Son balcon
SAISON 2022-2023
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Mini Molières
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Critique vétérante
Son classement : 53 / 5709
Avant elle
Gaby Huet
56 critiques
Après elle
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54 critiques
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Orphée et Euridice est sans doute un des mythes les plus étudiés à l’ecole lorsque l’on découvre la mythologie au collège. Quel supplice pour Orphée de ne pouvoir regarder sa douce Euridice pendant qu’il la ramène vers la terre des vivants !
Lorsque Gluck propose ce mythe en 1762, il révolutionne le genre de l’opéra : une oeuvre courte (1h30) resserrée sur ses principaux protagonistes et surtout un rôle magnifique et important pour le chœur.
Effectivement s’il y a un défaut, c’est bien la durée de cet opéra : c’est trop court !!! Nous n’avons pas souvent l’occasion de dire ça.
On succombe progressivement au charme en trois actes :
Acte un : c’est l’enterrement d’Eurydice dans une morne plaine grise qu’il est difficile à apprécier sur le moment mais qui semble parfaite après réflexion. Jakub Józef Orliński semble un peu faible mais les positions, à genoux ou allongé par terre, ne doivent pas favoriser sa voix d’ange. L’arrivée d’Amour (la splendide Elena Galitskaya) le fait se relever, prêt à affronter les Enfers.
Acte deux : Orphée rencontre les ombres infernales qui veulent le punir d’oser venir sur leur territoire. Les morts de l’enfer donne de la voix, c’est magnifique ! La scène rougeoie, les morts sont assis sur leurs linceuls. Visuellement, c’est réussi : on se croirait bien en enfer. Vocalement, l’importance du chœur est hautement appréciable . Jakub Józef Orliński les charme avec la douceur de sa voix. Il retrouve sa bien aimée.
Acte trois : Eurydice (Regula Mühlemann excellente), réveillée des ombres, suit Orphée mais le supplice commence pour Orphée car elle veut le regarder, l’embrasser, se serrer dans ses bras et il ne peut faire cela… On souffre avec lui…
La direction de Thomas Hengelbrock ne souffre d’aucun défaut, c’est un bonheur de suivre le « terremoto » et l’orchestre Balthasar Neumann, composé de spécialistes renommés, livre une prestation sans faille.
La mise en scène du canadien Robert Carsen, reprise par Christophe Gayral peut sembler fade ou triste mais en fait, il faut cette sobriété. Elle est nécessaire pour permettre aux voix du chœur de donner toute leur puissance émotionnelle. Le chœur, c’est celui de Balthasar Neumann et il est excellent évidemment dans cette oeuvre qui le met si bien en valeur.
Lorsque Gluck propose ce mythe en 1762, il révolutionne le genre de l’opéra : une oeuvre courte (1h30) resserrée sur ses principaux protagonistes et surtout un rôle magnifique et important pour le chœur.
Effectivement s’il y a un défaut, c’est bien la durée de cet opéra : c’est trop court !!! Nous n’avons pas souvent l’occasion de dire ça.
On succombe progressivement au charme en trois actes :
Acte un : c’est l’enterrement d’Eurydice dans une morne plaine grise qu’il est difficile à apprécier sur le moment mais qui semble parfaite après réflexion. Jakub Józef Orliński semble un peu faible mais les positions, à genoux ou allongé par terre, ne doivent pas favoriser sa voix d’ange. L’arrivée d’Amour (la splendide Elena Galitskaya) le fait se relever, prêt à affronter les Enfers.
Acte deux : Orphée rencontre les ombres infernales qui veulent le punir d’oser venir sur leur territoire. Les morts de l’enfer donne de la voix, c’est magnifique ! La scène rougeoie, les morts sont assis sur leurs linceuls. Visuellement, c’est réussi : on se croirait bien en enfer. Vocalement, l’importance du chœur est hautement appréciable . Jakub Józef Orliński les charme avec la douceur de sa voix. Il retrouve sa bien aimée.
Acte trois : Eurydice (Regula Mühlemann excellente), réveillée des ombres, suit Orphée mais le supplice commence pour Orphée car elle veut le regarder, l’embrasser, se serrer dans ses bras et il ne peut faire cela… On souffre avec lui…
La direction de Thomas Hengelbrock ne souffre d’aucun défaut, c’est un bonheur de suivre le « terremoto » et l’orchestre Balthasar Neumann, composé de spécialistes renommés, livre une prestation sans faille.
