Nous sommes tous frères de scène !

Loin d'être un hommage de plus au grand auteur, cette histoire rêvée par Jean Philippe Daguerre et Pierre Olivier Scotto nous a beaucoup charmé.
Ce n'est pas Molière qui vient à nous, modernisé avec plus ou moins de réussite, mais nous qui allons à lui au cours d'un songe qui en ferait fantasmer plus d'un(e) dans la grande famille du théâtre.
Vous vous réveillez au beau milieu de la Troupe de Molière, et qui plus est, vivez, vibrez et jouez avec elle !
C'est à ce voyage enchanteur que nous sommes invités ....

Au commencement était le verbe, et cette écriture là, à quatre mains, est brillante.
La langue de Jean Baptiste côtoie celle des auteurs avec évidence et fluidité. De nombreuses références aux chef d'oeuvres du Maître parsèment le récit, parfois une rime, parfois une scène entière, telle celle du Tartuffe, pour n'en citer qu'une, qui est une vraie réussite.

La mise en scène pleine d'énergie est tout aussi formidable, tirant le meilleur parti de la grande roue au centre de la scène, tantôt voyage, tantôt tréteaux, tantôt coulisses.
Un grand bravo à Antoine Milian pour ce décor ingénieux.

Mais ce sont les comédiens, fort bien vêtus, qui nous ont vraiment enthousiasmé par leur talent.
Comme on dit aujourd'hui "C'est hyper bien joué" !
Le ton est parfaitement juste, la langue impeccablement maîtrisée, chaque personnage est parfait dans son rôle ! Voilà une troupe soudée, complice et qui connaît bien son affaire.

C'est d'autant plus dommage que toutes ces qualités soient un peu dépréciées par la présence trop fréquente et trop forte du violoncelle, qui agace l'oreille même pendant certains dialogues, au lieu d'être là en soutien. Et dont les accords, aussi justes soient ils, ne sont pas toujours harmonieux.

Ce qui n'empêche pas le Grenier de Babouchka de nous délivrer ce message essentiel :

L'amour du théâtre est un super pouvoir !

Nous voici embarqués dans un voyage en eaux profondes dans les mers houleuses de la planète Dubillard. Intime et impudique autant que criard et explosif, ce périple est tourmenté et impressionnant. Des vagues de hargne et de colère, des jets d’angoisse, des flux de provocations amusées et de magnifiques morceaux de poésie espiègle à la fulgurance doucereuse viennent tout à tour se poser sur notre cheminement.

« Je ne suis pas de moi n’est pas une biographie de Roland Dubillard mais une tentative d’exprimer la rébellion qui se dégage de son journal. Nous avons disséqué ’’cette vie de mots’’ en quatre séquences qui respectent les étapes décisives de son existence : l’enfance, l’âge adulte, la chute et la survie après l’accident. La révolte de Dubillard nous rappelle nos méandres actuels : est-il possible de se confronter au monde sans béquille, sans pacotille, et de vivre malgré tout ? Comment retrouver la joie de s’étonner de tout. Mais avec tout cela, on n’est jamais tranquille car ’’qui bien se connaît ne se porte pas forcément bien.’’ »

Une insubordination quasi guerrière jamais résignée et toujours attentive aux rebonds de la dérision court sur les interrogations et les angoisses de l’auteur sur lui-même, sur la création, l’écriture et le théâtre notamment. Un grandiose et disparate délire autoguidé que voilà. Le dramaturge pose dans ces Carnets en marge ses considérations et ses doutes, sa fragilité et sa douleur aussi, avec un incommensurable humour ravageur et cynique. Le fil narratif se découpe façon puzzle, glissant du burlesque parfois pervers à la fantasmagorie surréaliste en passant par l’introspection troublante.

Le parti pris d’adaptation et de mise en scène de Maria Machado et Charlotte Escamez nous confronte à l’auteur et son double ou peut-être à un double énoncé d’auto-récit, en nous perdant volontiers dans des méandres sombres ou lumineux, silencieux ou bruyants, faits de murmures et d’éclats, de déplacements lents ou de bondissements soudains. Un homme (Denis Lavant) et un jeune homme (Samuel Mercer) pour faire vivre deux faces de Roland. Miroirs inversés, images fuyantes et amalgames déroutants.

Denis Lavant nous stupéfait à nouveau de son jeu intense et profond, nous éblouissant de son espièglerie et de sa confondante vérité qui sait venir nous toucher, nous surprendre et nous emporter dans ce texte au naturalisme irréel. Samuel Mercer se fait plus sage, plus effacé, comme un pendant de tonalité mineure dans une sonate à deux voix où Denis Lavant jouerait en mode majeur.

