Nadine et l’ami se souviennent, elle a vécu dans cette maison, maintenant délabrée, elle nous raconte sa vie, son mariage, les enfants, c’est souvent drôle, quant à l’ami, il est mort jeune dans un accident de la route, c’est un dandy, qui se promène dans chaque pièce avec Nadine, ici la véranda, la cuisine, la chambre où elle a décidé de finir ses jours, comme on dit.

Des tranches de vies quotidiennes, mondaines parfois, le texte est vif, amusant, bien écrit.

Laurent Charpentier et Catherine Matisse apportent la vie et la poésie à ce texte, à ce conte, sur la vie, l’amour, la destinée.

La musique est présente et Nicolas Ducloux a toute la fantaisie qu’il faut pour faire revivre nos revenants.

Une bonne adresse à retenir 21 rue des Sources.

Bertrand rend visite à son fils pour son anniversaire, bien entendu ce n’est pas la bonne date, ni le bon cadeau… les vannes fusent, les insultes, mais surtout le cultissime “si tu étais à ma place” ! Ils ne vont pas être déçus l’un et l’autre, en effet, un matin Alexandre se réveille et stupeur, il est “son père” ! Bertrand furax revient voir son fils, mais il est dans la peau d’Alexandre, oui je sais il faut suivre !

Bref, un vilain sort les a mis dans la peau de l’autre, un échange qui va virer au cauchemar. Que vont-ils faire ? coacher le fils-père pour répondre aux questions de la journaliste, quant au père-fils il doit repousser les avances de sa propre mère, qui a trop fumé et rattrapper la fiancée qui ne comprend plus rien à la situation !

C’est sans compter sur l’ami “chelou”, camé et revendeur de fausses toiles, sans compter non plus sur l’explosive maman d’Alexandre séparée de son mari et surtout pas en bons termes. Pourtant vivre dans la peau de l’autre va peut être s’avérer positif.

Une bonne comédie, sur les rapports père-fils-mère-copine, quiproquos, malentendus. David Roussel et Arthur Jugnot - qui s’y connait en magie et passe-passe -, signent une mise en scène drôle, dynamique, c’est très bien fait. Catherine Hosmalin est la mère déjantée, imposante et nature ! Flavie Péan apporte la fraîcheur dans cet imbroglio, Laurence Porteil est la séduisante et dynamique journaliste, quant à Julien Personnaz on ne peut s’empêcher de rire, malgré l’air menaçant qu’il tente d’avoir ! Patrick Braoudé et Arthur Jugnot forment le duo parfait et complémentaire.

La veille de la rentrée des classes, me voici de nouveau à l’école mais au Théâtre Tristan Bernard. Nos professeurs ? deux belges Arnaud Hoedt et Jérôme Piron qui remettent en question, notre éducation scolaire, l’orthographe, la grammaire… ouh là on débute par une dictée, et le marteau qui figure en fond de scène ainsi que sur le programme est impressionnant.

Bon, la dictée de côté, nous voilà aux prises avec les mots d’usage, la phonétique, l’origine des mots, parlons de nos chers dictionnaires par exemple, ils ne sont pas d’accord entre eux ! Prenons “nénuphar”, la guerre des Deux Roses a eu lieu, celle du nénufar/nénuphar commence !

Nos profs nous proposent de voter, grâce à la plaquette distribuée à l’entrée, elle est rouge d’un côté, vert de l’autre, et les propositions de nouvel orthographe pour tel ou tel mot commence, ah c’est vrai que j’ai du mal à imaginer écrire autrement un mot d’une autre façon, moi qui déteste l’écriture inclusive et les SMS trop longs…

A la fin, la dictée est projetée sur l’écran, plus complète, apparemment je n’ai pas fé de fotes, mais quand même nous n’avons pas l’explication de texte...

Ce spectacle est tout public, pas besoin d’être enseignant, si comme moi vous avez été élève médiocre ou carrément mauvais, c’est un “cours de français” qui fait du bien !

On s’amuse beaucoup avec ces deux profs, pour moi c’est bien la première fois que je rigole avec les enseignants !

Je suis ton père !
Hélas pour Don Carlo l'Infant d'Espagne, ce père-là, le souverain Philippe II, ne va rien trouver de mieux à faire que de lui voler sous le nez sa fiancée, la très française Elizabeth de Valois qui deviendra son épouse.
Et ce, à Fontainebleau !

On comprend vite que la relation filiale est dans ce cas-là très problématique.
C'est d'ailleurs le seul opéra de Giuseppe Verdi dans lequel s'affrontent un père et son fils.

Don Carlo, Œdipe, même combat ?
Non, pas vraiment, puisque c'est le papa qui fait tout son possible pour tuer son fiston...