La mise en scène du canadien Robert Carsen, reprise par Christophe Gayral peut sembler fade ou triste mais en fait, il faut cette sobriété. Elle est nécessaire pour permettre aux voix du chœur de donner toute leur puissance émotionnelle. Le chœur, c’est celui de Balthasar Neumann et il est excellent évidemment dans cette oeuvre qui le met si bien en valeur.
A l'évocation de "Bérénice" certains en auront des frissons liés à un traumatisme scolaire. Sans oublier ceux qui voudront fuir rien qu'à lire le nom de l'auteur Jean Racine. Pourtant, ils auraient tort de passer à côté de ce texte du 17e siècle.
Pour résumer assez rapidement l'histoire, Titus va accéder au pouvoir suprême. Il a fait sonder les assemblées romaines concernant son mariage avec Bérénice, reine de Palestine. Elles s'y opposent fermement. Titus n'a pas le choix, même s'il aime passionnément Bérénice, il faut la chasser. Il charge son ami, Antiochus, roi de Commagène, de lui faire la commission. Mais l'homme est secrètement amoureux de la belle. Peut-être qu'elle pourrait alors se tourner vers lui? Bérénice est très contrarié de la situation. Elle refuse de rester proche de TItus qui ne veut plus l'épouser et même bilan pour l'autre. Ils iront se faire voir ailleurs si elle y est.
Rien de bien complexe dans cette tragédie. Alors se pose toujours la question quelle mise en scène faire, avec quel décor et quels costumes. Et rarement le choix se pose sur quelque chose se rapprochant des représentations d'époque. On sait que Muriel Mayette-Holtz aime la modernité comme elle l'a montré lorsqu'elle était à la tête de la Comédie Française. On ne s'étonne pas totalement avec cette chambre à la couleur pâle et ces deux grandes fenêtres. Très vite quand la représentation commence on reste stupéfait devant les jeux d'ombre et les variations de teintes. Les impressions de déjà vu se bouleversent comme si nous étions dans une innovation d'une autre époque, des références à des films policiers américains des années 60, les peintures de Turner voir même "Sin City" de Frank Miller ou des photos de Weegee. Cette fausse maîtrise de perfection se voit dans le détail de la moquette irrégulière avec les traces de pliage pour le rangement. Et surtout sur les tenues que portent Carole Bouquet. Pourquoi une telle actrice qui joue une reine porte une robe de secrétaire mal coupée? Et pourquoi doit-elle porter une nuisette en dentelle transparente où l'on voit son soutien gorge et une culotte gainante? Surtout que son pendant homme lui garde ses vêtements avec le détail de la cravate sur la lampe. Un choix esthétique surprenant par son inélégance.
Par chance, le talent des comédiens est là pour nous emporter de bout en bout. Carole Bouquet arrive avec beaucoup de pudeur et de sensibilité à incarner Bérénice. Une femme honnête et passionnée qui se fait rejeter car elle ne plaît pas au pouvoir. Elle insuffle une force incroyable car elle refuse d'être un vague objet de satisfaction pour ces messieurs. Une icône féministe avant l'heure avec son amour propre et la connaissance de sa valeur. Son rôle est mis en avant grâce à Titus incarné par Frédéric de Goldfiem. Droit, ferme et tendre à la fois, il est celui devant faire face au conflit entre pouvoir et passion. Celui qui sublime vraiment ce classique est Jacky Ido, Antiochus. On ne doute jamais de son exaltation, de son bouillonnement et de sa flamme. Son oeil brille de ce qui lui dévore le coeur jusqu'à en se jeter au sol. Il est rare de voir un amant éconduit aussi convaincant, vibrant et palpitant. Même si leur présence reste discrète Augustin Bouchacourt et Eve Perreur contribuent à ce moment de vie épique.
Une équipe mettant son énergie au service du théâtre.
Pour résumer assez rapidement l'histoire, Titus va accéder au pouvoir suprême. Il a fait sonder les assemblées romaines concernant son mariage avec Bérénice, reine de Palestine. Elles s'y opposent fermement. Titus n'a pas le choix, même s'il aime passionnément Bérénice, il faut la chasser. Il charge son ami, Antiochus, roi de Commagène, de lui faire la commission. Mais l'homme est secrètement amoureux de la belle. Peut-être qu'elle pourrait alors se tourner vers lui? Bérénice est très contrarié de la situation. Elle refuse de rester proche de TItus qui ne veut plus l'épouser et même bilan pour l'autre. Ils iront se faire voir ailleurs si elle y est.
