Vertigineuse, fascinante, brillante, cette création française de la pièce Splendeur, à la Scène nationale de Sénart !
La metteur en scène belge Delphine Salkin s'est emparée à bras le corps de l'œuvre de l'auteure galloise Abi Morgan, traduite par Daniel Loayza, pour nous donner une véritable leçon de théâtre !
Un vrai choc littéraire et dramaturgique !

La pièce pourrait être sous-titrée En attendant Oolio.

Nous sommes dans la splendeur d'un palais résidentiel, celui du dirigeant Oolio, donc, dans un pays où il neige. (En témoignent les deux étendues blanches à jardin et cour.)
Quatre femmes attendent sa venue.

Sa richissime femme Micheleine, aux deux cents sacs à main tous assortis à ses chaussures, aux sous-vêtements chics La Perla, à l'accent et aux intonations pointues de très grande bourgeoise.
Son amie de trente-cinq ans, Geneviève, aux cheveux mouillés par la neige.
Une photographe américaine, Kathryn, venue shooter Oolio, et sa jeune traductrice Gilma.
Elles discutent, papotent...

Grâce à l'écriture d'Abi Morgan, et c'est là le principal intérêt littéraire de l'entreprise, nous allons assister tout au mong de la pièce à des « actes-rewind », un peu comme lorsque l'on revient plusieurs fois sur une même scène sur son lecteur de DVD.

Sauf que dans le cas présent, il va s'agir en fait d'une vertigineuse lecture-puzzle et kaléidoscopique. Dans chaque « acte-rewind », nous allons nous rendre compte de micro-changements et micro-variations, subtils, insidieux ou plus marqués, qui en étant distillés progressivement, vont finir par nous éclairer sur la terrible réalité du monde qui se trouve devant nous.

Comme dans chaque grand texte nous autres spectateurs allons devoir travailler. Nous allons devoir remettre les pièces du puzzle en ordre, nous allons devoir collecter les informations qui vont nous être fournies au compte-goutte.
Nous allons devoir nous approprier un temps théâtral et global très particulier, composé de plusieurs temps, chacun narré au présent, pour arriver à reconstituer la réalité et surtout la vérité.

Ces quatre femmes mentent, chacune avec sa part d'ombre, de mystère.

Nous assistons en fait à la fin d'un monde, d'un amour, d'une amitié qui tous se fissurent, se délitent impitoyablement, dans une implacable progression. Devant nous, une œuvre de destruction se déroule, devant nos yeux s'écroulent de façon de plus en plus glaçante, horrible parfois, des relations, une société délétère et un pays au système politique épouvantable.

La mise en scène de Delphine Salkin est une remarquable chorégraphie, parfois très cinématographique, d'une précision et d'une rigueur phénoménales.
Et il en faut pour orchestrer toutes les variations de cette diabolique partition, d'autant, me disait-elle lors du passionnant bord-plateau qui a suivi, que les didascalies ne sont pas si nombreuses que cela...

Et puis bien entendu, ce texte nécessite d'avoir sous la main quatre exceptionnelles comédiennes.
Je pèse cet épithète « exceptionnel ».

Christiane Cohendy (Micheleine), Roxanne Roux (Gilma), Laurence Roy (Geneviève) et Anne Sée (Kathryn) vont toutes déployer leur large palette de jeu et leur très grand talent, pour interpréter ce texte très ardu.

En effet, elles doivent composer dans chaque « acte- rewind » avec des répliques dites précédemment par leurs camarades, avec ou sans légers changements, avec des ruptures magnifiques. Leurs différentes actions sont également reprises, échangées, leurs déplacements varient eux aussi subtilement.
Ce qu'elles font est phénoménal. D'autant que l'aspect performance doit se faire oublier au profit de l'émotion et de la vérité du jeu.
Chapeau Mesdemoiselles ! J'étais très sincèrement admiratif !

Un autre élément vient nous permettre la prise d'indices et d'inférences de cette réalité : la création sonore.
Pascale Salkin, la sœur de la metteure en scène, a composé une partition musicale et sonore d'une très grande richesse, qui participe non seulement à l'ambiance qui se dégrade, mais qui nous aide également à nous y retrouver.
Des nappes de cordes, des sons étranges, des bruits plus ou moins rapprochés, latéralisés,spatialisés, viennent eux aussi nous renseigner.
Là aussi, du grand art.

J'ai été très impressionné par cette entreprise artistique.
Personne ne peut sortir indemne de cette pièce, à laquelle il faut vraiment assister.
Après la création à Sénart, elle partira en tournée, notamment très prochainement à Malakoff.

