Dis-moi ce que tu veux, je te dirai qui tu es...
Dis-moi ce que tu vends, tu sauras qui je suis...

Un deal. Une joute.
Une lutte des mots, un affrontement verbal, un difficile combat oratoire par le biais d'un acte commercial illicite et nocturne.

Deux êtres humains se jaugent, se jugent, se jouent l'un de l'autre à l'aune d'un acte somme toute banal, l'achat-vente d'un produit illégal quelconque.

Un dealer, un client. Le second sur le territoire du premier. Comme un intrus forcé dans un espace nocturne en déliquescence.
Une zone-champ de coton urbain, une jungle moderne, un no-man's land inquiétant.

Et le désir sous-jacent, ce désir dont Koltès emplit sa pièce.

En 2016, Charles Berling a créé sa version de cet opus important de la production théâtrale de cet auteur, qu'il reprend à la Villette pour quelques jours seulement.

Face à lui, Mata Gabin.

La comédienne apparaîtra sous une sorte de passerelle, alors que l'obscurité gagne la salle et le plateau. On aperçoit également un réverbère, des enseignes au néon très fatiguées, des murs crasseux, avec une venelle centrale.
Un univers inquiétant, un endroit interdit, un lieu de tous les possibles et peut-être de tous les dangers. Mais peut-être finalement plus rassurant que les espaces intérieurs de ces deux personnages.
Le ring suburbain de l'économie souterraine. Un décor très réussi de Massimo Troncanetti.

Lui apparaîtra dans le public, sur une étroite passerelle le reliant au plateau. On ne sait d'où il a surgi.
Son costume est très fatigué, avec notamment un gros accroc sur le pantalon.

Et le combat peut commencer.
Les deux comédiens vont incarner ces deux êtres ultimes, avec une animalité à fleur de peau.
Ils bougent lentement, se présentant souvent de profil, comme des ombres mouvantes dans la pénombre.

Melle Gabin est impressionnante. Vraiment.
Dans un battle-dress aux motifs camouflage, double capuche sur la tête, (elle se découvrira progressivement), est elle ce dealer. Celle qui possède, qui vend. Celle qui se fond dans un environnement hostile.
Elle dégage une sacrée puissance, une force sauvage, une vraie animalité.
De sa voix rauque, elle dit les mots de Koltès. Elle fait beaucoup plus, elle les clame, les profère, les murmure, les hurle, parfois.

C'est elle qui porte la pièce, c'est elle qui est véritablement enthousiasmante de présence inquiétante, de charisme trouble.
Son interprétation est d'une oxymoresque sombre luminosité. La tension qu'elle fait régner est absolument magnifique.

Le mise en scène de Charles Berling est basée sur la notion d'espace, la distance qui sépare les deux personnages, une distance horizontale, ou verticale. Les deux monteront chacun leur tour sur la passerelle, surplombant l'autre, le dominant.
Lui repartira sur sa passerelle, elle n'osera pas le suivre, préférant au final rester sur son terrain.

Nous, nous resterons suspendus aux mots de Koltès, qui résonneront longtemps encore après cette heure un quart de très beau théâtre.

1944, Sacha Guitry, vêtu de sa robe de chambre rouge, répond aux questions du juge. Celui-ci lui parle de sa “collaboration” avec l’occupant et aussi du livre écrit “de Jeanne d’Arc à Philippe Pétain”, ce livre était écrit pour les gloires françaises, et il ne faut pas oublier que la notoriété de Guitry a permis à des écrivains d’être libérés des camps.

Mais le juge intervient aussi dans la vie et le théâtre de Guitry. Ses cinq femmes, toutes plus élégantes et raffinées, pas toujours bonnes comédiennes, mais c’est mon avis personnel ! Ses disputes avec son père le grand Lucien Guitry et puis, et puis… Chloé Lambert intervient en tant que Chloé, elle interpelle Christophe Barbier par son prénom, et tout part en vrille ! le théâtre dans le théâtre.

Barbier tente de reprendre le fil de “sa pièce” mais pas facile quand deux camarades ont décidé de régler leurs comptes personnels et passionnels.

Christophe Barbier, grand admirateur de Sacha Guitry a su s’entourer de comédiens connaissant le “Maître” par coeur ! la charmante Chloé Lambert, élégante, qui change de robe et de rôles pour être toutes les femmes de Sacha, et le subtil Pierre Val qui endosse les rôles de Lucien, des maris ou amants délaissés ou pas !

Vous l’aurez deviné, c’est un sympathique moment de théâtre, on s’amuse des répliques des pièces du grand Sacha et les trois comédiens s’amusent autant que le public.

La salle du Petit Poche devrait s'appeler la pochette ! Franchement il faut faire une taille 38 pour être à l'aise, quel dommage que cette salle soit désormais en cabaret.

Pour être “piqués” ils le sont tous ces looseurs sur la scène de la Tempête ! c’est bien simple, on passe une bonne soirée, on est bien reçus, on nous invite à nous asseoir sur le devant, à des tables de cabaret, on aura même droit à une restauratrice italienne pour nous faire déguster la pasta !

