1946, la guerre est bien finie. Opération nettoyage d’après-guerre lancée par Marthe Richard, les maisons closes sont donc condamnées à fermer. Que vont devenir Jacote, Jeanne et Lucienne, les ‘Belles de Nuit’ d’Yvonne qui les ‘protège’ du mieux qu’elle peut ? Et pourquoi Momo tourne t’il autour de la maison close comme un démon surgi du passé d’Yvonne ?

C’est une jolie évocation de l’ambiance des maisons de tolérance d’après-guerre écrite par Bénédicte Charpiat et Jonathan Kerr pour le livret. Jonathan Kerr est omniprésent dans ce musical puisqu’il est aussi compositeur, metteur en scène, musicien et comédien, il est un Momo implacable qu’on aime détester dans ce rôle qui lui va fort bien. De même, Bénédicte Charpiat est aussi présente sur scène où elle joue une Yvonne rattrapée par le passé.

Sur scène, ils sont accompagnés par Sarah Tullamore qui est impressionnante de maitrise que ce soit pour sa voix ou son instrument, elle incarne avec brio Jeanne, une femme qui domine les hommes. A ses côtés, il y a Audrey Rousseau dont j’ai beaucoup aimé le rôle de Lucienne et Roxane le Texier qui est la belle et ingénue Jacote. Pour les accompagner joliment au piano ou à l’accordéon, il y a Benoit Urbain qui joue le rôle d’Amédée.

L’histoire est plaisante mêlant à la fois le coté sombre des bordels avec un coté beaucoup plus romanesque, mélangeant la condition avilissante des femmes aux fantasmes véhiculés par ces singulières maisons et à des pauses beaucoup plus lyriques. Un moment à recommander pour découvrir cet univers.

Une phénoménale leçon de théâtre !
Un pur enchantement !

En montant ces deux pièces de jeunesse du grand Anton, écrites à l'âge de 28 ans, Jean-Louis Benoît plonge le Poche-Montparnasse dans un complet bonheur et une totale frénésie !
Ce qui se passe sur le plateau nous ravit, nous passionne, nous fait rire aux éclats, nous émeut également, nous bluffe par l'énergie déployée et nous fait également réfléchir.

Jean-Louis Benoît connaît bien son Tchékhov.
Il sait que l'auteur considérait ces deux pièces comme des « plaisanteries », même si l'on peut penser qu'un peu de fausse modestie caractérisait ce terme.

Nous allons énormément rire, à suivre les aventures des protagonistes de ces deux farces.
Le sociologue qu'est Tchékhov, avec son regard acéré sur ses concitoyens va s'en donner à cœur joie.
Car bien entendu, nous sommes au-delà de la pure farce, certes drôlissime,. Nous assistons à une féroce et néanmoins très réaliste peinture de la société russe du moment.

Il sera question d'une demande en mariage ô combien étonnante, entre deux caractères bien trempés. Puis nous sera contée l'histoire d'un petit propriétaire terrien, un véritable ours, venu demander le remboursement d'un prêt à une créancière voisine.

Jean-louis Benoît s'est attaché à nous disséquer de façon on ne peut plus subtile les thèmes chers au futur auteur d'Oncle Vania et de la Cerisaie.

La première réussite de cette entreprise dramaturgique, c'est d'avoir mis en avant la terre, le monde de la paysannerie. Ce sont des gens attachés à leur terre qui sont mis en scène. La propriété foncière va générer bien des péripéties et des situations de pure comédie. Je vous conseille d'être très attentifs à la bande son.

La deuxième réussite du metteur en scène, c'est d'avoir mis l'accent sur l'image ambivalente que pouvait avoir Tchékhov des femmes. Ici, Emeline Bayart va camper deux femmes qui finalement seront les personnages principaux de la soirée.

Des femmes qui veulent certes assumer leur féminité, mais pas seulement. Dans la deuxième pièce l'héroïne, veuve éplorée et inconsolable, veut également se comporter en homme. Son personnage sera d'ailleurs presque plus homme que les deux autres.