Nul doute que Splendeur se retrouvera sur le plateau d'une très grande scène nationale parisienne.

Cette pièce est appelée à devenir un classique théâtral du XXIème siècle, et sa création française restera à n'en pas douter dans les annales.

Il est des pièces auxquelles un critique est fier d'avoir assisté, et d'être l'un des premiers à avoir écrit un papier à son sujet.
C'est mon cas, avec Splendeur !

Patricia est mère de famille, son grand gamin de 34 ans est styliste, déjanté, et grand bébé. Ron le mari, est fou de musique country, de voitures, enfin tout ce qui ne passionne pas du tout notre Pat !

Mais tout va changer, un coup de sonnette et une dame élégante entre dans l’appartement. Pat est déjà de fort mauvaise humeur, mais se radoucit et se trouble devant Jeanne, c’est normal Jeanne a été son grand amour Jean il y a quelques années de cela !

Et pas plus gêné que ça, il a pris sa valise et demande asile à son ex, il est aussi poursuivi par un malfrat.

Pat pas rancunière accepte d’accueillir Jean/Jeanne et le fait passer pour une cousine, enfin rien n’est simple… Ron est heureux il va vendre ses panneaux de signalisation en Chine, ce qui nous donne une démonstration à mourir de rire, de son génie !

Mais surtout, Pat retrouve le goût de composer, de pianoter, enfin elle va pouvoir sortir de son rôle de bonne épouse au foyer, dont elle n’a que faire, mais c’est là que les choses se compliquent, si Jeanne veut absolument chanter les chansons de Pat, il faudrait déjà se débarrasser de Ron qui n’a guère la fibre musicale, et alors là les choses se corsent ! Le complot est aussi assez tordu...

Isabelle Mergault, a déjà la sympathie du public, et elle signe là une bien joyeuse comédie, mise en scène tambour battant par Christophe Duthuron. Laurent Gamelon a toujours une présence réconfortante, Jean-Louis Barcelona est drôlissime dans le rôle du fiston, Philippe Vieux est étonnant dans son rôle de Jeanne (il remplace Victoria Abril initialement prévue), Rémy Roubakha apporte la note “polar” à la pièce.

Le final est musical bien entendu, mais je vous laisse la surprise !

Ah les vacances, les bons amis, la Provence, les cigales, tout est prêt pour le rendez-vous annuel de trois couples.

Et puis le maître des lieux nous interpelle, il a l’habitude de faire une bonne blague à ses amis tous les ans. Cette fois il a choisi quelques pièces de monnaie, posées dans une coupelle à la vue de tous.

Il attend que l’un d’eux prenne sans le dire ces 2 euros 20… que va-t'il se passer ?

Les chambres sont distribuées, la meilleure au couple en difficulté financière, la petite maison isolée à un autre en difficulté amoureuse, et la chambre avec salle de bains commune au dernier. Tout ce petit monde, sourire aux lèvres, blague, se rappelle les années précédentes et les locations plus ou moins réussies, l’air de rien on se balance quelques vacheries quand même ! Et puis les amateurs de tennis, mauvais perdants, enfin tout ce qui fait le quotidien d’une location entre amis !

Voilà que l’argent disparaît… qui l’a pris, qui a osé ?

On accuse, on juge, et puis le pot aux roses est découvert, alors maintenant que ces quelques pièces ont permis de toucher le gros lot, les règlements de compte, plus ou moins tordus vont commencer. L’argent fait le bonheur après tout, mais encore faut-il savoir l’utiliser, le partager ? que feriez-vous si le pactole vous tombait dessus ?

L’amitié, l’argent, le loto, tout est finement mouliné dans cette nouvelle comédie de Marc Fayet, on retrouve avec plaisir les comédiens qui ont souvent joué sous la direction animée de José Paul.

Un bon moment de détente, pour une comédie tout public.

William, Fédérico, Vittorio, Luigi, Roberto, Dino, tous ensemble, tous ensemble, tous !

En réunissant artistiquement et avec une réelle virtuosité Shakespeare, Fellini, De Sica, Comencini, Rosselini et Risi, Frédérique Lazarini, assistée de Lydia Nicaud, signe une épatante adaptation de l'une des premières et des plus misogynes comédies de Shakespeare.

Sa mégère apprivoisée se situera dans les années 50-60, en Italie, forcément, au temps du néoréalisme cinématographique.

