Chacun montre avec talent ses agrès de préférence. Toutefois, il n’est jamais seul car tous sont toujours autour à soutenir, aider ou danser. Une osmose entre les circassiens se fait ressentir et permettent de présenter un spectacle étonnant de douceur. Déjà grâce aux véridiques témoignages de ces artistes qui partagent des souvenirs joyeux, sensibles, tristes... de leur enfance autour de la cuisine. Mais surtout grâce à la fluidité et la perfection de leurs numéros. Comme on peut le voir dans la grâce du numéro de tissus aérien d’Anna Kichtchenko, dans l’énergique numéro d’anneaux chinois avec Terrance Robinson avec Engmen Song ou dans la précision dans le diabolo avec Engmen Song (Médaille d'or au 34ème Festival international de cirque de Monte Carlo en 2010). Mobilier, ustensiles, aliments valsent, volent, virevoltent, tournoient comme cet étonnant numéro de jonglage de Pablo Pramparo avec des fouets de cuisine ou lorsqu’il est vêtu d’ustensile afin de lutter contre n’importe quel importun. Ou les délicats portés de Mishannock Ferrero qui va même envoyer sa binôme, Soen Geirnaert sur un plafonnier haut perché. La mayonnaise prend et nous emmène vers l’émerveillement grâce à la sublime musique composée pour cette création.

... Un spectacle grandiose, un éblouissement permanent, le temps du spectacle passé, nous restons cois. Un magnifique moment de théâtre.

La nouvelle avait surpris lorsqu’elle avait été annoncée la saison dernière : Francis Lombrail et Myriam Boyer en duo dans Misery, l’adaptation du roman de Stephen King. L’affiche qui a suivi a divisé : certains la trouvaient trop sombre, d’autre plutôt inquiétante. Pour ma part je dois dire qu’elle m’intriguait : un peu obscure, certes, mais la tête immense de Myriam Boyer qui semble écraser un Francis Lombrail bénéficiant pourtant d’une lumière assez fascinante attirait malgré tout mon oeil.

Paul Sheldon est un auteur à succès, créateur du personnage de Misery qui a donné son nom à la série éponyme contentant 9 tomes. Le dernier sort justement en librairie alors que Paul se réveille après un accident de voiture : une jambe cassée, une épaule démise, et une femme qui l’observe. C’est Annie, infirmière de profession, et fan n°1 de l’auteur, qui l’a recueilli chez elle après son accident. Elle lui voue un culte, et trouve dans Misery une amie qui accompagne sa solitude. A l’annonce du neuvième tome à paraître, elle saute de joie, mais son bonheur ne sera que de courte durée car cette ultime aventure signe la mort du personnage. Une fin qu’Annie ne supportera pas : elle imposera alors à l’auteur d’écrire un dixième roman et de ressusciter, d’une manière ou d’une autre, cette Misery qu’elle aime tant.

L’histoire pourrait glacer le sang. Elle ne le glace qu’à demi. J’ai envie de voir le film de William Goldman dont s’inspire l’esthétique du spectacle. Est-ce seulement le montage qui en fait le véritable thriller dont on m’a parlé ? Que manque-t-il alors entre le film et le spectacle ? Je soupçonne que ce n’est pas grand chose. On sent le potentiel du spectacle. On est d’ailleurs plutôt confiant sur les premières minutes, puis quelque chose se perd…

De manière générale, ce n’est pas un raté. On ne passe pas à côté du spectacle, mais cela semble plus dû à l’histoire palpitante de Stephen King qu’à une réelle intensité émanant du plateau. Elle existe dans les tableaux qui ouvrent le spectacle, puis elle y est comme disséminée, et c’est un geste cruel ou une parole inquiétante qui la ramènent à la vie. Certains actes m’ont même fait détourner le regard, mais j’aurais souhaité que cette peur du plateau soit presque constante, que l’oppression soit telle qu’elle me donne la nausée : après tout, c’est pour cela que je venais !

Au lieu de ça, j’assiste à un thriller convaincant, dont j’ai hâte de connaître l’issue, mais sans non plus haleter. Les noirs successifs cassent le rythme et sont une solution de facilité pour évoquer le temps qui passe – aujourd’hui, d’autres trucs de mise en scène permettent de contourner ce problème – d’autant qu’ils n’impliquent pas de changement de décor. Alors oui, ce ne sont pas des vrais noirs puisqu’ils sont accompagnés de projection vidéo, mais là encore, je trouve que projeter le visage grimaçant et déformé de Myriam Boyer est une solution de facilité pour créer la peur.

Myriam Boyer, me semble-t-il, ne devrait pas avoir besoin de ça pour venir soutenir une interprétation terrifiante. Ici, elle semble s’appuyer trop sur la scénographie pour composer un personnage à la fois inquiétant et cruel, montant en intensité, portant la peur du personnage de Paul jusque chez les spectateurs. Certes, elle parvient à susciter un sentiment de malaise, mais je pense qu’elle peut encore le multiplier par 10. Et rendre à l’horreur sa juste place.

