Faut-il avoir du talent, tout de même, pour réussir le tour de force (je pèse ce groupe nominal) d'adapter, de mettre en scène et de jouer durant une heure et de quelle manière cette version de Notre-Dame-de-Paris !

Ce que j'ai vu, ce mercredi après-midi, relève d'une formidable gageure artistique !

Cette adaptation, nous la devons à Sarah Gabrielle et à Alexis Consolato.

Melle Gabrielle a de plus mis en scène ce spectacle dans lequel la forme va rivaliser avec le fond.

C'est un magnifique décor qui attend le plus ou moins jeune public de la Salle rouge du Lucernaire.
Deux tours en bois reliées entre elles, avec une rosace projetée, le tout symbolisant un monument qui résonne d'une terrible actualité.

Les cloches sonnent dans le noir ! Comme un pressentiment funèbre.
C'est un jeune garçon qui apparaît dans un faisceau de lumière, casquette vissée sur la tête.
Mais oui ! C'est le petit Victor, en personne, qui ne se doute pas encore de son destin.
Le petit Hugo, qui va découvrir le fameux mot Ἀνάγκη ! Ananké ! La fatalité et la mort.
C'est lui également qui aperçoit enlacés pour l'éternité, les deux fameux squelettes, dont un, difforme.

Une suite de parti-pris plus judicieux les uns que les autres va nous faire beaucoup rire, mais également beaucoup nous émouvoir.
Les adaptateurs ont en effet totalement réussi à faire ressortir la substantifique moelle de ce chef-d'œuvre de la littérature.

Avec la capacité à en tirer une vraie dramaturgie ainsi qu'une formidable scénographie.
J'ai beaucoup aimé notamment les thèmes abordés de la condition féminine, de la différence, de l'empathie, qui sont traités très subtilement, et qui parlent aux jeunes têtes plus ou moins blondes du public.

La mise en scène de Sarah Gabrielle est à la fois alerte et très précise. Elle a demandé énormément à ses comédiens qui se donnent sans compter.
Une mise en scène qui tire parti de la verticalité : le décor permet non seulement aux acteurs d'utiliser tout le plateau, mais également du « premier étage » du décor.

Joëlle Lüthi est Victor Hugo enfant, ainsi qu'une facétieuse gargouille.
Avec sa vivacité coutumière, son énergie, son agilité, mais également ses mimiques, ses grimaces, elle tire bien des rires aux spectateurs.
Son « Ah bon !!! » est épatant. (Je vous laisse découvrir.)

Quasimodo, c'est Alexis Consolato en personne.
Un rôle tout en puissance, bien entendu, mais également un rôle qui demande beaucoup de finesse. Le comédien parvient à nous émouvoir, avec ce « monstre » au grand cœur.
Lui aussi se dépense sans compter, avec toutes ses prothèses qui ne sont pas faites pour lui faciliter la tâche.
Sa séquence de hip-hop, comme un clin d'œil, fonctionne à la perfection.

Jordane Hess, que j'avais découvert dans La mort d'Agrippine, la pièce de Cyrano de Bergerac montée la saison passée par Daniel Mesguich, est à la fois Claude Frollo et Phœbus.
Un prêtre austère et un soudard coureur de jupons.
Dans les deux registres, il est épatant.
Qu'est-ce qu'il est drôle, dans son armure ! Qu'est-ce qu'il est effrayant dans sa soutane noire puis sa toge écarlate.
Sa voix, forte et grave, à laquelle l'ingénieur du son ajoute une forte dose de réverbération vous glace alors les sangs !

Et puis la Esméralda est incarnée par Myriam Pruche. La comédienne, ayant plusieurs cordes à son arc joue la comédie, chante et danse.
Elle ne fait pas qu'ensorceler les trois personnages masculins du plateau.
Tout le public se retrouve sous le charme de la demoiselle. Elle nous amuse, également, avec notamment un jubilatoire «Je l'ai... Je l'ai pas ! ».

Les différents duos entre les différents comédiens sont très réussis, qu'ils soient humoristiques, tendus, ou émouvants.
On croit totalement à ce que l'on voit et à ce qui nous est dit.
Tous sont on ne peut plus justes !

Je n'aurai garde de passer sous silence le combat réglé par le célèbre Maître d'armes François Rostain en personne.

Et bien entendu, les amateurs du regretté Georges Brassens se régalent, avec une petite citation qui vient à point nommé. Et non, vous n'en saurez pas plus !

Vous l'aurez compris, pour une sacrée réussite, ce spectacle est une sacrée réussite !

Oui, décidément, les spectacles de Sarah Gabrielle font partie de ceux qu'il serait dommage de laisser aux seuls enfants.

... Histoire d’amour et de guerre, cette pièce fait mouche. La beauté des images et des émotions font de ce spectacle magnifiquement joué, un moment de théâtre impressionnant. Incontournable spectacle que j’ai plaisir à recommander.

... Un spectacle servi avec une chaleur profondément touchante et parfois souriante par une mise en scène précise et délicate, et une interprétation d’excellence. Je recommande vivement.

Zabou Breitman, après sa réussite à la Comédie Française dans Le système Ribadier, et à l'invitation du directeur du théâtre de la Porte Saint Martin, s'est lancée de nouveau dans Feydeau.

Bis répétita placent ?

Je n'irai pas par quatre chemins : il faut aller voir André Marcon et Anne Rotger !
André Marcon campe un exceptionnel général Petypon. Sa composition de cette vieille baderne en pantalon garance est époustouflante !

Anne Rotger est une formidable Gabrielle Petypon.