Rien de bien complexe dans cette tragédie. Alors se pose toujours la question quelle mise en scène faire, avec quel décor et quels costumes. Et rarement le choix se pose sur quelque chose se rapprochant des représentations d'époque. On sait que Muriel Mayette-Holtz aime la modernité comme elle l'a montré lorsqu'elle était à la tête de la Comédie Française. On ne s'étonne pas totalement avec cette chambre à la couleur pâle et ces deux grandes fenêtres. Très vite quand la représentation commence on reste stupéfait devant les jeux d'ombre et les variations de teintes. Les impressions de déjà vu se bouleversent comme si nous étions dans une innovation d'une autre époque, des références à des films policiers américains des années 60, les peintures de Turner voir même "Sin City" de Frank Miller ou des photos de Weegee. Cette fausse maîtrise de perfection se voit dans le détail de la moquette irrégulière avec les traces de pliage pour le rangement. Et surtout sur les tenues que portent Carole Bouquet. Pourquoi une telle actrice qui joue une reine porte une robe de secrétaire mal coupée? Et pourquoi doit-elle porter une nuisette en dentelle transparente où l'on voit son soutien gorge et une culotte gainante? Surtout que son pendant homme lui garde ses vêtements avec le détail de la cravate sur la lampe. Un choix esthétique surprenant par son inélégance.
Par chance, le talent des comédiens est là pour nous emporter de bout en bout. Carole Bouquet arrive avec beaucoup de pudeur et de sensibilité à incarner Bérénice. Une femme honnête et passionnée qui se fait rejeter car elle ne plaît pas au pouvoir. Elle insuffle une force incroyable car elle refuse d'être un vague objet de satisfaction pour ces messieurs. Une icône féministe avant l'heure avec son amour propre et la connaissance de sa valeur. Son rôle est mis en avant grâce à Titus incarné par Frédéric de Goldfiem. Droit, ferme et tendre à la fois, il est celui devant faire face au conflit entre pouvoir et passion. Celui qui sublime vraiment ce classique est Jacky Ido, Antiochus. On ne doute jamais de son exaltation, de son bouillonnement et de sa flamme. Son oeil brille de ce qui lui dévore le coeur jusqu'à en se jeter au sol. Il est rare de voir un amant éconduit aussi convaincant, vibrant et palpitant. Même si leur présence reste discrète Augustin Bouchacourt et Eve Perreur contribuent à ce moment de vie épique.
Une équipe mettant son énergie au service du théâtre.
Le Prince Ramiro doit se marier et cherche une épouse honnête et bienveillante. Son tuteur, le philosophe Alidoro, s’est déguisé en mendiant et a repéré dans la demeure du baron Don Magnifico une jeune fille pouvant répondre au souhait du Prince. Sa famille de compose d’un beau-père tyrannique à son encontre et deux demi-sœurs Clorinda et Tisbe semblables à des harpies.
Après les succès du Barbier de Séville et d’Otello en 1816, Gioacchino Rossini, âgé de 25 ans, compose en quelques semaines (début 1817) ‘La Cenerentola, ossia La bontà in trionfo’ (Cendrillon ou le triomphe de la bonté) pour le Teatro Valle de Rome par le librettiste Jacopo Ferretti, s’inspirant du conte éponyme de Charles Perrault. Pour gagner du temps, Il reprend des airs de ses précédents succès, notamment l’ouverture de ‘La Gazzetta’.
Cette reprise de La Cenerentola mise en scène par Guillaume Gallienne a le mérite de mettre en valeur les personnages : le Prince est boiteux, les deux chipies de sœurs de notre héroïne sont très sobres dans leur habillement,… Bref, c’est le jeu des chanteurs qui va être mis en valeur. De plus, le décor sombre et un brin inquiétant d’Eric Ruf renforce cette sensation de sobriété. Le coté merveilleux du conte avec la fée et la transformation magique est oublié, nous sommes dans un univers réaliste.
La direction de Diego Matheuz peut sembler un peu austère pendant l’ouverture qui est assez longue mais il s’anime et mène l’orchestre avec finesse et nuance jusqu’à un final très vivant. L’orchestre et les Chœurs de l’Opéra lui répondent d’une seule voix.