Et puis bien entendu, un autre grand mérite de Jean-Louis Benoît est d'avoir réuni un époustouflant casting.
Les trois comédiens, Emeline Bayart, Jean-Paul Farré et Manuel Le Lièvre vont déployer une énergie, une vis comica, un rythme, une puissance furieuse presque grotesque, une violence et à la fois une subtilité dans leur jeu qui forcent le respect.

Ce qui se joue sur le plateau, pendant cette heure vingt, est véritablement passionnant.
Ces trois-à nous proposent un véritable cours de comédie.

Ils nous embarquent dans un tourbillon, un maelström. Une sorte de folie complètement maîtrisée monte progressivement dans chacune des pièces.
Chacun parvient à faire évoluer subtilement son personnage, en partant d'un état initial relativement calme, pour arriver à des situations et des échanges paroxystiques au possible.

Jean-Louis Benoît a su placer le curseur à son exacte place. Les cris, les vociférations, les scènes de disputes sont à la fois réalistes et exagérées. Une vraie folie et en même temps de vraies situations très réalistes.

Une nouvelle fois Emeline Bayart est absolument hilarante. Ses expressions, sa gestuelle, sa façon d'écarquiller les yeux, ses ruptures, ses envolées lyriques, ses cris, ses rugissements déclenchent des fou-rires nourris.
Quelle puissance comique ! Quelle nature !

Jean-Paul Farré est à son habitude magnifique de drôlerie, de folie. Son interprétation de cet « ours » est un grand moment de jeu. Il fait passer son personnage du plus extrême et intraitable des misogynes au plus transi des amoureux avec une incroyable finesse et une progression tout en subtilité.

Quant à Manuel Le Lièvre lui aussi fait fonctionner nos zygomatiques à plein régime. Il faut le voir, un pulvérisateur de Fly-Tox à la main menacer ses partenaires, ou aux prises avec un rouleau de papier tue-mouche.

Je ne voudrais pas passer sous silence le magnifique décor de Jean Haas, qui participe à a vision tchékhovienne d'une société russe en déliquescence.

Oui, ce merveilleux spectacle est d'ores et déjà un incontournable de cette fin de saison.

Vous l'aurez compris, il faut vous ruer au Poche-Montparnasse !
Et moi de me répéter : c'est une magistrale leçon de théâtre qui vous y attend !
Vous ne pourrez pas dire que vous ne saviez pas...

C’était un plaisir de retrouver Tchékhov et les thématiques russes.
Ces deux courtes pièces parlent de dettes, de propriété, de demandes en mariage, d’honneur, de deuil... Tout cela dans un univers paysan typique. Un régal.

D'autant que le décor et les costumes nous mettent bien dans l’ambiance.

Nous avons en revanche eu du mal avec le parti pris de direction des acteurs. Ils crient, exagèrent beaucoup. Certes, cela déclenchait de nombreux rires, mais de notre côté, nous aurions aimé un jeu plus subtil, plus mesuré.

Néanmoins, le texte est beau, les dialogues assez drôles !

Annie Ernaux possède une écriture dense, intense, forte avec des phrases courtes. Marianne Basler donne toute sa force, sa sensibilité, sa témérité à prendre l'identité de l'auteure.

Elle devient cette femme qui s'interroge sur son identité à travers celle d'une autre inconnue. A t'elle existé pour remplacer celle qui a disparu ? Est-ce qu'il faut aller apprendre à exister dans l'absence de l'autre ? Puis entre les souvenirs qu'elle a pu récolter ici et là, une révélation se fait à elle. «Je n’écris pas parce que tu es morte. Tu es morte pour que j’écrive, ça fait une grande différence».

On se laisse porter au coeur du tourment affectif. Les vibrations dans sa voix nous transmettent ces fêlures. Certains spectateurs ne peuvent pas s'empêcher de pleurer. Son jeu est d'une précision et d'une netteté troublante. D'autant plus, que son physique se rapproche étonnement de celui de l'auteure. La mise en scène sobre et efficace de Marianne Basler et Jean-Philippe Puymartin contribue aux émotions provoquées. Elle souligne avec élégance ce monologue intime où juste un bureau avec quelques livres et un porte sont nécessaires.

Nous sommes au coeur de la création, là où les mots deviennent récit.