Il faut la voir, complètement hallucinée, les cheveux en bataille, ou bien extatique à l'apparition du pseudo-ange !
Ces deux-là m'ont beaucoup fait rire. Leurs duos sont un véritable enchantement !
C'est bien simple, ils nous donnent une leçon de jeu théâtral !

Pour le reste, bien des questions se sont posées à moi.

Etait-ce une bonne idée de vouloir faire jouer Micha Lescot comme Laurent Laffite ?

Etait-ce une bonne idée de truffer la pièce de scènes purement visuelles, que j'ai trouvé gratuites ?

(Petypon tirant sur le cordon des domestiques et levant le cyclo du lointain pour faire apparaître les coulisses, les gags visuels à la Marx Brothers, les Dupond et Dupont, un étrange "combat de doigts" qui arrive de façon très étrange et inattendue, la farandole qui s'étire, mais qui s'étire...)

Feydeau, c'est avant tout un texte, un comique de situations ainsi qu'une mécanique infernale.
Casser le rythme c'est casser la mécanique. Etirer la pièce la plus longue et la plus complexe du grand Georges en ajoutant des parti-pris non-feydoliens, c'est forcément prendre énormément de risques...

Etait-ce une bonne idée de faire jouer bien des personnages féminins par des hommes, surtout sans en tirer un quelconque avantage ?

D'ailleurs, le reste de la distribution est-il suffisamment réfléchi ?

La scénographie du deuxième acte est-elle pertinente ?

Bref, je me répète : André Marcon et Anne Rotger sont absolument remarquables !

Un spectacle en chantier !
Ce sont en effet un tas de gravier, une pelle, une brouette, un échafaudage, des plots bicolores, des gilets fluos qui attendent le public sur la scène du Théâtre de Belleville.

Un chantier d'insertion, comme nous n'allons pas tarder à le découvrir.

Voici trois années de cela, les membres du Collectif La Capsule ont eu l'idée d'adapter pour le théâtre la cultissime émission franco-belge Strip-Tease, dont les 418 numéros passionnèrent beaucoup de spectateurs, dont votre serviteur.

Strip-Tease, ou filmer des gens ordinaires, des gens qui ne jouent pas devant une caméra.
Une émission qui se donnait pour objectif de transcrire pour le petit-écran la vie réelle, les gens « normaux », ceux qui n'ont jamais l'opportunité d'avoir la parole.

Une émission qui déshabillait la réalité pour mieux la montrer dans toute ses crudités et cruautés.

Un exercice périlleux. La marge était étroite, le fil était ténu entre description de la vérité et voyeurisme.

Exercice périlleux, donc, pour les quatre comédiens. Forcément.
Ici, il s'agit de jouer des acteurs qui ne jouent pas.

Nous découvrons deux jeunes « des cités », deux jeunes « difficiles » ayant eu des problèmes comportementaux à l'école, dans leur quartier, dans leur famille. Des gamins multi-exclus, ayant atterri dans un foyer de réinsertion.
Sarah et Jean.

Une joute verbale va s'installer entre eux.
Les clichés corporels, vestimentaires, lexicaux, grammaticaux sont mis en avant. Sciemment.
Le metteur en scène Paul Lourdeaux a évidemment demander à ses deux comédiens d'en faire des tonnes. Parce que l'émission en montrait des tonnes. Parce que c'était le principe.

Chirine Boussaha est cette jeune fille « Kaïra ». Son interprétation est très juste.
Il se trouve que j'en ai connu, de ces gamines des cités, qui se collent volontairement une image, un style, pour exister, pour fuir une réalité trop dure. Face à la famille, face aux copains, face à la cité.

La comédienne fait preuve d'un sacré engagement ! Elle joue la rage, la colère, le désespoir avec une vraie conviction.

Elle m'a fait rire, également !
Avec notamment deux dialogues téléphoniques, ou elle donne la réplique avecà l'autre bout du fil, invisibles, un responsable de l'Aide à la subsistance (le choix du menu est jubilatoire), et une employée de l'ANPE, pas encore Pôle-Emploi. (Avec un épatant « Condoléances, Mâdaaame ! » Et je n'en dis pas plus...)

Elle est aussi émouvante, notamment dans la rédaction d'une lettre à sa mère, qui l'a plus ou moins abandonnée.
On comprend alors la grande solitude masquée, passée sous silence, qui emplit la vie de ces mômes.

Paul Meynieux est l'autre jeune. Le duo fonctionne bien.
Ces deux-là ne ménagent pas leur peine pour jouer ces « acteurs de la réalité ».

Thomas Larbey incarne le Proviseur du lycée et surtout le tuteur du chantier d'insertion.

Un quatrième personnage ramène en permanence le public à l'émission.
C'est le réalisateur, incarné par Quentin Kelberine, délaissant le chantier qu'il observe pour aller s'asseoir dans les travées de spectateurs, explicitant à plusieurs reprises ses parti-pris, ses demandes à ses « non-acteurs ».

Des « non-acteurs » qui vont se rebeller, qui ne vont plus accepter d'être filmés, d'être observés comme des souris dans un labyrinthe.
On pense alors aux émissions de télé-réalité qui ont suivi Strip-tease, ou là, régnait pour le coup en maître le voyeurisme le plus obscène.

Ce spectacle, qui peut peut-être déranger, étonner, interloquer, mais ne jamais laisser indifférent, nous propose une mise en abyme de ce qui nous est donné à voir, que ce soit sur un écran, et par extension sur un plateau de théâtre.
Une réflexion sur ce que nous voyons, ce que nous sommes prêts à voir, et sur la représentation d'une réalité plus ou moins acceptée.

Et le titre "Batumambe" du groupe malien L'orchestre régional de Ségou, repris par la fanfare bruxellois Combo Belge, de résonner !

J'ai passé un bien bon moment au Théâtre de Belleville !