Don Carlo, Hamlet, cousins dans le malheur ?
Non, vous n'y êtes toujours pas, puisque Don Carlo n'a pas de mère...

Nous sommes vraiment dans un conflit de moins en moins larvé entre le roi et son rejeton, avec dans cette histoire nombre de pulsions. De mort, et sexuelles, les pulsions.

D'emblée, nous savons que Krzysztof Warlikowski est aux manettes.
Immédiatement nous retrouvons sur scène un petit lavabo. (L'origine du metteur en scène expliquerait-elle cet attrait pour la plomberie polonaise ? Allez savoir...)

La mise en scène est toujours très cinématographique, avec des projections vidéo représentants des défauts et des rayures d'amorce de pellicule. On a l'impression d'être parfois dans un vieux film.

Des gros plans des héros sont également projetés au lointain, à la Viridiana, ou encore comme dans Psychose, avec la figure d'Anthony Perkins occupant tout l'écran.
Le visage des personnages principaux expriment alors toute leurs douleur et souffrance.

Autre signature warlikowskienne : différents plateaux mobiles (de grosses boîtes) arrivent du jardin (une salle d'escrime), du lointain (une assemblée de dignitaires assistant au couronnement du roi, puis la prison de Don Carlo), ou encore de la cour (la salle de cinéma privée du palais de l'Escurial.)

Oui, j'ai oublié de vous dire que l'action avait été transposée du XVIème siècle aux années 1940.
En dehors de ces espaces recréés, la scène sera souvent très vide, avec souvent un seul meuble et un seul accessoire, comme le grand cheval en carton pâte du premier acte.

Ce qui a intéressé le metteur en scène, indubitablement, c'est de mettre à nu les personnages du livret.
Cette histoire familiale est terrible.
Ici, tous sont à la dérive. Pas un qui n'ait de graves soucis et d'importantes préoccupations.
Dans de somptueux costumes, certes, tous sont en proie à leurs propres démons.

Fabio Luisi a su tirer le meilleur de l'Orchestre national de Paris.
Le chef connaît bien l'œuvre, c'est évident.
La partition, qu'on qualifie parfois de « wagnérienne », en opposition aux œuvres plus connues du compositeur italien, la partition est restituée de façon ample, majestueuse.
Les musiciens interprètent magistralement toutes les nuances, pouvant passer des plus infimes pianissimi aux plus tonitruants et intenses forte !

Et puis une exceptionnelle distribution va procurer bien des frissons et des émotions aux spectateurs.

Le couple Roberto Alagna-Aleksandra Kurzak fait des merveilles, même si à deux reprises, hier, nous avons pu être légèrement étonnés par deux notes un peu « étranges » du célèbre ténor. Un peu de fatigue ?
Pour autant, il en impose, comme à son habitude. Les notes tenus en fin de ses airs sont exceptionnelles, son parlé-chanté est irréprochable. Le lyrisme intense du chanteur nous transporte.

Melle Kurzak est une Elizabeth de Valois impressionnante.
Le rôle est difficile, mais sa maîtrise et sa technique vocales sont toujours aussi impressionnantes.
Les arias de la soprano sont tout simplement merveilleux. Quels aigus, quel vibrato Quel talent !

Une autre qui va confiner au merveilleux (j'assume les trois derniers mots), c'est Anita Rachvelishvili.
La mezzo-soprano, qui fut ici même une époustouflante Carmen voici deux saisons, m'a enthousiasmé ! Elle est une grandiose Princesse Eboli.
Le public ne s'y trompe pas, qui lui réservera la plus imposante salve d'applaudissements aux saluts.

En cheftaine-escrimeuse toute en noire régnant sur un gynécée de sportives en tenues blanches, ou bien en maîtresse royale bafouée, son timbre est d'une incroyable chaleur.

Son grand air « O don fatale » met en valeur ses talents de chanteuse mais également de tragédienne.
Bravo, Mademoiselle Rachvelishvili

J'ai beaucoup aimé également Etienne Dupuis, qui lui, fut un épatant Don Giovanni.
Ici, le baryton interprète le rôle ingrat de Rodrigue, l'ami de Don Carlo. Lui aussi sera très applaudi,
La basse René Pape est un impressionnant Philippe II d'Espagne.
Les graves sont ronds, sonores et donnent au rôle une grande ampleur.
Le chanteur confère à son personnage une vraie ambivalence, un salaud émouvant.

Tous les airs sont systématiquement applaudis, sans attendre la fin de l'œuvre.

Et puis il faut noter une nouvelle fois la magnifique homogénéité du chœur dirigé par l'excellent (c'est un pléonasme) José-Luis Basso. Quelle pâte sonore, quel ensemble, quel rendu !

