Il est très beau, ce texte de Céline Milliat Baumgartner. Beau et doux, beau et pudique, beau et sincère. Les mots ne sont jamais lourds de tristesse et de malheur, au contraire ils sont pudiques, sensibles et légers comme peut l’être l’enfance et l’on s’y abandonne sans résister grâce à l’interprétation toute en retenue et simplicité de la comédienne. Pour donner corps à son récit, elle a demandé à Pauline Bureau de la mettre en scène. Après Dormir 100 ans ou Mon cœur, la jeune metteure en scène ne fait que révéler, mettre en exergue, le texte de la jeune auteure avec des déplacements aussi calculés que gracieux, une scénographie très simple mais étudiée, accompagnée de subtiles et éphémères projections vidéo, quelques notes d’une contine qui s’égrènent, le reflet de la comédienne dans ce miroir aux bords fanés, et ces fugaces moments de magie (imaginés par Benoît Dattez) qui viennent saupoudrer le tout et réveiller chez le spectateur une infime part d’enfance et de candeur. Il ne fallait surtout aucun pathos, aucun effet aucune lourdeur pour accompagner Céline Milliat Baumgartner : Pauline Bureau y apporte seulement son regard plein de délicatesse, et y distille les silences comme les paroles, la douceur comme la gaité, la peine comme l’apaisement.

Les bijoux de pacotille est un subtil et délicat moment de grâce où se reflètent l’enfance d’avant et l’enfance d’après, l’enfance de l’innocence et celle du manque, l’enfance qui grandit et se construit de l’absence pour devenir adulte. Devenir femme.

Et si tout avait déjà été dit et que nous ne faisions que répéter à l’infini des conversations déjà ressassées à l’envi par d’autres des dizaines de fois ? Sur ce constat somme toute profondément captivant et intrinsèquement intriguant Pierre Bénézit a bâti une histoire absurde mais pas que, drôle mais pas que, tendrement loufoque, totalement. Quand le public s’installe, Paulbert est déjà sur scène.

Absorbé par la tâche, il écrit, rature, corrige, des mots jetés sur une feuille de papier. Gérard va le rejoindre : les deux hommes vivent dans une ancienne épicerie quasiment vide. Pour survivre, ils écrivent des conversations qu’ils vendent à ceux qui ne savent pas quoi dire.

Diner, brouhaha, conversation de bus ou téléphoniques, ils sont en mesure de fournir n’importe quelle discussion à leurs clients. Arrive une femme, Barbara, qui veut acheter du vin ; ils envoient leur voisine chercher du vin dans une autre épicerie. En patientant, Barbara les interroge sur leur activité. Un vrai plaisir que la rencontre de ces trois-là qui emmène les spectateurs dans leur conversation délicieusement loufoque. Des hommes préhistoriques qui ont raflé toutes les discussions possibles sans en laisser aux suivants, du temps qui passe et du présent qui n’existe déjà plus ou qui tourne en boucle, de la vacuité de nos existences et de la condition humaine dans son ensemble, les assertions tour à tour saugrenues et drôles de ces deux bonhommes et les questions candides de Barbara réussissent, l’air de rien, à faire rire tout en soulevant des questions parfaitement métaphysiques voire philosophiques sur le sens de la vie et des pouces qui tournent. Les trois comédiens sont épatants : l’ex-Deschiens Olivier Broche incarne avec bonhommie une Gérard placide et atonique, Vincent Debost est un Paulbert drôlement pathétique à moins que ce ne soit pathétiquement drôle tandis qu’Anne Girouard apporte une touche d’ingénuité et de fraicheur dans cette baignoire pleine d’absurdités.

Une petite heure donc délicieuse, suffisamment farfelue pour faire oublier sa journée (et je vous garantis qu’après une semaine éminemment compliquée ce fut éminemment salvateur) et qui pourra fournir des réflexions plus métaphysiques et existentielles à ceux qui ne savent pas quoi dire à leur prochain diner. Promis, je vais essayer.

Il faut vraiment prendre L’autobus vers le Théâtre 13 et ne pas passer à coté d’un petit bijou d’humour absurde, absolument délicieux et résolument loufoque ! Tout ce que j’aime. Je ne connaissais pas l’auteur bulgare, Stanislav Stratiev, bien qu’il ait écrit, entre autres, La vie bien qu’elle soit courte (que j’ai donc hâte de découvrir, à présent).

La pièce se passe dans un autobus où montent 9 personnages qui ne seront jamais désignés que par leurs vertus ou valeurs : le Virtuose, le Raisonnable, le Déraisonnable, l’Amoureuse, L’Irresponsable, l’Homme, la Femme, l’Amoureux, le Paysan. Mais le conducteur du bus, que nous ne verrons jamais, décide d’aller où il veut, sans se préoccuper de ses passagers, les brinquebalant malgré eux dans une épopée complètement barrée, au gré de son bon-vouloir et de ses volte-face. Quand ils comprennent qu’ils sont à sa merci, chacun réagit comme il le peut et le groupe explose, les natures se révèlent.

