su quant à lui, insuffler dans la mise en scène dans cette pochade une folie maîtrisée, un côté burlesque.

Ici, ce qui est important, c’est le rythme, la fluidité sans qui tout tomberait à plat, comme un soufflé mal cuit.

Jugnot fils a réussi à créer un vrai maelström ininterrompu de situations hilarantes, de gags textuels ou visuels.
Impossible de s’ennuyer, ou de se détourner de ce qui se passe sur le plateau.



Les portes claquent, les corps bougent, trépignent, tombent, s’attirent, se repoussent, le tout pour servir le texte.
Ici, le curseur est toujours à la bonne position.

Huit comédiens à la vis comica évidente se dépensent sans compter.
Oui, ces huit-là font fonctionner nos zygomatiques à plein régime.

Ruptures, double-takes, doubles-sens des mots, regards ahuris (Laurent Ournac et Arnaud Gidouin sont magnifiques), les moyens dramaturgiques utilisés mettent dans le mille à chaque fois.

Le flegme et le laconisme de Thierry Heckendorn, l’engagement et la drôlerie des filles, Melles Gaëlle Gauthier et Zoé Bruneau, la petite voix haut perchée des répliques de Sébastien Pierre, le jeu de Yannik Mazzilli, tout ceci concourt à la réussite de l’entreprise.

Faire rire un public est une tâche bien difficile à réaliser.
Il ne faut ni mépriser, ni tomber à bras raccourcis sur le théâtre de Ray Cooney, qui a l’immense mérite de divertir, de faire oublier au public ses soucis, et de procurer une heure et demie de bon temps.

Il n’y a pas de petit ou grand théâtre.
Il y des pièces qui fonctionnent ou pas.

Ici, pour fonctionner, ça fonctionne !

J’ai passé un très bon moment à suivre les folles aventures de ces personnages, j’ai beaucoup ri.
Je suis sorti du théâtre de la Renaissance en me remémorant certaines répliques hilarantes, le sourire aux lèvres, au grand étonnement de mes voisins de métro.

De plus, si vous assistez à la pièce, la corrida martiniquaise n’aura plus aucun secret pour vous !

C’est un habitué du lieu qui revient cette année au festival Django Reinhardt.

Christian Sands.
Ce jeune pianiste de 32 ans originaire du Connecticut, l’un des plus enthousiasmants de la scène jazz américaine, était venu nous impressionner grandement voici deux ans, aux côtés du contrebassiste Christian McBride.

C’est en leader d’un épatant trio qu’il vient interpréter quelques titres de son dernier album en date, Be Water, lui aussi paru comme les deux premiers chez le label Mark Avenue.
Un trio « traditionnel », piano, basse, batterie.

Le trio, cette forme instrumentale qui est au jazz ce que le quatuor est à la musique de chambre.

A ses côtés, deux talentueux sidemen, le batteur Clarence Penn, et le contrebassiste Yasushi Nakamura.

Christian Sands, nous allons nous en rendre compte très très vite, se situe au carrefour de la tradition et de la contemporanéité jazzystiques.

Il commence bille en tête avec un premier titre survitaminé, presque hard-bop, avec un nombre impressionnant de notes à la minute.
Comme pour poser les choses, établir les bases de ce qui va suivre.

Une technique hallucinante ! Le clavier du Steinway & Sons doit être tout chaud !

La pulsation est sauvage, puissante, brute. Le rythme est furieusement endiablé.

De rage, Christian Sands jette à terre le masque avec lequel il avait commencé à jouer.
Comme un symbole !

Ce qui suivra démontrera les deux qualités essentielles à mes yeux de Mister Sands : un lyrisme époustouflant dans ses thèmes et improvisations, et un groove phénoménal.
On comprend évidemment pourquoi Christian McBride l’a casté pour jouer avec lui.

Avec le titre Crash, le discours musical de Christian Sands atteint son climax.
Le « chabada est bien là », pour reprendre l’une des expressions favorites de cette légende du jazz qu’est « notre » pianiste René Urtreger.

Crash, au swing lent, où s’exprime toute la sensibilité du jeune musicien.
Un musicien très expressif, et qui montre physiquement ce qu’il ressent.
Oui, un jazz très physique, très organique.

Les trois musiciens groovent grave ! En façade, tout le monde bouge.
Le titre devient envoûtant.
Les trois artistes s’amusent énormément, plaisantant même à distance.

Ensuite, voici que Yasushi Nakamura entame un furieux et très musclé solo, utilisant notamment sa contrebasse comme un instrument à la fois mélodique et percussif.
Avec des glissandi sauvages, M. Nakamura « maltraite » la touche du manche de son instrument, étonnant et ravissant le public.

Ce solo annonce une suite très funky.
Christian Sands articule alors très subtilement son discours autour de quelques accords pour nous plonger dans des limbes harmoniques envoûtantes.


Quant à Clarence Penn, lui aussi démontre tout son savoir faire.

Ce batteur délivre un rythme puissant, au fond du temps, avec beaucoup d’inflexions et de syncopes qui surprennent les spectateurs, voire les font sursauter.
Penn, c’est un véritable métronome, qui n’hésite pas à taper sur les cerclages de ses toms, ou encore sur les pieds de ses cymbales, afin de varier les sonorités.

Vient le dernier titre. Déjà.

C’est maintenant que va s’exprimer tout le lyrisme de Christian Sands, dont je parlais un peu plus haut.

Un climat de tranquillité, de sérénité s’installe, avec encore et toujours un groove lent sur une grille mélodique de quatre subtils chords.
Une boucle lancinante, délicate, toute en nuances toutes douces.

Une délicate harmonie règne alors.

Le jeune pianiste entame alors un stupéfiant « choral », digne de Jean-Sébastien Bach, d’une beauté harmonique sidérante.
J’aurai l’occasion de lui en parler après, derrière la scène, et cette référence musicale le ravira, en témoignera le check qu’il me proposera.

Au final, une ovation viendra saluer la prestation des trois guys.
Le public ne s’y trompe pas, qui leurs réserve des applaudissements rythmés.

Nous venons de vivre un autre moment passionnant de cette édition 2021 de ce festival !