Ayant déjà assistée avec intérêt aux deux premières éditions du festival Paroles Citoyennes, je me faisais une joie d’y revenir pour cette troisième édition du festival proposé par Jean-Marc Dumontet. J’ai d’abord choisi d’assister au spectacle ‘ Je ne serais pas arrivée là, si…’ tiré du livre éponyme d’Annick Cojean qui a interrogé des femmes ‘inspirantes’ avec ce début de phrase qu’elles doivent compléter.

Cette année, c’est la parole des femmes qui est à l’honneur dans Paroles Citoyennes et c’est tout ce qui a guidé mon choix puisque les autres spectacles choisis sont aussi sur ce thème-là : Cassandre et Viril.
Pour ‘je ne serais pas arrivée là, si…‘, Judith Henry s’est approprié la parole de ces femmes et en choisi six parmi la trentaine d’interviews réalisées par Annick Cojean, qu’elle va lire en compagnie de Julie Gayet. Tour à tour, elles seront celle qui interroge et celle qui répond. Il est parfois surprenant de découvrir quelle rencontre ou quel évènement a provoqué le déclic de chacune de ces femmes. Ces conversations seront l’occasion de dévoiler des mots de connivence ou de lutte mais aussi des mots intimes.

Il y a donc six personnalités que nous découvrons au cours d’une conversation qui commence invariablement par ‘je ne serais pas arrivée là, si…’ : Gisèle Halimi, Amélie Nothomb, Virginie Despentes, Christiane Taubira, Françoise Héritier et Nina Bouraoui.

Les six récits sont prenants : chacune à sa manière a connu un ou des ‘déclics’ vraiment particuliers pour l’orienter vers leur métier. Chacune a une façon personnelle de raconter son histoire, on sent poindre la personnalité bien tranchée de chacune derrière leur propos : l’ésotérisme d’Amélie Nothomb, la détermination de Christiane Taubira ou les convictions de Françoise Héritier. Ce sont d’ailleurs les fortes paroles de Françoise Héritier qui m’ont le plus touchée, sans doute parce que c’est celle que je connaissais le moins dans ce groupe. Cela n’amoindri en rien la force des propos des cinq autres pour autant ! Je ne dévoilerai pas les propos savoureux dont elles nous ont régalés, il faudra aller les écouter en profiter et y réfléchir.

On passe une belle heure en compagnie de ces femmes dignement représentées sur scène par Judth Henry et Julie Gayet. La représentation est suivi d’une rencontre avec les équipes artistiques et Annick Cojean.

Non, non, non et non !

L'idée de départ était formidable.
Remonter la généalogie d'une famille pour analyser "l'ethos" politique : pourquoi est-on de droite ou de gauche ?

Mais voilà, metteur en scène, dramaturge, scénographe, ce sont des métiers !

... Une beauté lumineuse ressort de ce rêve éveillé, nous laissant le sourire aux lèvres, le souvenir d’avoir ri souvent, touchés et émus, heureux d’avoir vécu ce moment de théâtre visuel mémorable. Un rare moment de bonheur théâtral. Aux saluts, sans voix, je n’ai pas pu crier merci. J’ai eu un grand plaisir à assister à ce spectacle, j’ai un grand plaisir à le recommander.

Fais-nous mal, Julie, Julie, Julie, envoie-nous en Suède...

A la Saint-Jean, pas évident d'être amants...

Au théâtre de La Girandole, à Montreuil, Moni Grégo nous propose une libre adaptation de la pièce d'August Strindberg.
Une sorte de palimpseste destiné à mettre en évidence, en lumière crue, Melle Julie et son Jean de valet, ces deux êtres en errance et en souffrance.

Cette variation sur un thème donné va nous raconter cette histoire d'amour, cette histoire de mort.
Une passion pulsionnelle, des pulsions passionnées.

Les Julie et Jean de Moni Grégo sont avant tout des corps.
Ici, cette histoire est avant tout physique, avec d'être intellectualisée.
Parce que l'amour, la mort, Eros et Thanatos, ce sont avant tout des corps qui s'attirent, se repoussent, s'étreignent, se caressent, se frappent, s'allongent, se chevauchent.

La passion selon Moni, les amours, la haine seront charnelles, les sentiments passeront par les corps des comédiens.

Le couple va exécuter devant nous une véritable chorégraphie subtile, à la fois simple et compliquée.
Une danse de mort, une valse fatale.

Roxane Borgna a mis en scène tous ces sentiments exacerbés avec fureur et intensité.
Le ton est donné dès la première scène, rouge, couleur de sang, de mort.
Elle incarne elle-même Julie, en robe de soirée écrue, les épaules dénudées.

