L'horreur est humaine !

Voici ce qu'une nouvelle fois, elle nous affirme, la metteure en scène de ce Cabaret horrifique, à la manière d'un George A. Romero au meilleur de sa forme.

Elle, c'est Valérie Lesort, qui toute petite déjà, voulait fabriquer des monstres.
Des monstres, il y en aura, à l'Opéra-Comique, dans cette reprise qui marque la ré-ouverture de la Salle-Favart.
Des monstres, des sorcières, des morts-vivants, des goules, des succubes, des incubes, j'en passe et des pires !

Le tout à la sauce Lesort, et ce, pour notre plus grand plaisir !
Durant une heure et quart, nos oreilles et nos yeux seront ravis et nos zygomatiques vont fonctionner à plein régime.

Le principe de ce cabaret est assez simple, finalement : dans un décor et des accessoires dignes de la Nuit des morts-vivants, Melle Lesort a confié au baryton Lionel Peintre et à la soprano Judith Fa la mission d'interpréter une quinzaine d'airs de différents répertoires, et dont le thème est l'horreur, la monstruosité, la peur.
C'est ainsi que Ravel, Weill, Gounod, Rameau vont côtoyer Vian, Marie-Paule Belle, Marie Dubas, et quelques surprises.

Oui oui, des surprises, car tous les airs ne sont pas indiqués sur le programme.

C'est d'ailleurs une de ces surprises qui va ouvrir le programme.
Au piano, l'excellente Marine Thoreau La Salle égrène quelques notes de Mike Oldfield, et Lionel Peintre enchaîne d'une façon lyrique et très décalée sur......... (Eh oh, et puis quoi encore, vous pensiez que j'allais vous en dire plus ? )

Le chanteur lyrique, avec les quatre premiers mots de ce premier « tube » déchaîne l'hilarité générale. Le ton sera immédiatement donné !

Le deux artistes lyriques vont nous enchanter.
Par leur talent intrinsèque de musiciens, certes, évidemment, mais également par leur vis comica.

Il faut les voir jouer la comédie, adoptant des gestuelles, des poses et des mimiques sataniques, diaboliques et méphistophéliques très suggestives.
Qu'est-ce qu'ils nous font rire !

C'est là une autre marque de fabrique de la metteure en scène, dans la droite ligne du Domino noir, ou encore Ercole Amante que de mélanger talent musical et humour décalé. Le sérieux et le drôlissime mêlés dans une même fête artistique !

De grands moments musicaux m'ont ravi.
L'interprétation du Roi des Aulnes, de Schubert, par Lionel Peintre est un de ces moments magnifiques, tout comme le Tango stupéfiant, de Marie Dubas, par Judith Fa.

Les deux musiciens vont véritablement nous régaler, notamment avec deux duos : leur version du Fantôme de l'Opéra, d'Andrew Lloyd-Weber est un moment formidable. Comment en même temps chanter à la perfection et faire rire aux larmes tout un public.

Et puis, surtout, un duo tiré de l'opéra Armide, de Jean-Philippe Rameau, est absolument magnifique.
Quel ensemble, quelle pâte sonore, quelle technique irréprochable, quelle sensibilité ! Que d'émotion !

Il faut souligner qu'au piano et parfois « aux grandes orgues » (merci au clavier Roland), Melle Thoreau La Salle servira de « souffre-douleur » tout au long du spectacle. Le runing-gag fonctionne à la perfection.

La patronne, elle, a opté pour coiffure assez originale : elle porte sur la tête une main coupée, dont les doigts s'agitent en permanence. C'est très moignon, tout ça !

Grâce à des outils et autres accessoires eux aussi très décalés, elle bruite de façon épatante tous les « événements » comiques qui vont parsemer tout le récital.

Réouverture de la Salle-Favart post-confinement oblige, cette reprise du Cabaret horrifique est placée sous le signe du COVID 19 !
La mise en scène a été remaniée, avec une disposition scénique et spatiale entièrement nouvelle.
Le gel hydro-alcoolique trône sur le piano, les masques sont là, dociles ou récalcitrants, certes, mais surtout maculés de sang.

Melle Lesort nous démontre également qu'on peut faire beaucoup rire avec très peu de moyens, notamment dans L'air du Froid, de Purcell. C'est très malin ! Mais là encore, je n'en dirai pas plus...

