Magalie Madison, Anthony Dupray.
Pour les quadras et quinquas qui liront cet article, ces deux noms feront immanquablement ressurgir en mémoire une foule de souvenirs : des après-midis dans le salon familial devant le Club Dorothée, des actrices et acteurs tellement présents dans nos vies qu’ils en devenaient presque des amis … Pour le dire plus simplement, avec ces deux noms revit un univers, celui d’AB Productions, et une certaine idée du bonheur.

« Derniers baisers » ne serait donc qu’une simple adaptation des séries de notre enfance ? Pas exactement. Bien sûr, elles servent de socle, de fil conducteur à la pièce, mais cela s’arrête là car l’intrigue s’intéresse avant tout aux comédiens qui y ont pris part. En m’installant dans mon fauteuil, je m’attends à assister à une comédie « estivale » à l’humour léger et à l’histoire gentillette. Grave erreur ! « Derniers baisers » est au contraire une comédie de qualité, à l’humour efficace et au texte, signé Franck Le Hen, fort bien écrit. En résumé, Anthony, star de la série des années 90 « Premier Bisou », est invité par sa plus grande admiratrice à assister à une rencontre avec ses fans. Sans réel enthousiasme, mais n’ayant financièrement guère le choix, il se plie à l’exercice. Il y retrouve à sa plus grande surprise son ancienne partenaire à l’écran, Magalie. Bien évidemment, rien ne va se passer comme prévu et la belle rencontre va tourner en « journée-vérité » pour les deux acteurs.

Si certaines pièces de théâtre prêtent à sourire, avec « Derniers baisers », le spectateur rit à gorge déployée. Chaque réplique fait mouche. L’humour est omniprésent. Toutefois, le texte est à multiple lecture. Derrière la drôlerie, pointe une certaine gravité prenant la forme d’une critique acide de la profession et de son attitude envers ces comédiens « étiquetés ». Un jugement qui, au fil du dialogue, va pousser à une réflexion plus globale sur leur vie et leur carrière. Force est de constater que si le métier ne leur rend pas honneur, le public, lui, leur conserve une amitié indéfectible au regard du tonnerre d’applaudissements au moment des saluts.

Des applaudissements mérités, car si le texte est de qualité, les interprétations sont aussi à féliciter. Quatre comédiens se partagent la scène. Caroline Gaget, avec une énergie débordante, donne une vitalité incroyable à cette pièce. Elle campe une fan hystérique formidablement drôle. Matthieu Nina offre quant à lui un humour incisif et propose une belle présence sur scène. Magalie Madison délivre une version « d’elle-même » sans concession et pleine d’autodérision. Anthony Dupray, lui aussi, n’hésite pas à se railler de sa propre personne. Si son personnage veut se prendre au sérieux, le comédien préfère en rire et nous faire rire. En leur compagnie, le temps passe bien vite à la cafète … Pour ma part, j’y serais bien resté encore un peu.

La force de « Derniers baisers » n’est pas d’avoir produit une pièce s’adressant aux seuls nostalgiques d’une époque, mais d’avoir fait d’un phénomène télévisé une comédie familiale très réussie.
Une pépite d’humour qu’il ne faut pas manquer !

Certes, par moments j’avais l’impression d’être en face de Rowan Atkinson, ses mimiques, ses ratages permanents. Pierric, est d’une souplesse, un véritable homme caoutchouc, il se tord dans tous les sens, se penche sans tomber, fait des bascules. Un génie !

Et puis, il y a les moments de magie, avec ces fichus boutons de porte qui lui donnent bien du souci ! Les situations sont un peu répétitives mais c’est le but du jeu !

La petite fille devant moi, s’est bien amusée, les adultes aussi, voilà donc un spectacle pour toute la famille, toutes générations confondues.

Il voyage en solitaire (ou presque), dans le chef-d'œuvre de Monsieur Racine.

Lui, c'est Philippe Lebas, qui nous invite à assister à un fascinant projet d'acteur.

Son propos est d'interpréter tous les personnages de cette tragédie, de façon à ce que cette solitude forcée de l'acteur, le comédien face à lui-même, lui permette de mettre en valeur le fabuleux jeu de miroir auquel sont confrontés tous les personnages de la pièce.

Alors, bien entendu, il me faut immédiatement évacuer le côté « performance » de l'entreprise.
Oui, s'envoyer en pratiquement deux heures presque mille six cents alexandrins, c'est un véritable tour de force.
Une fois ceci dit et posé, il faut aller au delà de cette gageure réussie haut la main.

Ici, cette solitude scénique nous permet paradoxalement de mieux percevoir l'intelligence, la finesse et la profondeur du texte racinien.

En jouant tous les personnages, Philippe Bas transforme cette pièce en véritable poème épique. Il joue véritablement (presque) tout le texte, avec toutes ses intentions, ses contraintes, ses audaces, ses fulgurances, ses ruptures, ses émotions.

