Genet Is The New Black ?

La taule. Le trou. La zonzon. Le bloc. L'ombre. La forteresse.
La prison, quoi.

Jean Genet a donné, il sait de quoi il retourne. Il y a passé quelques séjours. (C'est un euphémisme...)

Trois détenus dans une cour.
Il y a Maurice, Jules et Yeux-Verts.

Ce dernier surpasse les deux autres en matière de cruauté dans le crime. D'ailleurs, il attend le rendez-vous avec la machine du Docteur Guillotin.
Maurice et Jules se disputent donc ses faveurs et pourtant, ce n'est pas le personnage le plus méchant de l'histoire, Boule-de-Neige, qu'on ne verra jamais.

Si le crime ne paie pas, il fascine.
Il nous fascine, tout autant qu'il fascine Maurice et Jules, qui vont jusqu'à convoiter la future veuve de leur co-détenu.

Et bien entendu, le crime fascine Genet.
Nous sommes en plein dans sa « morale inversée », qui l'amènera à haïr l'ordre bourgeois, à prendre parti pour certaines causes, mais qui fera que certains de ses critiques dénoncent encore sa fascination pour le nazisme et son antisémitisme.

C'est pourtant le gardien de prison qui entrera dans l'espace scénique le premier.
« Espace scénique », car nous ne savons pas où nous nous trouvons.

Le maton (Pierre Louis-Calixte, le teint blafard, les yeux rougis) va matérialiser d'une très belle et très graphique façon l'espace de jeu, à savoir une cellule.

Pas besoin de barreaux, de murs. Maintenant, nous savons. (Je vous laisse découvrir le processus de matérialisation, c'est très beau...)

Puis, les taulards entrent en file indienne, les pieds nus.
Nous allons assister à une étrange pièce de théâtre, une sorte de « long poème ».

Un poème sombre, noir, oppressant.
Un poème sans décor, une ode glaciale qui commence presque sans lumière.
Un minimalisme assumé par l'auteur mais également par Cédric Gourmelon, le metteur en scène, qui ne s'encombre pas d'artifices.

On s'en doute, ce seront les trois comédiens Jérémy Lopez, Sébastien Pouderoux et Christophe Montenez qui feront le job.
Pendant une heure, les trois vont nous dire, clamer, chuchoter, hurler leurs mots, leurs vérités, leur quête et leur chemin personnels.

Les mots de chacun s'entrechoquent violemment, les paroles se percutent les unes contre les autres, parfois dans un violent fracas.
Les échanges sont brutaux, rugueux, mais parfois sont assez tendres.

Le travail sur les voix est vraiment impressionnant.
Les comédiens arrivent à libérer par la parole leurs personnages respectifs.
Une parole qui prend souvent le pas sur le travail corporel.

Certes, les échanges physiques sont eux aussi violents, mais il se dégage parfois une sensualité, un érotisme des mots et des actes.

La lutte se transforme alors en étreinte, les coups deviennent des caresses.

Les quatre comédiens sont une nouvelle fois excellents (Faut-il encore répéter ce pléonasme ?)
Ils nous perturbent, nous fascinent, nous assènent bien des upercuts, nous qui sommes pourtant bien assis.

C'est Pierre Louis-Calixte, le surveillant, qui conclura : « Pour nous, de l'oeillet du judas, ce fut une belle séquence tragique. »

Pas mieux !

Un monologue théâtral souriant à la vie, qui ne se prive de la montrer telle qu’elle peut être toutefois. Piquée de privations, de peurs et de frustrations mais aussi, et nous le verrons vite, piquante d’espérances et de plaisirs.

Une femme élégante et belle, au sourire radieux qui sait cacher les blessures et les rancœurs, vient devant nous pour remercier du tailleur jaune reçu en cadeau.

Qui est-elle, cette femme d’ici ou bien d’ailleurs. Cette dame qui, à son pot de départ à la retraite va révéler, au-delà des remerciements, ce que fut sa vie dans l’entreprise et dans son histoire personnelle ?

Femme d’ici ou bien d’ailleurs, You You on t’appelle. Comment distinguer laquelle tu veux nous montrer, laquelle tu es vraiment. Entre l’émigrée yougoslave venue en 1945 à Paris, meurtrie et soumise à la débrouille au péril de sa dignité et la jeune femme sortie de l’ombre à la force de son courage, de sa joie de vivre et du désir ardent de réussir sa vie ?

Qui que tu sois, tu nous parles de tes combats et de tes victoires pour ton intégration. Tu nous touches, tu nous fais rire et sourire, parfois pour ne pas pleurer avec toi.

Le canevas dramaturgique de l’auteur franco-serbe Jovan Atchine pose tout d'abord le cadre formel du discours de You You devant ses collègues. Face au public, les papiers à la main, You You implique les spectateurs par le truchement de l’adresse frontale qui fait de nous les interlocuteurs silencieux de ses propos.

Très vite le cadre échappe à sa rigueur. You you baisse ses papiers comme d’autre baisse la garde. Elle dit alors des paroles vraies. Celles de ses renoncements, de ses observations candides mais acérées. Celles qui énoncent la vérité sur l’expatriation forcée. Celles qui dénoncent le sort réservé aux immigré·es, émigré·es, malgré leur désir et leur volonté.

