On dit que c'est vilain le mensonge; mais y'a des fois où c'est plus chouette que la vérité. (A. Allais)

Voici une pièce plutôt sympathique, avec des comédiens qui jouent juste et un texte assez bien écrit.
Le décor est chaleureux, la mise en scène plaisante, les personnages crédibles.

Mais le résultat est tiède et manque cruellement de panache et de classe !!
Nous sommes pourtant en compagnie de cinq des figures littéraires les plus marquantes de leur temps.....
Et cette jeune troupe prometteuse n'a pas vraiment sû en tirer profit !
Ce sera sûrement pour la prochaine fois.

Ils sont six.
Sept avec le personnage principal de cette pièce. La ville.

Paris. Le grand Paris. Mais ça pourrait être n'importe laquelle des grandes métropoles de ce monde.

Les six personnages nous accueillent par un petit jeu, je vous laisse découvrir. Puis, ils nous chantent Charles Trénet.

« Un jour, le diable fit une java,
Qu'avait tout l'air d'une mazurka. […]
Et bien souvent aux heures des r'pas,
Le diable venait sur sa java
Frapper du pied dans les estomacs. […] »

Ces trois hommes et ces trois femmes forment un groupe choral. Et pourtant...
Ils sont six... Ils sont un... Ils sont eux, ils sont nous...
Ils vont aller et venir dans ce lieu déshumanisé et sans âme qu'est la cité pour venir frapper dans nos estomacs.

Il y a un PDG très fortuné, une jeune diplômée d'école de commerce pour qui l'argent n'est pas non plus un souci, un cadre au chômage, un étudiant de cinquième année de médecine qui lui a besoin de travailler pour payer sa scolarité, une femme de ménage et une traductrice qui accessoirement gagne sa vie en tant que danseuse dans une boîte de strip-tease.

Qu'est-ce qui peut bien les lier, les réunir, les désunir, les rassembler, les éloigner, ces six-là ?

C'est exactement la question à laquelle va répondre Vincent Farasse, qui a écrit et mis en scène cette pièce. Il dissèque les relations existant entre ces personnages qu'à priori tout oppose.

Des relations d'une façon ou d'une autre tarifées.
L'argent tiendra une grande place dans cette pièce, comme si c'était le moteur principal de ces six urbains. Argent et Cité, un couple indissociable ?

Vont se dérouler devant nous une multitude de fragments, de multiples saynètes, à deux ou trois personnages. Au bout d'un certain temps, nous allons comprendre et nous allons nous rendre compte : nous pourrions dessiner sur une feuille de papier un organigramme ou une carte mentale représentant les liens qui se sont tissés entre ces trois hommes et ces trois femmes.

Certains de ces liens seront plus intimes, plus délicats, plus fragiles, aussi.
Avec un rêve presque final : la ville aux mains des insurgés, avec des barricades, avec des soldats...
(Bien entendu, hasard de la programmation, tous nous pensons à l'actualité la plus brûlante et la plus jaune.)

La mise en scène de Vincent Farasse est à l'image du texte : au cordeau et au scalpel. Pas de décors, un fond de scène constitué de trois pans avec environ une centaine de grosses ficelles torsadées de chanvre. (Vous aurez remarqué que je n'ai pas dit le mot...)
Des grosses ficelles qui symbolisent sans doutes les liens, ce qui relie et qui retient les unes et les autres.
Quelques chaises sur lesquelles resteront parfois ceux qui ne jouent pas.
Comme pour montrer que tous ces personnages sont décidément inter-dépendants.

Les six comédiens sont tous irréprochables et ne nous laissent pas souffler un seul instant.
Deux ont particulièrement retenu mon attention.

Eve Gollac est Claire, la strip-teaseuse traductrice.
La comédienne est impressionnante. Son rôle est particulièrement ardu. Sous couvert d'une apparente fragilité, son personnage se révèle être d'une force incroyable. Ses scènes en face du PDG m'ont particulièrement impressionné, au fur et à mesure qu'elles se déroulent.

Et puis il y Xavier, ce PDG-là.
C'est le formidable François Clavier qui l'interprète.
De par sa carrure impressionnante, il en impose. (D'autant plus que la scène est assez en hauteur par rapport aux sièges.)
Il nous fera rire, avec ses répliques redondantes, ses « plaisanteries » qui glacent les autres personnages, avec sa façon de servir le whisky « qui n'est pas pour les enfants »...
Il nous fait rire, mais le comédien parvient à installer une vraie ambivalence, une vraie ambiguïté.
A la fois doux et féroce, tendre et machiavélique, M. Clavier signe une sacrée composition.

C'est donc un bien intéressant moment de théâtre qui nous est donné à la Reine blanche. C'est un spectacle qui peut surprendre, qui peut parfois étonner, voire déranger, mais qui ne laisse personne indifférent.
Comme une métropole, quoi...

Tout commence en 1968. Jean-Louis Barrault est alors directeur de l’Odéon. La grogne monte dans Paris.