Devant nous, nous aurons une galerie de portraits très caractéristiques, que le comédien campe avec brio grâce aux inflexions de sa voix, grâce à sa gestuelle, et grâce également à un accessoire rouge sang.
Un morceau de tissu qui de drap originel (ou de linceul final ?) servira d'écharpe, de manteau, de toge, de cape, de cache-col, de baudrier, de lyre, de symbole du pouvoir, et j'en passe...

Oui, se succéderont devant nous tous les ingrédients humains de cette histoire d'un type qui s'émancipe pour devenir le tyran que l'on sait, assassinant au passage et pour ce faire son demi-frère et en se débarrassant de tous ceux qui le gênent : la terrible mère abusive, le héros qu'on prive de son dû, le monstre, le bon gouverneur, le soldat honnête, la fiancée éplorée fuyant le monde et peut-être la raison...

Philippe Bas est donc presque seul.

Sur scène, la metteure en scène Christine Joly « veille au grain », le texte à la main, assise sur une chaise haute et changeant de place à chaque acte.
Comme une présence maternelle ambivalente.

C'est par ailleurs elle qui au cours de l'acte IV dira la très longue tirade d'Agrippine, s'emparant du manteau pourpre. Parce que la rencontre explosive du duo mère-fils est inévitable.

Il y a autre chose de fascinant dans cette démarche artistique peu commune.
Il me paît à penser qu'un autre homme a réussi ce pari fou de dire tout Britannicus : Racine lui-même !

Comment ne pas imaginer que l'auteur a passé au gueuloir tous les alexandrins de tous les caractères de sa pièce ?

C'est assurément cette phase orale qui a décidé de l'existence ou non de tel ou tel vers, de telle ou telle rime, de telle ou telle orientation du sens.

Ce sont sans doute en exprimant haut et fort les sonorités des mots, des phrases, des vers et de la langue que l'auteur âgé de trente ans « seulement » parvient à fixer ses idées.

C'est certainement cette oralisation qui a indubitablement fait que « la mayonnaise racinienne » a pu prendre et devienne le chef-d'œuvre que l'on sait.

Phillippe Bas nous donne un passionnant cours de comédie.
Nous savons en permanence quel personnage se tient devant nous. (Trois ou quatre fois seulement Christine Joly nous précise lors de son entrée l'identité d'un personnage, que sans contexte nous ne parviendrions pas à identifier.)

Et puis il réussit parfaitement à appréhender la principale problématique de la pièce, à savoir la fourberie permanente du vrai héros de la pièce, Néron.
Nous savons très bien grâce à l'interprétation du comédien que tout le discours de cet homme est un tissu de dissimulation, d'ambiguïté et de tromperie.
Un professionnel de l'embrouille, on vous dit !

Ce Britannicus restera longtemps dans ma mémoire.
Cette version, cette vision d'un chef d'œuvre au cœur du texte se déguste et se savoure intensément !

La chute du 4ème mur !

Qui a dit qu'il fallait une distance entre acteurs et spectateurs? Entre la scène et la salle?
Pas Jean-François Sivadier en tout cas ...
Fort de la colère d'Ibsen - l'homme le plus en colère d'Europe disait de lui Strindberg - il met en scène un Nicolas Bouchaud survolté qui harangue le public, jusqu'à lui demande de se lever et de prendre position.

Le spectacle est une vraie réussite, les comédiens, la mise en scène et la scènographie sont impressionnants. On y croit pendant un long moment mais ...

Mais était-il nécessaire de truffer le texte d'Ibsen de répliques d'aujourd'hui ?
Et de ne faire confiance ni à l'auteur pour sa modernité, ni au spectateur pour faire le lien avec la situation actuelle ?
A trop vouloir forcer le propos, on perd en efficacité !
Car au bout d'un moment c'est trop long, répétitif, et on se lasse ...

Tout n'en finit pas de prendre l'eau, le décor comme les principes ...
Dommage !

Une pièce musicale sympathique.

Comment ne pas être fasciné par l'histoire de notre Tour Eiffel ? Ce monstre de 300 mètres planté au milieu de la capitale, qui avant de devenir le symbole grandiose du pays a été tant de fois décrié. Ce spectacle raconte la folle aventure de cette tour et de ses concepteurs, avec douceur et légèreté.

J'ai aimé le ton du spectacle, le piano en "live", l'histoire, l'ambiance Belle Époque.
J'ai moins aimé le manque de musicalité des chansons, la mise en scène minimaliste, les dialogues parfois un peu futiles.

À voir comme du théâtre musical plutôt qu'une réelle comédie musicale. En même temps les tarifs raisonnables sont très éloignés de ceux des grosses productions type "Mogador". On en a donc pour son argent et on passe un bon moment.