Le texte construit un va-et-vient adroit et efficace entre le discours de la future retraitée et les digressions nombreuses, copieuses et savoureuses de You You l’émigrée, la femme, l’amante, la mère.

Le témoignage sur le départ nécessaire et douloureux de tous ceux qui comme cette jeune femme de 1945 ont dû fuir la République fédérative socialiste de Yougoslavie créée par la dictature communiste, ne nous laisse pas indemne. Le sentiment de révolte sourde en nous. Le désespoir de ces familles entières parties chercher ailleurs la liberté, au plus loin de leurs racines, ne peut que nous concerner et fait écho encore aujourd’hui.

Ce monologue vibrant, aux allures de confidence, de confession et de délivrance, se fait proche, alerte et joyeux finalement tant You You porte en elle tous les atouts de la résilience qui fait d’elle une femme libre et qui n’oublie pas.

La mise en scène d’Élodie Chanut joue des couleurs et de la suggestion en nourrissant le texte de séquences où Hier et Aujourd’hui voisinent. Le passé surgit de la mémoire comme l’ombre joue avec la lumière. C’est à la fois velouté et franc, onirique et réaliste.

La comédienne Mina Poe nous ravit, dans tous les sens du terme. Elle nous subjugue de bout en bout. Elle fait passer les émotions pour que nous les fassions nôtres, avec simplicité, adresse et une fine délicatesse.

Oui « le Danube n’est pas bleu, il est beau » (sous-titre du spectacle). Il charrie tant de choses. Des souvenirs bons ou mauvais. Du désespoir et des espérances. Des désirs d’idéal et des consciences averties. Comme ce spectacle, « le Danube n’est pas bleu, il est beau et nécessaire ». À voir sans hésiter.

Quand ils surgissent en chantant du fond de l’impasse où se niche le théâtre de Poche avec leurs survêtements bleus à trois bandes, la première image qui m’est venue à l’esprit, c’est que ces deux jeunes gens avaient dévalisé la garde-robe de Sue Sylvester (la prof de gym dans Glee) et de suite, j’ai pensé qu’ils étaient facétieux ces deux-là.

Ils saluent le public tout en continuant à chanter et nous offrent des scones et du thé pendant que l’on s’installe dans la salle. So british, isnt’it ?

C’est dans une histoire vraie (mais avec des parties romancées comme nous l’a expliqué l’auteur en fin de spectacle) dans laquelle nous embarquent les deux interprètes avec bonheur. Tout démarre l’année de leurs quinze ans, quand les deux jeunes frères écossais débarquent à Londres pour expliquer leur idée pour développer les ventes du Daily Telegraph au siège du journal. Et c’est un destin bien singulier qui va s’accomplir par la suite car il faut dire qu’ils ont une détermination à toute épreuve ces frères jumeaux.

L’un des intérêts de cette pièce réside dans la mise en scène très riche et la façon dont les deux comédiens s’expriment et bougent simultanément est vraiment réussie.

Même si la pièce est courte (à peine une heure), elle ne manque pas d’intérêt. L’échange organisé en fin de spectacle est passionnant, l’auteur Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre, qui joue aussi un des frères, est accessible et donne des réponses qui donnent envie d’aller plus loin. Le nom des frères n’est pas révélé dans la pièce mais Google est votre ami si vous voulez vraiment le savoir.

Do you want some tea?

You-You fait un discours le jour de son départ à la retraite d'une entreprise de confection où elle a travaillé toute sa vie. Au mileiu de son discours de remerciement, elle se souvient de son parcours. Pour You-You, née le jour de la création de la Yougoslavie, la France est devenue sa mère d'adoption après son exil forcé pour échapper à la convoitise des russes dans son pays.

C'est donc l'histoire d'une immigrée en France qui retrouve d'autres exilés. C'est un parcours pas franchement simple mais sur lequel la comédienne se penche avec douceur et tendresse.

La comédienne est très bien, j'ai beaucoup aimé la mise en scène avec les mannequins qui représentent des personnes qu'elle a cotoyé. L'utilisation de l'écran dans le fond est sympathique.

Mais en dépit de tous ces points positifs, je n'ai pas été touchée par la pièce, je m'attendais à autre chose. Je n'ai pas aimé la naïveté du discours.

Dernier point : la salle n'était même pas remplie à la moitié et ça me fait mal au coeur.

Sébastien Thiéry serait-il arrivé au bout de son univers ? Cet humour absurde qui fonctionnait si bien dans Momo tombait déjà complètement à plat dans Deux hommes tout nus.

Avec Ramsès II on se retrouve, après un point de départ intrigant, à ronronner pendant toute la durée de la pièce, avec des dialogues d'une grande platitude et une histoire qui n'avance pas, sans doute parce qu'elle tient dans sa résolution. Mais il faut tenir sans s'ennuyer jusque là, et c'est bien long...

Une pièce qu'aucun bouche à oreille ne viendrait sauver si elle ne bénéficiait pas d'une telle affiche dans un théâtre comme les Bouffes.