Le final interviendra hélas beaucoup trop tôt, avec l'apparition sur scène d'un personnage emblématique en matière de frissons en tous genres.
La boucle est bouclée.

On l'aura compris, Valérie Lesort enchante une nouvelle fois le public de l'Opéra-Comique.
Sa patte, sa marque de fabrique, son style propre et inimitable font mouche !

C'est un spectacle lyrique brillant, intelligent, irrésistible de drôlerie !
C'est devenu une habitude !

Mon Isménie n'est pas une maladie mais le prénom d'une jeune fille. La comédie d’Eugène Labiche revient à l’affiche du Poche avec un nouveau "prétendu" destiné à la jeune fille que son père refuse de marier. Le comédien Guano, titulaire du rôle de Dardenboeuf, s’étant cassé le nez, c’est William Mesguich qui reprend le flambeau en attendant le retour à la scène du promis !

Le même William Mesguich continue à interpréter le rôle de l’écrivain Sylvain Tesson dans l’adaptation qu’il a tiré du livre de ce dernier Dans les forêts de Sibérie que j'avais vu en décembre à la Huchette et qui poursuit sa route désormais au Poche Montparnasse.

Tous les interprètes sont justes et fort drôles mais si j'insiste sur William c'est parce qu'il est de mon point de vue insuffisamment distribué dans le registre de la comédie.

Je l'avais découvert capable de faire rire et de surprendre plusieurs fois le spectateur au cours d'une même représentation dans Chagrin pour soi où il avait (déjà) Sophie Forte comme partenaire et dans lequel il avait repris, là encore, un rôle au débotté.

Mais pourquoi donc fait-on appel à lui uniquement en catastrophe ? S'il a suffisamment de talent pour jouer en pompier comme il en aurait en première intention ! Si j'étais auteur de théâtre j'écrirais pour lui.

Ce que je dis de William est vrai aussi pour Daniel Mesguich car ce metteur en scène a surtout la réputation d'exceller dans le drame. Comme il a eu raison de s'intéresser au théâtre d'Eugène Labiche, dont il monte une pièce pour la première fois.

Si l'auteur est né et a longtemps vécu en région parisienne il s'apprête à acheter une très grande propriété à Souvigny-en-Sologne alors que Mon Isménie est représentée pour la première fois à Paris sur le Théâtre du Palais-Royal le 17 décembre 1852. Rien d'étonnant donc à ce que l'action se passe en province, en l'occurence Chateauroux. L'atmosphère y est plus codifiée que dans la capitale et la bourgeoisie y est plus soucieuse des conventions.

Quand la pièce commence un prétendu nommé Dardenboeuf se présente chez la famille Vancouver pour tenter d'épouser la jeune Isménie, fille d'un père très possessif. C'est la huitième fois que l'histoire se répète depuis le début de l'année. Le cher papa semble à bout d'arguments pour refuser de lui donner la main de son "héliotrope"... mais il croit malgré tout pouvoir encore maitriser la situation. Le jeune homme a l’appui de Galathée, la sœur de Vancouver, une vieille fille très fortunée qui veut le bien de sa nièce. Cela suffira-t-il à faire pencher la balance en sa faveur ?

Daniel Mesguich a beaucoup modelé le texte, le ponctuant de nombreuses allusions. Par exemple quand un personnage exige parle plus bas, un autre murmure car on pourrait bien nous entendre. Le public pense à Dalida, et à l'amour fou qu'elle chantait si langoureusement.

Un peu plus tard on pense inévitablement au regretté Marcel Philippot, l'égérie d'une campagne publicitaire pour une compagnie d'assurances, dont nous attendions à chaque nouvel épisode, la réplique devenue culte : "Je l’aurai un jour, je l’aurai."

Il n'est point nécessaire de connaitre la version originale de Labiche pour s'apercevoir de la modification. " Il est malin, mais je le repincerai !" est devenu "Il est très fort, mais je l'aurai". Les puristes et les fans trouveront le texte du spectacle transformé par Daniel Mesguich, ainsi que le texte original de Mon Isménie au bar du théâtre (Avant-Scène Théâtre / Editions des Quatre- Vents).

A la fin de la pièce j'étais partagée entre l'envie d'applaudir et celle de m'offusquer. J'ai pensé au Bourgeois gentilhomme, revisité en 1981 par Jérôme Savary, avec le Grand Magic Circus, et ... j'approuve totalement l'audace de Daniel Mesguich.