Épatant travail de groupe

Cette farce tragi-comique se veut une métaphore du régime communiste bulgare des années 80 : le conducteur invisible représente le pouvoir absolu et les passagers des pantins manipulés face au danger, qu’ils soient lâches, courageux, soumis, solidaires ou égoïstes, voire un peu de tout au fil des événements. L’absurdité de la situation est décuplée par la direction d’acteurs de Laurence Renn Penel, formée à la technique du clown : fardés, caricaturaux, les comédiens – tous excellents – incarnent à merveille le tragi-burlesque de la situation. La scénographie et les superbes lumières (Thierry Grand) font partie intégrante de la réussite du spectacle : une structure de fer, sans parois, représente le bus : quelques sièges montés sur ressorts, une échelle de fer, le tout est d’une ingéniosité folle au gré des virages que prend cet autobus et permet des retournements de situation… et de personnages drôlissimes.

Un pur moment de plaisir, donc, où la virtuosité des comédiens, le charme du décor et des lumières, la mise en scène ingénieuse mais pas prétentieuse servent à merveille un texte délicieusement absurde plus profond qu’il en a l’air. Sincèrement, ça fait un bien fou.

(on peut mettre 15/10 au décor et à la mise en scène ??)

Nénesse est un ancien rockeur qui n’a gardé de ses années rock qu’un vieux pantalon de cuir usé, des dettes, la bière facile, un appartement miteux et sa femme, Gina. Pour survivre, ils louent à deux SDF une cabine Algeco installée dans leur salon : Aurélien, un russe sans papiers et Goran, un serbe musulman sans travail.

Nénesse est une « farce anthropologique », lit-on dans le communiqué de presse du nouveau spectacle mis en scène par Jean-Louis Martinelli au Théâtre Dejazet et écrit par Aziz Chouaki. Une farce, donc, mais qui laisse le spectateur pantois au bout de 100 minutes qui seront à la fois longues et courtes. Longues parce que ce Nénesse ne cesse de proférer, d’asséner, pendant 100 minutes donc, des assertions xénophobes, homophobes, racistes, un inextinguible dégueulis verbal argotique et grossier qui devient vite assommant : on s’évade alors par la pensée, on sort de cette litanie nauséabonde et gratuite à défaut de pouvoir sortir physiquement. Courtes, donc, aussi.

Je lis, encore dans le communiqué de presse, que Nénesse est « la métaphore d’un possible contemporain qui représente une sorte de verrue sur le visage de l’Occident » et je m’interroge alors sur l’utilité de ce type de pièce. Il faut bien sûr écrire aussi pour dénoncer, le théâtre contemporain est entre autres le miroir de la société et doit la peindre jusque dans ses plus noirs tréfonds. Oui, Aziz Chouaki pointe l’envasement progressif mais inéluctable de Nénesse, figure allégorique d’une société où des exclus préfèrent rejeter la responsabilité de leurs malheurs sur les autres : les noirs les jaunes les marrons les homos les juifs les arabes et j’en oublie certainement. Mais il manque à Nénesse une soupape, une échappée, qui permettrait au spectateur d’entrevoir quelque chose, une morale ou une sortie de secours. Malgré la belle performance d’Olivier Marchal notamment, qui oui, est un Nénesse impeccable en connard outrancier, malgré ses trois comparses aussi bons, Nénesse tourne en rond, s’englue dans une grossièreté tellement calculée et systématique qu’elle en est totalement contreproductive, jusqu’à l’épilogue final peu crédible qui finit d’achever le spectateur, assommé et médusé par l’impression d’avoir été le dindon d’une farce ratée, passée totalement à côté de ses ambitions.

Sur scène, un vaste bureau de bois clair, sur lequel sont posés un ordinateur, des bannettes, des stylos, des cadres photos, des feuilles de papier. On devine un certain fouillis, celui sur lequel l’écrivain s’asseyait pour travailler. Patrick Timsit arrive et commence alors à raconter : la mère qu’il a trop mal aimée, les souvenirs qui se pressent dans sa mémoire, l’enfance qui remonte et cet amour inconditionnel, absolu, entier d’une mère pour son enfant.

Tandis que parfois défilent sur l’écran au-dessus du bureau des images vidéo aux couleurs un peu fanées d’une enfance qui s’estompe, ou qu’est diffusée une bande-son pertinente, Timsit dit les mots de Cohen avec sobriété et humilité. L’intelligence de Dominique Pitoiset réside en ce qu’il a sans doute demandé à son comédien de dire simplement le texte plutôt que le jouer, de ne pas essayer d’interpréter le deuil, les regrets ou la tristesse : les mots de Cohen / Timsit résonnent donc avec pudeur et justesse, sans pathos, sans effet inutile, le comédien devient passeur d’une émotion qui touche au cœur. Le livre peut se refermer, Patrick Timsit a réussi son pari.