Le décor, cabaret ou cirque, toute une joyeuse bande déjantée, tonitruante, bons musiciens. On assiste, enfin on devrait voir ce fichu avion décoller dans la salle, râté !

Alors chansons, mime, acrobaties vont se succéder, et surtout les sketches de Valentin, un auteur que je ne connaissais pas du tout. C’est bien là, la magie du théâtre, nous faire découvrir d’autres auteurs.

Bien sûr, il y a des scènes drôlatiques, comme “la sortie au théâtre”, “le mariage” mais il y a aussi du drame, bien entendu ce “Chaplin allemand” comme le décrivait Brecht a su jongler avec l’humour, la tragédie et l’absurde.

J’ai été séduite par la mise en scène colorée et l’investissement des artistes sur scène. Un excellent moment de théâtre.

En 1979, Gorges Lavaudant en collaboration avec Ariel Garcia-Valdès monta La rose et la hache en trois semaines. Une adaptation de Richard III de Carmelo Bene.

En 1984 ils jouèrent au festival d’Avignon dans la magnifique Cour d’Honneur du Palais des papes.
Aujourd’hui, nous avons grand plaisir de les revoir dans cette mise en scène mythique.

Au centre du plateau, le décor est posé ; une table de banquet recouverte de cristalleries, étincelle dans un rayon de lumières au milieu du noir profond de la scène.
Un jeu d’ombres, de clair-obscur nous transporte avec magnificence d’un tableau à l’autre. Par instants, un jet de lumières surligne les visages des différents protagonistes et crée une ambiance quelque peu diabolique.

Ariel Garcia-Valdès incarne magnifiquement ce Richard III cruel, monstrueux mais aussi enfantin, extravagant, sans vergogne et effrayant.
Un Richard III dansant avec une gestuelle époustouflante et pourtant bien difforme. Enlaidi, trainant la jambe et nous montrant ses plaies, un tyran presque sympathique.
La duchesse d' York nous fait frémir et nous impressionne, toute de noir vêtu avec une voix venant des profondeurs de l’abime.
Tous les personnages en costumes d’époque sont délirants, fantasques, rocambolesques et nous content avec un certain délire les grands moments de Richard III.
Par intermède tous ces personnages loufoques dansent au son de Steven Wooder ou quelques variétés italienne de l'époque.

C’est un bel hommage à Carmelo Bene pour qui Richard III recherche non le pouvoir mais la légitimité du pouvoir.
Toute l’équipe des comédiens est talentueuse et nous avons plaisir à voir ou revoir cette mise en scène datant d’une vingtaine d’années.
« Une époque où toutes les folies étaient possibles, c’est cette liberté du théâtre que l’on s’autorise. » George Lavaudant

Toute tentative de définition de Serge Gainsbourg serait nécessairement incomplète, voir réductrice. Je pense que même si l’artiste ne laissait personne indifférent ; tout le monde, détracteurs comme fans, peuvent être d’accord avec cette observation.

Aussi le spectacle proposé par Stéphane Varupenne et Sébastien Pouderoux tous deux sociétaires de la Comédie Française est une variation autour de ce monument. Un spectacle à prendre comme une belle friandise, pause musicale originale mais pas que, car des extraits d’interview se glissent avec malice entre deux chansons et font revivre avec une diplomatie bienveillante des épisodes choc (l’interview avec Whitney ou le billet de 500 francs).

C’est le premier spectacle musical de la Comédie Française où tous les membres sur scène sont déjà des artistes de la Troupe et quels artistes ! A la fois comédiens, chanteurs et musiciens (et même multi instrumentistes pour la plupart) ! Quelle équipe ! Stéphane Varupenne, Sébastien Pouderoux, Benjamin Lavernhe, Noam Morgensztern, Yoann Gasiorowski et Rebecca Marder sont parfaitement à l’aise et se font plaisir.

C’est donc un bon moment qui est proposé sous forme de cover des chansons de l’homme à la tête de choux ! Etonnamment ce ne sont pas mes chansons préférées de l’artiste qui m’ont le plus touchée lors de cette soirée : j’ai adoré la version de ‘Love on the beat’ chantée par Rebecca Marder et puis ce chant façon chorale pour les ‘sucettes ‘ qui m’a procuré un plaisir fou, j’ai aussi beaucoup apprécié les interventions du trombone de Stéphane Varupenne.

Mais qui dit Gainsbourg, dit aussi un univers visuel un peu particulier et nous retrouvons des ingrédients qui font partie du personnage : de nombreux instruments de musique qui encombrent le plateau, des bouteilles d’alcool plus ou moins entamées et des cigarettes évidemment ! Que serait Gainsbourg sans ses cigarettes ? Il y a des choux aussi !

Ps : Si comme moi, vous êtes sensibles à la fumée, ne vous placez pas dans les premiers rangs du Studio.