Quand on sait que cette comédie-vaudeville fait partie de la nombreuse liste des œuvres que Labiche a écrites à quatre mains, en collaboration avec Marc-Michel on peut penser qu'il apprécierait qu'elle continue d'évoluer.

On pourrait croire que le metteur en scène ait donné à chacun de ses comédiens une carte blanche avec l'injonction d'oser. Le spectacle s'appuie sur plusieurs registres comiques incluant les dialogues, le jeu, les bruitages, les effets, la répétition ... Tout est prétexte à nous surprendre et nous faire rire. Tout cela sans l'ombre d'un décor mais avec quelques accessoires, des masques essentiels à la dramaturgie, et surtout des costumes époustouflants (créés par la très inspirée Corinne Rossi).
Bravo !

De toute évidence je ne peux qu'être authentique dans mes propos pour parler des Sincères que Jean-Marie Ledo a monté au théâtre du Guichet-Montparnasse.

Néanmoins l'exercice est difficile parce que, dans mon souvenir, se mêlent des moments vus en répétition fin janvier, des discussions avec le metteur en scène et la représentation "définitive" à laquelle j'ai assisté le 5 mars.

Par où commencer ? Sans nul doute par cette célèbre réplique de Molière : Je veux qu'on soit sincère et qu'en homme d'honneur on ne lâche aucun mot qui ne parte du coeur, Le Misanthrope, Acte I, scène 1 (v. 35-36).

Ces mots datent de 1666, et Marivaux, né 22 ans plus tard, ne pouvait les ignorer lorsqu'il s'attela à cette comédie en un acte et en prose. Le metteur en scène et nous pas davantage et vous remarquerez que le personnage d'Ergaste (Olivier Ducaillou) ne lâche pas le texte de cette pièce qu'il semble apprendre par coeur.

Jean-Marie Ledo annonçait une pièce de guerre et de manipulation où s'affrontent la peur, l'égoïsme, le dépit, sur fond d'intrigues amoureuses. Lisette et Frontin vont tout faire pour rompre l'union de leurs patrons en se jouant de leur vanité et de leur amour propre jusqu'à les casser tous deux.
Qui sont les sincères interroge-t-il dans cette comédie aussi féroce et cruelle que drôle : Lisette et Fontin valets peu scrupuleux, la Marquise et Ergaste qui revendiquent parler "vrai" ou Araminte et Dorante malheureux en amour ?

Pour moi, être sincère n’est pas forcément avoir raison, si bien qu'on peut "en toute bonne foi" exprimer des affirmations erronées. Ergaste lui-même le reconnaitra : Je réponds de la sincérité de mes sentiments mais je ne garantis pas la justesse. Par ailleurs la question se pose toujours en société de parvenir, dans le meilleur des cas, à concilier la politesse et la sincérité.

Ces deux axes sont parfaitement traités par Marivaux et la mise en scène souligne habilement les paradoxes. Quelle bonne idée il a eu de choisir la chanson de Lucienne Boyer pour lancer la soirée :
Parlez-moi d'amour
Redites-moi des choses tendres
Votre beau discours
Mon cœur n'est pas las de l'entendre
Pourvu que toujours
Vous répétiez ces mots suprêmes
Je vous aime
Vous savez bien
Que dans le fond, je n'en crois rien
Mais cependant je veux encore
Écouter ces mots que j'adore

La soubrette (Michelle Sevault) chantonne et nous devinons, nous spectateurs, que le beau discours sera celui que nous allons écouter. Son complice et manipulateur Frontin (Jean-Marie Ledo) joue cartes sur tables : Je m’appelle Frontin le taciturne. Rompons, brisons, détruisons ! Il va la convaincre de comploter. Ils (nos maîtres) s’imaginent sympathiser ensemble à cause de leur prétendu caractère de sincérité. Il ajoute un argument terrible pour caractériser le comportement de son maître : Si pour paraître vrai il fallait mentir il mentirait.

Nous sommes à la campagne, chez la marquise (Natacha Simic) qui, tiraillée par ses sentiments, a invité plusieurs amis. Elle voudrait croire en l'amour de Dorante (Guillaume Kovacs) qui ne lui déplait pas, mais elle a besoin de mettre ses sentiments à l'épreuve et de confronter son opinion à celle des autres, pourvu qu'ils soient sincères, sinon comment s'y retrouver ? Elle exprime très vite son désir le plus profond : je veux être véritablement aimée.