Un spectacle comme une traversée poétique et ravageuse dans l’univers de Dubillard. Inattendu et captivant. Une interprétation impressionnante.

J'ai été bien déçue par cette pièce, en dehors des costumes des dames,
Le texte était peu avenant et les répliques un peu trop "contemporaines" !
Les comédiens semblaient sortir des "Trois mousquetaires", ils ne semblaient pas investis dans leurs personnages.

Comédie de boulevard avec un humour franchouillard mais avec de très bonnes salves néanmoins du côté de l'auteur Philippe Lellouche, qui par ailleurs interprète le personnage principal.
Le jour de la représentation, Philippe Lellouche a d'ailleurs surpris non seulement les spectateurs mais également la comédienne qui interprète sa femme après l'avoir jetée un peu trop violemment sur le canapé. Cela a créé un moment de flou dont l'ensemble de la troupe a su se tirer et provoquer quelques fous rires dans la salle. Certes, on rigole plus qu'on ne rit mais c'est un bon défouloir dans le contexte actuel et cela vide la tête.
Un bon remède pour les personnes dépressives...

Les Noces de Figaro mérite bien son sous-titre: la Folle Journée car en ce jour de mariage de Figaro et Susanna, les surprises et les quiproquos se succèdent à un rythme soutenu. Le maitre, le Comte Almaviva, voudrait faire appliquer son droit de cuissage sur Susanna, la Comtesse Almaviva veut que son mari volage lui revienne et provoque sa jalousie, Figaro doit aider Cherubino à fuir l'ire du Comte, Marcellina vient réclamer à Figaro de se marier avec elle car il n'a pas honoré une dette...

Inspiré du très controversé Mariage de Figaro de Beaumarchais de 1778, c'est en 1786 que Mozart travaillera avec l'abbé Da Ponte comme librettiste, pour une première collaboration ensemble, sur cet opéra en atténuant certes le propos polémique de la contestation populaire qui couve (3 ans plus tard la Révolution Française aura lieu). C'est un succès dès les premières représentations et qui ne se démentira pas jusqu'à nos jours.

A l'heure du 'Me Too', la metteuse en scène Netia Jones a choisi de transposer l'action de nos jours dans les coulisses même de l'Opéra Garnier mettant l'accent sur le harcèlement sexuel (dès l'ouverture, le Comte apparait comme un prédateur à l'encontre d'une jeune ballerine, les affiches de protestation contre le harcèlement). C'est elle aussi qui est en charge des costumes, des vidéos et des décors. Lors de la première partie, nous voyons simultanément ce qu'il se passe dans trois loges de l'opéra. Il y a beaucoup à voir sur le plateau, l'action s'étalant souvent d'une loge sur l'autre car elles ont des portes communicantes qui s'ouvrent à la volée comme dans du théâtre de boulevard. Les deux premiers actes passent très rapidement (1h35) car nous sommes très sollicités visuellement de toute part, néanmoins cela peut destabiliser certains spectateurs, surtout s'ils doivent en plus lire les sur-titres. Après l'entracte, l'action est sur un plateau unique où nous suivons comment la vérité sur le Comte va éclater.

La direction musicale est assurée avec brio par Louis Langrée, le directeur de l'Opera Comique. Il dirige avec dynamisme et précision l'orchestre de l'Opéra national de Paris. Il faut noter que l'on ne voit pas beaucoup le Choeur de l'Opéra de Paris qui est en retrait des chanteurs, cela n'entrave en rien sa prestation fort agréable.

Le Comte est joué par le baryton-basse Gérald Finley, on adore le détester tant son attitude envers les femmes est arrogante et qu'il semble sûr de lui. Sa stature imposante et sa voix puissante, capable de jolies finesses, en font un Comte vraiment réussi. Luca Pisaroni est Figaro, lui aussi est un baryton-basse et il a la parfaite maitrise de son rôle tant dans le jeu que dans le chant, ils seront ovationnés par les spectateurs.

Face à ces deux hommes, nous trouvons deux femmes fortes : Jeanine De Bique est une Susanna respirant la joie de vivre avec une allure mutine et une voix d'une délicieuse clarté même si sur son premier air, sa voix était un peu couverte par la musique. Elle semble très complice avec la Comtesse Almaviva que Miah Persson anime avec beaucoup de sensibilité. Ses deux grands airs sont un bonheur de finesse et de délicatesse. Elles aussi ont droit à un triomphe du public.

Le coup de cœur des spectateurs est pour la mezzo Rachel Frenkel, débutante à Garnier, qui incarne un Cherubino à la fois facétieux et séducteur à fort potentiel (le 'Voi que sapete' en face à face avec la Comtesse est troublant de sensualité). Le reste des chanteurs est en harmonie avec les héros de cette folle journée.