Peter O'Farrel existe. Je ne l'ai pas rencontré.
Voici ce que pourrait nous dire Kelly Ruisseau, sa petite-fille, qui va se lancer dans une quête familiale, à la recherche de cet aïeul qu'elle n'a pas connu et dont sa mère ne veut pas entendre parler.

En 1949, ce grand-père a quitté son petit village de Knockcarron, (Limerick County, Ireland), pour aller chercher du travail à Londres. Comme pour de très nombreux compatriotes catholiques et irlandais, la seule solution était d'émigrer vers la protestante Angleterre.

Il quitte également sa femme, enceinte de leur premier enfant. Ils se marieront par la suite à Londres, et auront cinq autres enfants.
Lui ne reviendra jamais en Irlande.

Kelly Rivière, auteure et interprète de cette pièce, joue Kelly Ruisseau.
Pas besoin d'être grand clerc pour deviner que ce personnage est l'alter-ego de la comédienne.
On ne se lance pas dans une telle entreprise littéraire et dramaturgique par hasard et sans raison.

Cette famille-là, cette histoire-là, ce sont les siennes.

Dès les premières répliques, la comédienne nous attire dans ses rets et ne nous lâchera plus.
Impossible de ne pas être fasciné par son histoire, impossible de ne pas la suivre on ne peut plus passionnément durant cette heure et trente minutes.

Il faut dire que Melle Rivière est une formidable conteuse ! La manière dont elle va nous dérouler cette enquête est passionnante.
Il y aura le fond et la forme !

Le fond, c'est avant tout la discrimination qu'ont dû subir ces Irlandais forcés d'émigrer en Angleterre. La comédienne nous rappelle d'ailleurs le contenu des pancartes qui les accueillaient « No Blacks, no Irish, no Dogs » !

Cette discrimination, elle aura soin de nous la faire percevoir par les différents accents qu'elle prendra tout au long de la soirée.
Kelly Rivière a des origines irlandaise et française. Elle connaît bien son sujet, puisqu'elle est traductrice à la Maison Antoine Vitez, coordinatrice du comité anglais de 2010 à 2012.
Elle nous rappellera que c'est souvent par l'accent, les « r » roulés que les Irlandais se trahissaient...
La langue était alors un facteur de discrimination.

Et puis la forme. Nous allons beaucoup rire. Et ce, dès les premières scènes.
Elle interprète tous les personnages de l'histoire.

Kelly Ruisseau, bien entendu, mais également ses premiers amoureux, sa mère irlandaise, son père originaire de Provence (le choc des cultures sera jubilatoire...), son frère Julien, son fils Liam, Mme Duluc, impayable détective privée, une grand-tante en fauteuil roulant (je crois que je n'ai jamais autant ri cette saison qu'en voyant Melle Rivière interpréter ces deux derniers personnages), et bien d'autres.
Dont le principal, à la toute fin du spectacle. Et non, je n'en dirai pas plus.

Cette galerie de portraits très drôles, souvent également très émouvants, minutieusement travaillés et brossés, cette galerie est épatante de justesse et d'observation.

La comédienne nous tire beaucoup de fou-rires.
Grâce à son texte, tout d'abord. J'ai découvert une vraie écriture, rapide, précise, avec quantité de formules souvent hilarantes (avec parfois des références assumées « Oh my God ! But you are pas mal ! »), et des situations vraiment cocasses (la raison de la découverte de ses enfants congelés par M. Courjault est un grand moment !)

Grâce également à ses qualités de comédienne.
Son énergie, ses ruptures, ses façons d'enchaîner les répliques, de passer d'un personnage à l'autre sans jamais nous perdre, de se dépenser sans compter, de captiver le public, tout ceci m'a complètement séduit.

Et puis elle parvient avec une facilité déconcertante à peindre également les différents lieux de l'histoire.
C'est bien simple, j'étais vraiment dans ce pub irlandais, une pinte de Guiness à la main, en train d'écouter le groupe The Dubliners !

C'est un très beau moment de théâtre que nous propose Kelly Rivière.
Cette recherche de l'histoire de ce grand-père génère à la fois beaucoup d'émotion et beaucoup de rires. (Ces deux qualités concomitantes ne sont pas si courantes que cela.)
Il est impossible de ne pas s'intéresser à cette quête familiale et identitaire.
Une quête que je vous recommande vivement.