Et pour atteindre cet objectif, elle serait disposée à élire un autre homme si son âme lui apparaissait plus noble. Une autre femme est là, prête à se mettre les pieds dans le tapis. C'est Amarinte (Maïna Louboutin) éprise d'Ergaste qui va petit à petit se détourner d'elle.

Dorante, Ergaste, Araminte et la Marquise (qui n'a pas de nom) vont danser un quatuor en glissant parfois vers l'un, parfois vers l'autre, comme des marionnettes dont les ficelles seraient actionnées par les deux valets, Frontin et Lisette. Ceux-ci ne s'aiment pas et se regardent avec une lucidité qui favorise leur alliance. D'autant qu'ils ont la capacité à se fondre dans le décor pour mettre au point leur stratégie.

Le tapis joue un rôle métaphorique. L'objet délimite l'arène où chacun viendra toréer. C'est aussi la piste de danse où les sentiments valseront. Ses couleurs commandent celles des costumes. Le motif compose une mosaïque ou un puzzle, et scène après scène, la vérité finira bien par éclater.

Mais d'ici là, la sincérité, l'amour et la vérité vont faire un drôle de ménage. Surtout quand, comme la marquise, on veut être aimée sans être étouffée. Elle freinera Ergaste : Laissez-moi respirer : en vérité, vous allez si vite que je me suis crue mariée ! (…) N’aime-t-on pas toujours les gens à proportion de ce qu’ils sont aimables ?

Celui-ci nous donnera à entendre de belles répliques sur tous les aspects de la sincérité, dignes de la tirade des nez. Ah la comique aventure ! nous dira-t-on.

Ce texte représentée pour la première fois par les Comédiens italiens le 13 janvier 1739 à l'Hôtel de Bourgogne continue de résonner avec justesse.

Je suis allée voir Le quai de Ouistreham au Théâtre 14, bien entendu parce que j'avais énormément apprécié le retour d'expérience de Florence Aubenas, laquelle avait fait sensation à la publication de son livre et que j'avais eu la chance de rencontrer au Livre sur la Place, à Nancy.

Mais aussi parce que je n'avais pas encore eu l'occasion de revenir dans cet établissement et que j'étais curieuse d'en découvrir les transformations.

Il est devenu joli comme une bonbonnière, accueillant comme un pub anglais. J’ai toujours eu beaucoup de plaisir à venir dans ce théâtre mais cette fois il est renforcé par l’ambiance qui met davantage en condition le spectateur que le traditionnel lever de rideau. On a le sentiment qu’on accède à une soirée privée, un peu underground. C’est étrange, troublant, délicieux.

La salle d'attente est un salon cosy. Le bar est vaste, largement ouvert sur le hall. Le changement est radical et réussi. Bravo à Mathieu Touzé et son équipe !

La salle a subi un lifting discret mais efficace en supprimant l’allée centrale et en facilitant l’accès aux fauteuils. Du coup la scène semble immense.

J'avais vu des photos du spectacle, en réalité des clichés que j'avais attribués à la scénographie, mais le plateau est étonnamment vide avec un dispositif ultra dépouillé se limitant à une chaise, une bouteille d'eau et un paper-board.

Magali Bonat est une comédienne remarquable mais son look androgyne ne parvient pas à me faire oublier la douceur et la blondeur de l'auteure. Je me dis que je n'aurais pas dû risquer de confronter la mise en scène de Louise Vignaud à mes souvenirs.

L'expérience avait eu lieu en 2010. Florence Aubenas avait raconté son immersion totale durant six mois dans le monde des travailleuses précaires. Son témoignage rendait visible ce qu'on ne voulait alors pas voir : la misère quotidienne de femmes de l'ombre (car la précarité touche davantage les femmes, 8 précaires sur 10 étaient des femmes en 2009).

Peut-être était-elle fatiguée ce soir ... ou est-ce moi qui ait du mal à la suivre... toujours est-il que son débit de paroles mitraille mon cerveau, m'épuise, et que je me surprends à m'agacer de l'entendre savonner, comme on dit dans le jargon pour désigner l'action de bafouiller son texte ou de buter sur les mots.