Son théâtre est occupé par des étudiants qui voient dans ce théâtre le symbole de la culture bourgeoise et du gaullisme. Refusant de couper l’électricité pour déloger les occupants, le ministère de la Culture le congédie. Dans ce contexte libertaire, il créé avec sa compagnie le spectacle « Rabelais ». Un défi étonnant en choisissant de jouer l’intégralité des pièces de l’auteur. On oublie l’impertinence, la soif de vie et le côté grivois de l’auteur mais Jean-Louis Barrault connaît les œuvres et va les exploiter en rajoutant sa touche personnelle. Pour jouer cette pièce, il va occuper le ring du théâtre de l’Elysée-Montmartre sur une musique de Michel Polnareff et des danseuses du Crazy Horse. Là où était organisé des matchs de box, de catch prend vie une histoire loufoque avec 40 comédiens et 4h00 de représentation. 50 ans plus tard, Hervé Van der Meulen décide de redonner vie à ce projet audacieux dans son théâtre, le Studio Théâtre d’Asnières avec le théâtre Montansier de Versailles. Par contre, il choisit de réaliser une version plus courte de 2h45 avec 19 comédiens sur scène. Une prise de risque audacieuse comme il est bien rare d’en voir actuellement au théâtre. Et le résultat est à la hauteur de ce défi improbable. On y va retrouver tous les éléments : les voyages des héros rabelaisiens, les facéties de Panurge, les plaisanteries scatologiques, les disputes avec les autorités civiles, royales et religieuses, les guerres picrocholines et autres, les balades à Thélème et à la Dive Bouteille. Rabelais a été moine, médecin, voyageur, traducteur, auteur et reste d’une étonnante modernité. Cet humaniste condamné pour apostasie souligne dans son écriture l’importance de la liberté d’agir et de penser dans une société au pouvoir religieux inquisiteur. Pour ces histoires, il mélange plusieurs genres : le conte, la parodie, le roman d’aventure… tout en montrant la richesse du vocabulaire puisé aussi bien dans les langues mortes que dans les dialectes régionaux.

Une source d’inspiration qui insuffla bien des idées grandioses de mise en scène à Hervé Van der Meulen et aux scénographes Claire Belloc et Isabelle Szymaszek. On voit juste une grande toile bleue en fond de scène, des portes manteaux où sont déposés des costumes, des chaises et deux escabeaux. Cela suffit à nous emmener vers des mondes les plus stupéfiant. On met une planche sur un escabeau et nous voilà dans un château en pleine ripaille attendant la naissance de Gargantua. On rapproche deux espaces de siège et nous embarquons sur la mer au cœur d’un gigantesque bateau. Les comédiens montent en haut de l’escabeau et nous voilà dans un tribunal. De même, le bateau connaît une forte tempête. Un morceau de bois descend du plafond sur lequel est attaché cordes et toiles. Les comédiens s’en emparent et bougent vigoureusement. Effet garantie que nous tanguons au cœur du navire. Des détails même modernes s’intègrent comme des références à Bruce Lee ou Dragon Ball dans une scène comique avec un moine combattant. Que de détails à raconter tellement bien réaliser et intégrer avec intelligence. De même pour les centaines de costumes réalisés par Isabelle Pasquier et Alice Laforge vraiment travaillés jusqu’à l’infime petit détail. J’avais envie de prendre mon appareil photo et de prendre le temps de tout bien observer pour tout mieux voir et montrer. De même pour le maquillage d’Audrey Million. Les comédiens portent chacun des marques noires sur les visages qui leur donnent une nouvelle intensité dans leurs personnages. Et des personnages nous allons en rencontrer.
Les 19 comédiens qu’il faut citer : Étienne Bianco, Clémentine Billy, Loïc Carcassès, Aksel Carrez, Benoît Dallongeville, Ghislain Decléty, Inès Do Nascimento, Pierre-Michel Dudan, Délia Espinat-Dief, Valentin Fruitier, Constance Guiouillier, Théo Hurel, Nicolas Le Bricquir, Juliette Malfray, Mathias Maréchal, Théo Navarro-Mussy, Pier-Niccolo Sassetti, Jérémy Torres et Agathe Vandame jouent, chantent, dansent, miment… Chacun aura le droit à être mise en avant. Personne n’est laissé pour compte et tous collabore à rendre ce spectacle fantastique. On s’émerveille des décors, des costumes et des comédiens plus talentueux les uns que les autres qui nous emmènent dans un voyage où à aucun moment on ne s’ennuie. Jamais le sourire ne quitte les visages des spectateurs et les rires, toutes générations confondues, raisonnent à tout va.

Comment être insensible à cette prestation singulière pleine de fougue et de folie ? On ne peut pas. On se lève, on applaudit et on dit : Merci.

Une histoire incroyable sur le chevauchement d’identité pour fuir la douleur.

Pour tenir le rôle de Sophie, il faut certes une comédienne avec un physique pétillant de jeunesse et de beauté. Mais surtout, il faut une jeune femme talentueuse capable d’exprimer avec émotion la traversée tumultueuse d’une quête de soi. Camille Razat éblouit par la justesse de son jeu. Les larmes au coin des yeux, elle n’hésite jamais à prendre le spectateur à partie dans son tourment en le fixant du regard.

Difficile de ne pas être emporté dans son récit, tellement les mots sonnent juste et avec conviction. Elle occupe tout l’espace pour parler de la cruauté humaine mais aussi d’amour. Sur son passage, elle dévore tout dans une fragilité à fleur de peau. Et pour cette première au théâtre, Camille Razat brille de mille feux dans sa capacité à transmettre des émotions. Je ne doute pas un instant qu’on retrouvera très vite un tel talent sur scène.

D’ailleurs, elle n’est pas vraiment seule car le violoncelliste Stanislav Makovsky l’accompagne en soulignant avec délicatesse les souvenirs qui s’entrechoquent.

Esprits de famille ! J'étais intriguée par le thème de cette exposition et par la façon dont elle allait mettre en parallèle la peinture du père et le cinéma du fils. Et tout au long des quatre salles j'ai découvert l'influence incontestable de l'immense talent de Pierre Auguste sur celui tout aussi immense de Jean !
Bien sûr de manière familiale, l'enfance de Jean étant très marquée par les oeuvres de son père. Mais bien au delà, on retrouve de nombreuses toiles dans les films de Renoir : "Partie de campagne" sur les bords du Loing, "déjeuner sur l'herbe" tourné dans le domaine familial, "French cancan" etc.

Du talent pur, que ce soit avec un pinceau ou une caméra !