Un pamphlet interdit à sa publication en 1864 mettant en scène un dialogue imaginaire entre Machiavel et Montesquieu. L'idéal démocratique contre le despotisme. Deux penseurs importants et deux acteurs monstrueusement habiles pour les interpréter : Pierre Santini et Hervé Briaux. Pour moi, tous les éléments se trouvaient réunis pour offrir au spectateur, aguerris ou non, un moment de réflexion et de joute philosophique.

J'aime énormément ce genre théâtre, je le trouve intelligent, engagé et ludique à la fois. Déjà sur le même format, la pièce Voltaire Rousseau m'avait attirée dans la salle du Poche-Montparnasse (où j'ai aussi vu le très bon Hervé Briaux dans son seul-en-scène Tertullien). Ce genre de spectacle qui mêle l'art de la scène et le débat philosophique me plaît beaucoup et la pièce est admirablement jouée. Néanmoins, je me permettrais cette fois-ci de bouder un peu le texte pour me faire l'avocat du diable.

En effet, le rapport de force entre les deux antagonistes est trop déséquilibré. Au lieu d'un débat de pair à pair, l'argument de la pièce donne surtout la parole à Machiavel. Montesquieu écoute, interroge, esquive, s'impatiente, s'indigne mais ne présente pas en profondeur ses idées. Tout aussi intéressant et glaçant que soit le projet présenté par Machiavel, le manque de contrepoids dans ce dialogue imaginaire finit par rendre la pièce bancale. C'est dommage car j'ai d'abord attendu un renversement de situation, un moment où Montesquieu prendrait la parole pour déconstruire l'argumentaire de son homologue. Mais il ne la prend pas et l'apparente vraisemblance du propos de Machiavel finit par ne plus avoir de sens tant les "si" sont légions.

N'ayant pas lu le texte original, je ne sais pas si ce déséquilibre est inhérent au texte. Néanmoins, les analyses sont fines et importantes à connaître. Cette pièce fait du bien car le théâtre a cela de pédagogue qu'il rend les arguments des livres bien vivants!

Avez-vous déjà imaginé passer une nuit avec une pornstar ?
Cette nuit-là, c'est celle que va passer Léna, qui vient d'être consacrée employée de l'année, et qui a gagné ce surprenant cadeau.

Bon, elle avait le choix, aussi....
Les deux autres lots consistaient en un voyage en Indonésie ou en une automobile de luxe.
Mais voilà, quand on a peur en avion et qu'on n'a pas le permis de conduire, forcément, qu'est-ce qu'il reste...

(Je précise au passage que cette histoire d'élection et d'attribution de ce cadeau "particulier" est inspirée d'un fait divers authentique...)

Le hardeur, ce sera Alex, qui va donc devoir beaucoup donner de sa personne, une nouvelle fois, mais pas forcément comme il le pensait, Léna lui révélant être vierge.

Riad Gahmi , à la manière d'un gonzo journaliste, tel H.S. Thomson, va nous mettre face à notre perception des codes de la pornographie.

Pornographie : du grec « pornê » (prostituée) et « graphê » (écriture).
Ecrire sur le porno, c'est donc écrire sur une écriture.
Tel est le propos de l'auteur.

Cette mise en abyme d'une forme d'écriture va obliger le public à s'en forger ses propres images, ses propres représentations.
Qu'est-ce que nous mettons derrière (honni soit qui mal y pense...) ce mot, cette forme d'écriture-là ?

Nos neurones-miroirs nous aideront-ils, et comment, dans cette compréhension-là ? (Des explications nous seront données à la toute fin de la pièce...)

Sur le plateau, huit personnages vont nous exposer tous ceux qui sont confrontés à la pornographie, ceux qui la font, ceux qui la jouent, ceux qui la consomment, ceux qui s'en délectent, ceux qui sont fascinés par elle, ceux qui la rejettent...
Bref, nous tous...

Ici, ce qui nous interroge, c'est l'image du monde à travers le filtre du « film pour adultes ».
Ici, des comédiens simulent ce simulacre de la réalité.

Ces comédiens, on les sent tous investis.
Tous se donnent sans compter, que ce soit dans des scènes chorégraphiées, ou des scènes plus dramaturgiques.
Julien Moreau, le metteur en scène a essayé voulu créer un chaos « gonzotique », et a eu recours à la video embarquée pour nous montrer des visages en très gros plans ou des baisers en même focale.
Et seulement ceci.
Car évidemment, ce spectacle n'est pas réservé aux plus de dix-huit ans... Cela va sans dire, mais ça va encore mieux en le disant.

Bref, c'est un curieux et étonnant objet que ce Gonzo pornodrame, qui a le mérite de nous faire nous interroger sur notre monde que certains disent moderne.
Et ça, s'interroger devant des comédiens, se positionner face à une écriture, c'est précisément l'une des fonctions du théâtre.