Gaëlle Arquez est donc Angelina (Cendrillon) à la voix élégante, parfaitement à l’aise dans le jeu et notamment pour exprimer la timidité. Pour lui donner la réplique, son prince est interprété par Dmitry Korchak (qui nous avait laissé un superbe souvenir lors du Rigoletto de Claus Guth) le talentueux ténor nous séduit de sa voix posée avec justesse. Il charme les spectateurs avec l’air ‘Si ritrovarla’, jouant aussi parfaitement avec sa jambe blessée pour attirer la sympathie.
Que dire de la bonne fée et où est la pantoufle de verre ? C’est Luca Pisaroni qui incarne le mystérieux philosophe Alidoro en lieu et place de fée et c’est un bracelet qu’il confie à Angelina. Sa présence est à la fois rassurante pour Angélina et inquiétante pour sa belle-famille. Sa voix vibrante nous fait chaud au cœur. Carlo Lepore est parfait dans son rôle du beau-père tyrannique et il est parfaitement à l’aise dans le jeu de scène, à noter le debut de l’acte deux où il est seul devant le rideau encore baissé (‘Sia qualunque delle figlie’) et qu’il séduit le public avec son air cabotin. Il y a aussi son duo avec Vito Priante (Dandini) un peu plus tard où le comique de la situation l’emporte sur le chant. Vito Priante est donc un Dandini remarquable. Le baryton connait déjà le rôle : il le joue et le chante avec beaucoup de talent. Il sera ovationné par le public.
Reste le duo des sœurs d’Angelina parfaitement assorties : la soprano Martina Russomanno (Clorinda) et la mezzo Marine Chagnon (Tisbe) mêlent souvent leurs voix et c’est très harmonieux car leurs tessitures respectives se complètent fort bien.
C’est un succès auprès du public !
Après les succès du Barbier de Séville et d’Otello en 1816, Gioacchino Rossini, âgé de 25 ans, compose en quelques semaines (début 1817) ‘La Cenerentola, ossia La bontà in trionfo’ (Cendrillon ou le triomphe de la bonté) pour le Teatro Valle de Rome par le librettiste Jacopo Ferretti, s’inspirant du conte éponyme de Charles Perrault. Pour gagner du temps, Il reprend des airs de ses précédents succès, notamment l’ouverture de ‘La Gazzetta’.
Cette reprise de La Cenerentola mise en scène par Guillaume Gallienne a le mérite de mettre en valeur les personnages : le Prince est boiteux, les deux chipies de sœurs de notre héroïne sont très sobres dans leur habillement,… Bref, c’est le jeu des chanteurs qui va être mis en valeur. De plus, le décor sombre et un brin inquiétant d’Eric Ruf renforce cette sensation de sobriété. Le coté merveilleux du conte avec la fée et la transformation magique est oublié, nous sommes dans un univers réaliste.
La direction de Diego Matheuz peut sembler un peu austère pendant l’ouverture qui est assez longue mais il s’anime et mène l’orchestre avec finesse et nuance jusqu’à un final très vivant. L’orchestre et les Chœurs de l’Opéra lui répondent d’une seule voix.
Gaëlle Arquez est donc Angelina (Cendrillon) à la voix élégante, parfaitement à l’aise dans le jeu et notamment pour exprimer la timidité. Pour lui donner la réplique, son prince est interprété par Dmitry Korchak (qui nous avait laissé un superbe souvenir lors du Rigoletto de Claus Guth) le talentueux ténor nous séduit de sa voix posée avec justesse. Il charme les spectateurs avec l’air ‘Si ritrovarla’, jouant aussi parfaitement avec sa jambe blessée pour attirer la sympathie.
Que dire de la bonne fée et où est la pantoufle de verre ? C’est Luca Pisaroni qui incarne le mystérieux philosophe Alidoro en lieu et place de fée et c’est un bracelet qu’il confie à Angelina. Sa présence est à la fois rassurante pour Angélina et inquiétante pour sa belle-famille. Sa voix vibrante nous fait chaud au cœur. Carlo Lepore est parfait dans son rôle du beau-père tyrannique et il est parfaitement à l’aise dans le jeu de scène, à noter le debut de l’acte deux où il est seul devant le rideau encore baissé (‘Sia qualunque delle figlie’) et qu’il séduit le public avec son air cabotin. Il y a aussi son duo avec Vito Priante (Dandini) un peu plus tard où le comique de la situation l’emporte sur le chant. Vito Priante est donc un Dandini remarquable. Le baryton connait déjà le rôle : il le joue et le chante avec beaucoup de talent. Il sera ovationné par le public.
