Plus dure sera la chute d'eau !

Décidément, Marie Rémond semble avoir un faible pour les fils et les filles pour le moins singuliers de l'Oncle Sam.
Après avoir incarné le tennisman André Agassi, après avoir mis en scène Barbara Loden, la femme d'Elia Kazan, après nous avoir convié à assister au Studio théâtre de la Comédie Française à une mythique séance d'enregistrement de Bob Dylan, elle nous invite à découvrir, avec son co-metteur en scène Thomas Quillardet, une œuvre emblématique de l'écrivaine Jane Bowles.

Autant d'adaptations dramaturgiques de textes qui ne sont pas des pièces de théâtre.

Tout comme d'ailleurs le Voyage de G. Mastorna, récemment mis en scène par ses soins, toujours à la Comédie française.
Des œuvres devenues théâtrales qui toutes s'interrogent sur l'importante et essentielle question de l'identité.

Bienvenue au Camp Cataract, cette espèce de club de loisirs au pied d'imposantes chutes d'eau.
Le chaos aquatique qui règne ne sera rien en comparaison du chaos intérieur qui va ronger certains personnages de la soirée.

Nous allons faire la connaissance d'Harriet, qui s'échappe régulièrement de la pesanteur et le carcan de la vie en famille avec ses deux autres sœurs.

A jardin, dans son bungalow en bois aggloméré, elle exprimera son désir d'indépendance tout en précisant sa volonté de ne pas trop choquer quand même les regards extérieurs.

Sa sœur Sadie, restée dans l'appartement, oppressée par l'ainée Evy, lui envoie une lettre lui demandant pratiquement de rentrer. Mais c'est elle qui se rendra à sa rencontre, à Cataract Valley, désireuse d'échapper elle aussi à un univers étouffant sans le repère que constitue Harriet, et de comprendre cette liberté dont semble jouir sa sœur.

Ce voyage deviendra une quête à la fois physique et psychique.
Une plongée dans la tourmente pour Sadie, (le prénom n'est évidemment pas innocent...), une descente intime dans des enfers intérieurs. Un aller simple vers l'aliénation.

Marie Rémond et Thomas Quillardet ont parfaitement réussi à traduire sur un plateau la subtilité propre de l'auteure, qui nous peint à la fois délicatement et férocement des personnages ambivalents, angoissants à bien des égards.

Des personnages mystérieux, également.
Dans un rythme très lent, avec de nombreux noirs plateaux, avec très peu de dialogues, le tout éclairé très souvent à la lampe-tempête et avec quelques ampoules, nous devons imaginer le vécu, le passé, l'histoire propre à ces personnages.

Au fond, tout comme Jane Bowles, les deux metteurs en scène ne nous donnent aucune clef concernant ces sœurs-là et leurs mystères. Il se gardent bien de nous emmener sur des pistes balisées.

C'est à nous de faire le job et de nous projeter dans ces univers intérieurs, de démêler le vrai du faux. En nous demandant par exemple, comme ce fut mon cas, quel genre d'enfance ont-elles pu avoir pour en arriver à cet état psychique inquiétant.

Marie Rémond parfaite en Harriet, et la remarquable Caroline Arrouas en Sadie nous embarquent dans les tourments de ces sœurs-là. Leur interprétation est toujours très juste, tout en subtilité. Il en faut, de la subtilité, car leurs personnages sont à la fois très complexes et finalement très angoissants.

Caroline Darchen incarne une joviale monitrice du camp (est-elle bien réelle, existe-t-elle vraiment ?) et la troisième sœur, elle aussi en proie à bien des soucis. Je vous laisse découvrir.

Et puis, Laurent Ménoret interprète trois rôles, dont une truculente « grosse agnostique », je cite l'auteure, et un chef indien emplumé qui est tout sauf chef et indien.
Il nous fera rire avec ses annonces d'animations à venir, style G.O. du Club Med d'antan.
Mais lui aussi ne serait-il pas que virtuel ?

Coup de chapeau à Mathieu Lorry-Dupuy pour sa scénographie qui malgré la cascade, la nature, le pinède sur le plateau, nous montre que les apparences peuvent être très trompeuses.

Ce spectacle qui peut paraître austère et dérangeant, demande des efforts aux spectateurs.
Il faut accepter de rentrer dans l'univers intérieur de ces femmes au bord du gouffre.
Au bord seulement ? Je n'en dirai pas plus.

Il faut accepter que tout ne nous soit ni dit ni montré, il faut se laisser envelopper par le sentiment de mystère et d'étrangeté qui plane tout au long de cette heure et demie.