Je me suis précipitée dans ma bibliothèque en rentrant à la maison pour relire le livre ... qui n'a pas subi de modification. Tout y est. Mais c'est peut-être cela qui est dérangeant, avec en plus l'évidente déception que rien n'a changé depuis 11 ans.

Il est terrifiant de constater que la condition humaine n'a pas progressé. Peut-être s'est-elle dégradée encore davantage. Un tel spectacle devrait, de mon point de vue, s'accompagner au minimum d'une discussion de bord de plateau, même si Florence Aubenas a lancé le sujet en voix off pour camper le contexte : La crise (...) Tout donnait l’impression d’un monde en train de s’écrouler.

Tout donnait l'impression ... et aujourd'hui quelle évolution a connu cette région de Caen où la journaliste a fait cette expérience ? Car à l'époque, en 2009, on a cru que son livre exploserait les mentalités. Qu'il servirait de détonateur pour provoquer une prise de conscience.

Mes pensées tournaient en boucle ce soir. Je faisais l'exercice mental de m'interroger sur les mutations d'autres secteurs que celui de l'entretien. Je songeais aux manifestations des gilets jaunes. Je voyais les blouses blanches des personnels hospitaliers dénonçant le démantèlement de l'hôpital public. J'espérais que le spectacle allait prendre un chemin de traverse pour analyser comment on en était venu à quitter l’époque du social pour à ce point faire du chiffre.

La description des procédures de recherche d'emploi, la course aux heures par ceux qui ont intégré qu'ils ne retrouveront jamais "un" travail, la bascule dans l'invisibilité ... tout est incompréhensible sur le plan humain, à l'instar des gribouillis que la comédienne trace sur le paper-board.

Il me semblait que, dans le roman, les agents d'entretien partageaient quelques instants de solidarité, de complicité et de timide révolte. Mes pensées sont perturbées par les paroles de la chanson de France Gall dans lesquelles je cherche en vain un message :
Ne dites pas que ce garçon était fou
Il ne vivait pas comme les autres, c'est tout
Et pour quelles raisons étranges
Les gens qui n'sont pas comme nous, ça nous dérange

Qui sont ces "nous" ? Comment décoder ce parti-pris artistique ? Peut-être que si je n'avais pas lu le livre auparavant, j'aurais perçu la volonté de l'équipe artistique de "recréer les situations, les interroger, nous interroger sur un plateau devenu un lieu d'enquête et de questionnement. Un lieu de prise de conscience, toujours aussi nécessaire et urgent."

Au moins sommes-nous d'accord sur ces objectifs. Par contre notre point de vue diffère probablement sur la question de la représentation et de ses limites, et la manière de faire entendre un texte dans ce qu'il a de plus subversif. Le spectacle a été créé en mai 2018, à Lyon, au Théâtre des Clochards Célestes par la Compagnie La Résolue qui ne prétend pas apporter des réponses, mais ouvrir des brèches, inquiéter, interroger. On ne saurait donc le lui reprocher.

Je rappellerai aussi que Florence Aubenas, née en 1961 à Bruxelles, est journaliste et reporter de guerre. C'est dans le cadre d'une mission qu'elle a été retenue en otage pendant plusieurs mois en Irak en 2005. Il faut lire cette femme d'exception, impliquée et impliquante dans tout ce qu'elle fait.

Je suis allée voir Pierre Palmade ce dimanche après-midi dans une étrange salle en arc de cercle située à quelques mètres de la très animée place de Clichy.

Inauguré en 1872 sous le nom de Concert européen en raison de sa proximité avec le quartier de l'Europe, ce music-hall populaire de 600 places a rapidement été rebaptisé par abréviation l'Européen. La salle sera entièrement reconstruite dans les années 1960, se tournera vers le théâtre, et prendra le nom de Théâtre en Rond en raison de sa nouvelle forme.

En 1987, Philippe Hourdé, alors directeur de l'atelier Hourdé (année préparatoire aux écoles d'art) et de l'École supérieure des arts et techniques (ESAT), décide d'y implanter son activité, sauvant ainsi la salle de la démolition. Il lui redonne son nom d'origine et renoue avec la musique en programmant de nombreux concerts, tous genres confondus (pop-rock, variété française, musiques du monde, jazz) ainsi que des spectacles musicaux. C'est là que le groupe Chanson plus bifluorée y fera son premier enregistrement en 1991.