Reste le duo des sœurs d’Angelina parfaitement assorties : la soprano Martina Russomanno (Clorinda) et la mezzo Marine Chagnon (Tisbe) mêlent souvent leurs voix et c’est très harmonieux car leurs tessitures respectives se complètent fort bien.
C’est un succès auprès du public !
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Il faut reconnaitre que pour son dernier spectacle (préparé durant le confinement), elle nous a surpris, je dirais aussi déroutée, la voici qui se lance dans la méditation, le retour sur soi, enfin, elle a de bons partenaires, Shakespeare, Molière et Beckett.
Entre improvisation avec le public, le bébé qui pleure (quelle idée d’emmener de jeunes enfants !), la dame qui se lève et sort pour un petit moment, Emma l’interpelle « tu vas faire pipi ? on t’attend ? », et toujours le traditionnel « comment tu t’appelles toi ? ».
Elle joue avec les lumières, jamais contente, elle apostrophe le chef de plateau, pour l’aider à sa position lotus ! le rappelle pour l’aider à se relever, enfin, difficile de faire le vide et de se retrouver.
Elle amuse avec son imitation de comédienne pour une scène de Molière, après, lui reviennent les répliques d’Hamlet, enfin elle attend toujours Godot.
J’avoue que j’ai eu du mal à entrer dans son histoire, mais Emma sera toujours Emma ou Meriem comme on veut !
Entre improvisation avec le public, le bébé qui pleure (quelle idée d’emmener de jeunes enfants !), la dame qui se lève et sort pour un petit moment, Emma l’interpelle « tu vas faire pipi ? on t’attend ? », et toujours le traditionnel « comment tu t’appelles toi ? ».
Elle joue avec les lumières, jamais contente, elle apostrophe le chef de plateau, pour l’aider à sa position lotus ! le rappelle pour l’aider à se relever, enfin, difficile de faire le vide et de se retrouver.
Elle amuse avec son imitation de comédienne pour une scène de Molière, après, lui reviennent les répliques d’Hamlet, enfin elle attend toujours Godot.
J’avoue que j’ai eu du mal à entrer dans son histoire, mais Emma sera toujours Emma ou Meriem comme on veut !
Racine a écrit Bérénice en 1670, Muriel Mayette-Holtz a choisi de transposer ce drame amoureux à notre époque.
Appartement simple, lumineux, un lit jonché de coussins. C’est le matin.
Antiochus entre, c’est un grand prince d’Orient, Titus a pu compter sur lui pour vaincre la Judée. Et comme Titus, Antiochus aime Bérénice. Il souffre pour elle, il fait tout pour elle, Bérénice le considère comme un ami, rien d’autre.
Bérénice, reine de Palestine a été ramenée à Rome par Titus, ils s’aiment depuis plusieurs années. Elle est amoureuse de l’homme, pas du prince, mais celui-ci vient de succéder à son père, et son devoir exige qu’il choisisse entre son amour et la raison d’Etat.
Voilà donc le sujet de cette tragédie, qui est peu jouée et c’est bien dommage, un beau texte pourtant.
Carole Bouquet apporte sa féminité et sa douceur à cette reine aimée mais rejetée, elle aura le courage d’affronter son destin.
Frédéric de Goldfiem est un Titus profond, malheureux, mais déterminé. Jacky Ido est tout en douleur, Augustin Bouchacourt et Eve Perreur sont les confidents discrets mais importants.
Appartement simple, lumineux, un lit jonché de coussins. C’est le matin.
Antiochus entre, c’est un grand prince d’Orient, Titus a pu compter sur lui pour vaincre la Judée. Et comme Titus, Antiochus aime Bérénice. Il souffre pour elle, il fait tout pour elle, Bérénice le considère comme un ami, rien d’autre.
Bérénice, reine de Palestine a été ramenée à Rome par Titus, ils s’aiment depuis plusieurs années. Elle est amoureuse de l’homme, pas du prince, mais celui-ci vient de succéder à son père, et son devoir exige qu’il choisisse entre son amour et la raison d’Etat.
Voilà donc le sujet de cette tragédie, qui est peu jouée et c’est bien dommage, un beau texte pourtant.
Carole Bouquet apporte sa féminité et sa douceur à cette reine aimée mais rejetée, elle aura le courage d’affronter son destin.
Frédéric de Goldfiem est un Titus profond, malheureux, mais déterminé. Jacky Ido est tout en douleur, Augustin Bouchacourt et Eve Perreur sont les confidents discrets mais importants.