... Une comédie musicale de poche disent-ils, c’est vrai et c’est très bon. Un spectacle ravissant et agréable. Le public sort le sourire aux lèvres, des images et des chansons plein la tête. Un plaisir musical que je recommande.

Sur scène, derrière une baie vitrée deux femmes partagent un repas. L’une est vive et mange avec appétit et gourmandise, c’est une jeune fille bavarde et curieuse.
L’autre, semble plus délicate, plus fragile. C’est elle qui a préparé le repas et qui connaît les petits secrets culinaires.
Mais, qui sont-elles ?
Une grand-mère de 93ans et une jeune fille ?

Nous allons découvrir la vie de cette grand-mère à travers les questionnements de la jeune fille, mais ses souvenirs sont parfois un peu vagues, discontinus car le temps passe et la mémoire s’estompe.
C’est émouvant, raffiné et tendre, les deux comédiennes seront tour à tour la grand-mère et la jeune fille. C’est rempli de tendresse.
Les souvenirs d’une époque, d’une autre génération mais aussi ceux plus intimes, plus profonds vont refaire surface.
De vieilles photos oubliées dans un carton, évoqueront les êtres aimés et parfois disparus de la vieille dame.
A travers ces échanges nous découvrons avec émoi le parcours de cette dame âgée qui a traversé un siècle d’histoire.
Elle se remémore sa vie de femme, d’épouse, de mère mais aussi son enfance blessée, ses luttes et ses peines et ses joies.

Solenne Keravis et Justine Bachelet nous émeuvent, par la justesse et la finesse de leur jeu. N’oublions pas Julia Robert qui au son de son violon amplifie l’émotion.
Ce magnifique texte d’Elise Chatauret donne envie de découvrir ou de redécouvrir ses autres écrits.

Au Musée d'Orsay, se déroule et ce jusqu'au 21 juillet 2019 une magnifique exposition intitulée « Le modèle noir, de Géricault à Matisse ».

C'est la première de ce genre en France : il s'agit en effet de nous intéresser à un grand non-dit de l'histoire de notre Pays, à savoir l'importance des modèles noirs qui ont croisé de prestigieux artistes, contribuant ainsi à l'élaboration de leur œuvre.

Il est donc question de redonner un nom à ces oubliés majeurs du récit des avant-gardes : ici, l'histoire de l'art va côtoyer l'Histoire tout court, l'ethnographie et la politique.

Je vous conseille d'investir 5 euros dans l'audio-guide, ce qui vous permettra d'écouter notamment les commentaires de deux personnalités particulièrement concernées par cette histoire-là, Lilian Thuram et l'écrivain et rappeur Abd al Malik.

C'est l'ex footballeur qui va nous énoncer la véritable problématique de l'exposition, à savoir quel est le regard sociétal de ces peintures représentant ces modèles noirs.

Le premier tableau, peint par Marie-Guillemine Benoist, en 1800, fut intitulé à l'origine « Portrait d'une négresse ». Et Lilian Thuram de poser son regard critique et de nous faire part de son étonnement : en 2000, la toile fut rebaptisée « Portrait d'une femme noire ». Pour lui, c'est tout aussi connoté que le titre précédent.
Imaginerait-on une toile intitulée en 2000 « portrait d'une femme blanche » ?
C'est donc pour cette raison que l'œuvre s'intitule désormais « Portrait de Madeleine », du prénom du modèle.

L'exposition est logiquement présentée d'un point de vue chronologique.
Nous débutons par la Révolution française, avec notamment les portraits de députés des Antilles siégeant à Paris.

Puis vient la terrible régression, que peu de nos concitoyens connaissent : Napoléon non seulement rétablit l'esclavage, mais interdit l'accès à la France métropolitaine de tous les Antillais. (L'impératrice Joséphine de Beauharnais, la propriétaire martiniquaise béké, est passée par là...)
Des portraits du général rebelle Toussaint-Louverture, du général Dumas, des toiles représentant l'esclavage et le traumatisme national sont montrés, avec une terrible représentation du châtiment des quatre piquets, sous le regard impassible d'une famille de planteurs métros.

De magnifiques portraits du modèle Joseph sont accrochés, ce modèle qui servit à Géricault pour son célèbre « Radeau de la Méduse », dont la première esquisse a été prêtée par Le Louvre.
Ab al Malik nous détaille quant à lui une magnifique toile de Puvis de Chavane, « Jeune noir à l'épée ».

Nous avançons dans le temps, avec la période 1848-1870, avec notamment l'« Olympia » d'Edouard Manet.