De son personnage, va émaner en permanence le besoin de hurler ses sentiments, de les exprimer haut et fort, comme s'il n'était plus possible de les contenir en elle.
Pas de demi-mesure, pas de faux-semblants, plus de non-dits. Ce qui doit être dit sera énoncé avec la plus grande force et parfois une grande violence. Nous entendrons des rires et des cris très sonores.

La comédienne va également faire preuve d'une folle sensualité.

Durant cette heure et quart, Melle Borgna incarne véritablement le plus intense des désirs.
Le corps, encore le corps qui parle et qui s'exprime, grâce notamment au travail de la chorégraphe Mitia Fédotenko.

En mêlant ces deux aspects dramaturgiques, elle confère à son personnage une épaisseur on ne peut plus intéressante et prenante.
J'ai pu vraiment mesurer ceci lorsque la comédienne fixe les spectateurs en général et votre serviteur en particulier lors de la tirade de la haine des hommes, les lumières de la salle rallumées. Impossible de détourner alors le regard, subjugués que nous sommes.

Jean est incarné par Jacques Descorde.
La raison opposée à la passion. Lui nous montre parfaitement que son personnage ne voudra pas prendre le risque de se perdre.

Le duo fonctionne à la perfection.
Nous, les spectateurs, comprenons sans peine la douleur, la souffrance contenue dans cette histoire d'amour impossible, et son inexorable aboutissement.

Un troisième personnage se retrouve sur la scène.
Qui est-il, cet homme qui filme de très près les comédiens, qui les éclaire avec des lampes torches (qui feront figure d'armes, ou encore d'objets phalliques), avec également un pico-projecteur, et qui les fera danser en interprétant une langoureuse chanson ?
L'auteur Strindberg en personne, ou bien le père de Julie ? A vous de vous faire votre propre opinion.

C'est Laurent Rojol qui est cet homme-là.
C'est lui qui a produit les très belles images vidéo projetées sur quatre grand lés blancs.
Parfois, il diffuse également en direct des gros plans des visages des comédiens, ce qui renforce le sentiment de proximité des passions.
Ces images souvent en noir-et-blanc sont elles aussi torturées, avec un montage très rapide, créant presque un sentiment d'oppression, renforcé par un univers sonore lui aussi torturé de Eric Guennou.

Ainsi donc, voici une passionnante relecture de cette pièce.
Le travail de Moni Grégo et de Roxanne Borgna nous permet d'aborder l'œuvre de Strindberg avec un regard nouveau, comme une façon de redécouvrir et d'approfondir ce qui constitue la fibre propre de ces deux amants terribles.
Une plongée introspective dans la profondeur de leur être et de leur âme.

Lorsqu'un prêtre voit ses méthodes et positions remises en cause par un jeune et brillant séminariste cela donne un duel épique entre deux excellents comédiens. Monseigneur Burke envoi chez le père Farley, prêtre irlandais d’un certain âge et porté sur la bouteille, le jeune et bouillonnant Mark Dolson qui ne peut vivre sa foi que de façon absolue. Il remet en cause les méthodes et les avis du père Farley avec une fougue qui fait plaisir à voir.

Pendant une heure et demie, les deux hommes vont se livrer à un duel face à face chacun évolue au cours de la pièce et découvre l’autre, les positions de chacun évoluent. Les sujets abordés par les deux protagonistes sont toujours d’actualité : la position de l’Eglise face à l’homosexualité, la place des femmes, le célibat des prêtres,…

J'ai revu avec plaisir cette pièce qui à l’origine s’appelait ‘l’Affrontement’ de Bill C. Davis de 1996 avec Jean Piat qui interprétait le prêtre irlandais et Francis Lalanne qui était le jeune séminariste. J’ai aussi vu la version avec Davy Sardou dans le rôle de Dolson et Francis Huster jouant déjà le père Farley, en 2013 au théâtre Rive Gauche avec déjà Steve Suissa à la mise en scène.

2020 : la pièce est de nouveau traduite, cette fois ci par Davy Sardou, dans une version actualisée dont même le titre a changé : Transmission. Ce titre me semble en effet plus approprié car l’Eglise doit s’adapter et prendre des positions sur les sujets sociétaux qui sont nombreux.
C’est Valentin de Carbonnières qui tient fièrement tête à Francis Huster avec brio. Francis Huster excelle dans ses sermons surjoués ou quand il parle avec Monseigneur Burke au téléphone et qui provoque beaucoup de rire. Leur duo est bien équilibré et c’est avec plaisir que nous suivons leurs joutes verbales.
La mise en scène de Steve Suissa est efficace et simple, elle se suffit pour séparer les deux lieux où se déroule l’action.

Voilà tous les ingrédients sont présents pour passer une bonne soirée.