A cette époque Pierre Palmade avait déjà fait ses premiers pas sur des scènes parisiennes :
1989 : Ma mère aime beaucoup ce que je fais, mise en scène Sylvie Joly, au Théâtre du Point-Virgule
1990 : On se connaît ?, mise en scène Didier Long, au Palais des glaces
1991 : One man show, mise en scène Roger Louret, à l'Olympia
1992 : Passez me voir à l'occasion... , à La Cigale

Avant de partir jouer un peu partout en France et de démarrer une nouvelle pièce de François Bégaudeau avec Catherine Hiegel, intitulée Le lien, et après avoir joué quelques dates dans diverses salles, sans doute pour tester la formule, le voilà, quelque trente ans plus tard, à l'Européen, situé à un quart d'heure à pieds de la Cigale, pour reprendre une sélection de sketches qu’il a piochés parmi ses neuf one-man-shows. Pierre les a choisis parce qu'il les affectionne particulièrement mais aussi parce qu'il était curieux de voir s'ils pouvaient toujours fonctionner aujourd’hui...

Il ne lui a pas semblé utile de s'embarrasser de beaucoup d’éléments de décor. Il a retenu quelques objets fonctionnels et plutôt élégants. Il entre en sifflant, en jeans, veste bleu de Prusse, assortie à la couleur de ses yeux, immuablement très bleus.

Il ne croit pas si bien dire en disant j’estime qu'être léger, à notre époque, il faut lever le doigt pour le signaler. L'épidémie de Covid 19 n'est encore pas reconnue en France (alors qu'on comprendra dans quelques jours que le virus circule déjà pleinement).

Il prétend n'avoir pas eu davantage d'inspiration pour une chanson que ces quelques rimes : J’habite à la campagne ... sous un mât de cocagne, avec des chats, des chiens et des petits lapins, l'odeur de l'herbe verte, l'église qui nous alerte qu'il est bientôt midi, Qu’elle est belle la vie.

Je n’ai écrit que cela. Là encore tous ceux qui ont eu la chance de pouvoir se loger loin des villes vont bientôt apprécier leur bonheur. Mais pour le moment le public rit, complice, estimant que la vie parisienne est tout de même plus excitante que l'isolement en ruralité.

Et l'artiste de poursuivre en faisant allusion à son hypocondrie légendaire : Il s’est passé quelque chose de fort dans ma vie. Je suis devenu plus léger, je n'ai plus d’angoisses métaphysiques.... malgré la mort qui rôde.

Pour rôder, elle rôde ... mais on ne le sait pas. Alors on sourit encore.
Le sketch du suicide où il se dit bisexuel, celui du nouveau voisin alcoolique, sa blague au chauffeur de taxi. Tout nous plait. Y compris celui qu'il a imaginé en s'inspirant de faits réels et du bon feeling qu'il avait cru avoir avec une certaine Catherine.

J'émettrai une réserve à propos de celui du mexicain chez le dentiste, non pas particulièrement pour son racisme et sa mauvaise foi mais parce que j'aime trop le Mexique et ses habitants pour supporter la raillerie.

Arrive fort heureusement le moment mythique de la partie de scrabble dont on ne se lassera probablement jamais, suivi du film X et du "suspense jusqu’à l’ennui". La devise de l'homme politique de "rassurer sans ennuyer", est tout à fait de circonstance en pleines municipales.

Puis ce seront la maladie de Julie, la lettre écrite par un Poilu depuis le Front et ...., juste après, la réponse à la question métaphysique de savoir ce qui se passe quand on ne tond pas un mouton. On voit bien quel type d’angoisse hallucinatoire peut inquiéter l’artiste.

ll termine en chanson, comme dans les émission de Patrick Sébastien. Il y a 30 ans j’avais 21 ans, faites le calcul, je finissais avec l’hirondelle. Aucune raison pour que ça change.

Pierre n'a rien éludé de ses errements, l'alcool, la drogue, le sexe, ni de ses angoisses même s'il affirme s'être débarrassé de la plupart. On en partage quelques unes avec lui, ce qui rend ses textes toujours autant percutants, et surtout toujours aussi drôles. On est bien dans nos pompes en face de lui et on se sent encore jeune. Pourvu que ça dure !