La metteure en scène a judicieusement et très astucieusement mêlé théâtre et 7ème art.
La jolie scénographie de François Cabanat ne laisse d'ailleurs planer aucun doute : nous sommes sur une place de quartier, sur laquelle on a installé des bancs, pour assister à une projection publique en plein air.

Cette soi-disant mégère se comportera en effet comme ces héroïnes italiennes : une femme éprise de liberté, féministe avant l'heure, revendiquant le besoin d'indépendance et la nécessité de faire entendre sa voix.
Le début du XVIIème siècle comme cette époque d'après-guerre ne permettent pas à ces femmes de prendre leur destin en mains.
Le parallèle est frappant, et le parti-pris de Melle Lazarini fonctionne à la perfection.

Les projections de séquences filmées, en noir et blanc, réalisées par Bernard Malaterre alterneront avec la dramaturgie théâtrale à proprement parler.
Les comédiens à l'écran auront même des interactions avec ceux en chair et en os.
Là encore, une grande habileté est de mise.

La mise en scène est physique, enlevée, mêlant souvent comedia del' arte et comédies à l'italienne.
Tout s'enchaîne à une rapidité folle, les coups pleuvent, on crie beaucoup, les situations burlesques sont légion.

A cet égard, Toto, le comédien emblématique italien, sera d'ailleurs « invité » sur scène.
(Dans les pizzérias françaises, on aperçoit souvent une photo de Toto, l'air plus triste que jamais, se saisissant de ses spaghettis à pleine poignée. La référence sera d'ailleurs utilisée dans la pièce, mais je n'en dis pas plus...)
C'est Guillaume Veyre qui interprète ce rôle du valet Toto-Tranio, avec virtuosité et une réelle vis comica. Ses mimiques, ses double-takes, sa gestuelle très slapstick font beaucoup rire les spectateurs.

Le couple Catarina (Sarah Biasini) et Petruchio (Cédric Colas) fonctionne lui aussi à la perfection.
Les deux artistes incarnent de façon jubilatoire ces deux êtres si mal assortis.

Le propos de la pièce nous est évidemment insupportable. Cédric Colas est parfait en macho pathétique et monstrueux, ayant pour seul but de « dresser » son épouse rebelle.

En blouson de cuir sur marcel blanc, descendant de son « fidèle destrier », le comédien parvient très facilement à être ignoble, sur scène et à l'écran, notamment le jour de son mariage.

Ses adresses au public sont formidables !

Melle Biasini réussit pleinement la transformation de son personnage : d'insoumise, elle deviendra totalement obéissante.
Jusqu'à ce que....

Frédérique Lazarini a trouvé de façon magistrale et très inventive comment terminer sa pièce.
En prenant appui sur Judith, la sœur de Shakespeare, et une auteure célèbre, elle nous donne une conclusion qui nous montre que sa mégère ne baisse pas les bras, qu'elle n'est pas dupe, et que le public ne l'est pas plus : les femmes ne doivent en aucune façon se laisser dominer par la gent masculine.
Et non, vous n'en saurez pas plus, je vous laisse découvrir la mise en abîme !

Deux autres comédiens se retrouvent sur la scène.
Maxime Lombard est un Baptista, père de Catarina, tout en bonhommie, truculence et bonne humeur. Il chante très joliment le bel canto et les ritournelles italiennes. Il m'a fait penser à Jules Raimu.

Et puis Pierre Einaudi campe parfaitement Lucentio, le beau-frère de Catarina.

Vous l'aurez compris, il vous faut donc aller voir ces quatre-vingt dix minutes qui passent beaucoup trop vite.
Cette mègère apprivoisée-là est une vraie réussite.

L'adaptation de cette pièce rarement donnée de nos jours en raison du propos devenu totalement inacceptable, cette adaptation-là est épatante.

Mais voilà que j'allais oublier : les amateurs de péplums, de Vespas et de gaines Seduzione (si si...) ne seront vraiment pas déçus !
Prego !

Pas convaincu par l’expérience de voir cet auteur que j’apprécie écrire pour le théâtre.
Dix Ans Après démarre plutôt bien. Le synopsis ne donnait pas trop d’idée d’à quelle sauce serait mangé le spectateur. La situation du couple qui reçoit un ami perdu de vue est amusante, les premiers dialogues font mouche.

Hélas, les scènes suivantes mélangent fadeur et absurdité. Jusqu’à remplacer mon sourire et mon espoir de passer un bon moment par de l’ennui.

Bruno Solo, Mélanie Page et Julien Boisselier jouent bien.

J’espérais également davantage d’audace dans la mise en scène de Nicolas Briançon.

Assez déçu.