Les quatre heures et trente minutes (avec deux entractes) que dure cet opéra passent à une incroyable vitesse.
Le metteur en scène, le directeur musical, les musiciens et les choristes nous transportent.

Cette reprise de Don Carlo (la création à l'Opéra-Bastille eut lieu en 2017) est une vraie et incontestable réussite.

Venise n'est pas en Russie !
Ca, il le sait, le dessinateur de motifs pour soiries Anzoletto, lui qui doit prochainement se rendre à Moscou, invité qu'il est par des confrères russes.
Un homme qui doit quitter son pays, laissant en plan celle qui nourrit de tendres et maritales intentions à son égard.

Anzoletto, c'est Goldoni.
L'auteur vénitien, par le biais de cette pièce, dit adieu à son public.

Lui, c'est à Paris qu'il espère être mieux compris. (Un contrat de deux ans à la Comédie des Italiens l'attend.)
La dernière soirée de Carnaval, c'est l'une des dernières soirées de Goldoni dans la Sérénissime.

Nous allons donc assister à un moment de vie au sein d'une petite communauté d'artisans locaux : des tisserands, des marchands de tissus se réunissent à l'invitation du maître de maison, il signor Zamaria. De nos jours, ce serait une petite fête entre membres du Rotary Club local.
Les personnages goldoniens n'ont besoin ni de masques, ni de costumes à losanges colorés ou à bosses. Nous ne sommes définitivement plus dans les archétypes de la Comedia dell'Arte.

Durant deux heures et vingt minutes, le metteur en scène Clément Hervieu-Léger va donc nous montrer les relations qui vont interagir entre les quinze personnages de la pièce.

Oui, c'est une pièce qui décrit ces relations-là. Il n'y aura ni véritable intrigue, ni coups de théâtre, ni rebondissements.
Ici, ce qui importe, ce sont tous les liens qui vont se nouer (ou pas) entre ces hommes et ces femmes.

Aujourd'hui, on dirait que Goldoni interroge le vivre-ensemble de cette micro-société de bourgeois vénitiens.
C'est bien ce qu'a voulu nous proposer le metteur en scène.

Clément Hervieu-Léger signe un spectacle tout en délicatesse, à partir d'une pièce, qui, il faut bien le dire, n'est pas la plus passionnante de Goldoni.

Pour cet instantané sociétal, nous remontons le temps aux Bouffes du Nord, qui se révèle être un écrin incomparable.
Les tons ocres, les murs de pierre évoquent vraiment le XVIIIème siècle vénitien.

Les bougies, les beaux costumes de Caroline de Vivaise, les jolies lumières de Bertrand Couderc, les parties musicales jouées à la viole de gambe, mandoline, violoncelle et à la guitare, tout ceci participe également à cette plongée dans la Venise classique.

Et puis, bien entendu, les comédiens membres de la Compagnie des Petits Champs vont contribuer ô combien à la réussite de ce délicieux moment de théâtre.

Très vite, nous allons constater que l'esprit de troupe règne sur le plateau.
Les comédiens s'amusent à nous conter ces micro-péripéties sociétales.

Daniel San Pedro est un patron tisserand très paternaliste, tout en bonhommie. Il incarne avec le talent qu'on lui connaît ce père seul avec sa grande fille Domenica (l'irréprochable Juliette Léger).

Les moments comiques et humoristiques nous sont fournis par Charlotte Dumartheray (une Elenetta à la coiffure poussiéreuse, je n'en dis pas plus...), par Aymelyne Alix, irrésistible en épouse acariâtre et mal embouchée, Marie Drusc, qui joue une espèce de cougar de l'époque, sans oublier Stéphane Marco, qui lui est un calandreur extraverti (la calandre était une machine à lustrer les tissus), beau parleur et fort en gueule, un peu paillard sur les bords.

Tous sont on ne peut plus crédibles, dans ces rôles de notables vénitiens.
Tous participent à rendre on ne peut plus réaliste cette photographie d'une micro-société donnée.
Les comédiens, dirigés avec une vraie efficacité et un vrai sens de l'espace scénique, nous rendent passionnants ces petits moments qui pourraient paraître insignifiants.

Tout finira bien, ceux qui espéraient bien se marier se marieront, ceux qui ne s'y attendaient pas également.
On dînera. (Il faut noter que c'est également une pièce délicieusement olfactive, surtout si l'on aime les raviolis et le poulet...). On chantera. On dansera.
Et la soirée vénitienne se terminera.

Voici donc un spectacle tout en grâce et délicatesse, qui m'a fait quant à moi découvrir une pièce goldonienne très rarement jouée, créée en France seulement en 1990, par le Théâtre du Campagnol, au CDN de la banlieue sud à Châtenay-Malabry.