Puis, viendront des modèles dans le Paris du XIXème siècle et du début du XXème, sans oublier des toiles représentant des artistes de cirque noirs, avec principalement la toile de Edgar Degas « Miss Lala au cirque Fernando. »
Les premières photographies de Nadar sont là, avec notamment un portrait d'Alexandre Dumas, à qui un passionnant chapitre est consacré, et puis les premiers films montrant le célèbre duo métissé des clowns Footit et Chocolat.

La dernière période, 1914-1953 est consacrée aux représentations des afro-descendants dans les revues noires de l'époque, avec la célèbre Joséphine Baker, les tirailleurs sénégalais vus par Félix Valloton, les musiciens noirs américains des régiments américains venus combattre en France et qui introduisent le jazz dans notre pays.

La naissance du militantisme politique noir sera bien entendue évoquée.

Et puis nous seront retracés picturalement le surréalisme, la négritude, avec des toiles de Masson, Lam, Johnson, et enfin Matisse, fortement marqué par son séjour à Harlem.
Nous verrons pour terminer sa grande toile « Danseuse créole » créée en 1950, à base de papiers gouachés, découpés et collés.

Je vous conseille donc vraiment d'aller passer trois ou quatre heures à Orsay, il faut bien cela, pour découvrir cette passionnante exposition, qui permet de découvrir ou de redécouvrir des toiles, des œuvres à la lumière d'une problématique que la France n'a toujours pas fini de digérer et d'assimiler.

Un magnifique et très pédagogique catalogue permet de poursuivre cette visite à la fois artistique et politique.

Dis-moi ce que tu veux, je te dirai qui tu es...
Dis-moi ce que tu vends, tu sauras qui je suis...

Un deal. Une joute.
Une lutte des mots, un affrontement verbal, un difficile combat oratoire par le biais d'un acte commercial illicite et nocturne.

Deux êtres humains se jaugent, se jugent, se jouent l'un de l'autre à l'aune d'un acte somme toute banal, l'achat-vente d'un produit illégal quelconque.

Un dealer, un client. Le second sur le territoire du premier. Comme un intrus forcé dans un espace nocturne en déliquescence.
Une zone-champ de coton urbain, une jungle moderne, un no-man's land inquiétant.

Et le désir sous-jacent, ce désir dont Koltès emplit sa pièce.

En 2016, Charles Berling a créé sa version de cet opus important de la production théâtrale de cet auteur, qu'il reprend à la Villette pour quelques jours seulement.

Face à lui, Mata Gabin.

La comédienne apparaîtra sous une sorte de passerelle, alors que l'obscurité gagne la salle et le plateau. On aperçoit également un réverbère, des enseignes au néon très fatiguées, des murs crasseux, avec une venelle centrale.
Un univers inquiétant, un endroit interdit, un lieu de tous les possibles et peut-être de tous les dangers. Mais peut-être finalement plus rassurant que les espaces intérieurs de ces deux personnages.
Le ring suburbain de l'économie souterraine. Un décor très réussi de Massimo Troncanetti.

Lui apparaîtra dans le public, sur une étroite passerelle le reliant au plateau. On ne sait d'où il a surgi.
Son costume est très fatigué, avec notamment un gros accroc sur le pantalon.

Et le combat peut commencer.
Les deux comédiens vont incarner ces deux êtres ultimes, avec une animalité à fleur de peau.
Ils bougent lentement, se présentant souvent de profil, comme des ombres mouvantes dans la pénombre.

Melle Gabin est impressionnante. Vraiment.
Dans un battle-dress aux motifs camouflage, double capuche sur la tête, (elle se découvrira progressivement), est elle ce dealer. Celle qui possède, qui vend. Celle qui se fond dans un environnement hostile.
Elle dégage une sacrée puissance, une force sauvage, une vraie animalité.
De sa voix rauque, elle dit les mots de Koltès. Elle fait beaucoup plus, elle les clame, les profère, les murmure, les hurle, parfois.

C'est elle qui porte la pièce, c'est elle qui est véritablement enthousiasmante de présence inquiétante, de charisme trouble.
Son interprétation est d'une oxymoresque sombre luminosité. La tension qu'elle fait régner est absolument magnifique.

Le mise en scène de Charles Berling est basée sur la notion d'espace, la distance qui sépare les deux personnages, une distance horizontale, ou verticale. Les deux monteront chacun leur tour sur la passerelle, surplombant l'autre, le dominant.
Lui repartira sur sa passerelle, elle n'osera pas le suivre, préférant au final rester sur son terrain.

Nous, nous resterons suspendus aux mots de Koltès, qui résonneront longtemps encore après cette heure un quart de très beau théâtre.