Il avait chaussé ses souliers tricolores, le grand ordonnateur de la soirée !
14 juillet oblige !
Pour cette septième édition, co-produite par France 2 et Radio France, Stéphane Bern, smoking bleu, cheveux désormais lissés, raie à gauche, présentait le désormais traditionnel concert classique sur le Champ de Mars.

Au pied de la Tour Eiffel qui fêtait ses cent-trente printemps, nous étions quelque 500 000 spectateurs réunis, certes pour ce grand barnum médiatique, mais également pour le somptueux feu d'artifice qui devait suivre ces deux heures et demi de spectacle.

Cette année, plusieurs artistes se partageaient la vedette.

En tout premier lieu, il convient de mentionner le magnifique Orchestre National de France, et le non moins magnifique chœur de Radio France. (Les choristes adultes seront rejoints par quelques jeunes de la Maîtrise de Radio France que dirige l'excellente Sofi Jeannin).

A la tête de tout ce beau monde, le chef Alain Altinoglu, qui tirera le meilleur de tous ces grands musiciens.

Il faut être très clair. Ce concert, c'est avant tout une volonté des deux chaînes du service public, télé et radio, de proposer une soirée musicale à la fois populaire et de qualité !
Nous assisterons donc à deux heures de « tubes » classiques.
Il est donc hors de question de chercher dans le programme des œuvres rares ou inédites.

Des stars vont se succéder sur la scène du Champ-de-Mars.

En tout premier lieu, Roberto Alagna et son épouse à la ville comme bien souvent à la scène, la soprano Aleksandra Kurzak.

Le ténor interprétera quelques airs du répertoire, ainsi qu'une version de « La mama », de feu Charles Aznavour. A ses côtés, la guitariste virtuose Xuefei Yang. (Un peu plus tard, elle nous donnera le célèbre Concerto d'Ajanjuez.

Le célébrissime ténor interprétera également le très connu duo de La Périchole « Vous a-t-on dit souvent », avec Gaëlle Arquez. Les fans d'Offenbach, dont votre serviteur, se régalent !

Sans oublier l'air « Rachel, quand du Seigneur », tirée de l'opérette La Juive, de Fromental et Halévy.

Et puis le couple nous chantera le fameux « Heure exquise qui nous grise », de Franz Lehar, tirée de l'opérette La Veuve joyeuse.

Autre grand moment de la soirée, l'interprétation de « L'ode à la lune », de Anton Dvorak par une autre star, du violoncelle cette fois-ci, à savoir Gautier Capuçon.

Khatia Buniatishvili s'emparera des quatre-vingt huit touches du Steinway pour le 3ème mouvement du Concerto N°1 pour piano et orchestre de Tchaikovski.

Moi, j'étais surtout venu pour Jakub Josef Orlinski !

Etoile montante de la scène lyrique mondiale, le contreténor polonais a illuminé la soirée !
Il nous a donné le fameux air « Vedro con moi diletto » d'Antonio Vivaldi, tiré de son opéra Giustino.
Les notes et la voix du jeune chanteur semblaient monter au ciel, en passant par le dernier étage de la Tour Eiffel.
Une grande émotion saisit alors tous les spectateurs.

Une ovation salua la prestation de Jakub Josef Orlinski !
(Un artiste lyrique contreténor par ailleurs spécialiste de break-dance, comme devait nous le prouver un sujet pré-enregistré, diffusé par le réalisateur de la soirée, François ­Goetghebeur.)

Au cours de la soirée se succéderont la célèbre ouverture de Carmen, « La habanera », la danse hongroise N°5 de Brahms, « La danse du sabre » de Aram Katchaturian, le « Va pensiero » de Verdi, « Le veau d'or » du Faust de Gounod, autant d'autres « tubes » qui seront donnés pour le plus grand plaisir de tous.

Sans oublier pour terminer l'hymne européen, la célèbre « Ode à la joie », avec les quatre Aleksandra Kurzak, Gaëlle Arquez, Roberto Alagna et René Pape.

Et puis 14 juillet oblige, une Marseillaise finale, dans la version orchestrée par Hector Berlioz.
L'ordonnateur aux chaussures tricolores sus-nommé est au garde-à-vous sur la scène !

Les petits drapeaux tricolores et européens s'agitent alors frénétiquement.
J'ai pu noter au passage sur l'un des fanions bleu-blanc-rouge distribués au public une mention revendicative : « Des sous pour Radio-France » ! Le message est clair !

Il sera l'heure alors pour Alain Altinoglu de lancer ses musicales troupes pour une dernière œuvre « Also sprach Zarathustra », de Richard Strauss.
La dernière note est enchaînée avec les infra-basses qui débutent la bande-son du gigantesque feu d'artifice !
La société pyrotechnique Ruggieri peut être fière de ses employés !

On l'aura compris, oui, le service public radio-télé peut proposer un spectacle de très grande qualité, populaire et accessible par tous, qui plus est diffusé en direct dans trente-cinq pays.
Quelque quatre-cent-cinquante techniciens étaient mobilisés pour l'occasion !

Les Cinq de cœur sont de retour et ce fut à nouveau l’occasion de passer une bonne soirée d’humour musical en leur compagnie.

Humour musical me direz-vous ? Oui car ce quintet de chanteurs a cappella mélange avec une bonne humeur communicative nos classiques avec des artistes pop rock contemporains et en plus ils ‘jouent’ sur scène une histoire avec moult ressorts comiques tout en chantant.

Cette fois ci, nous assistons au réveil des Cinq et comment va se dérouler leur journée musicale où, par exemple, Purcell va côtoyer Pharell Williams, en nous procurant un plaisir évident !

J’aime particulièrement les voix de Pascale Costes (une soprano magnifique) et de Sandrine Mont-Coudiol (une belle voix chaude d’alto) mais les trois autres ne déméritent pas : Karine Sérafin, Patrick Laviosa et Fabien Ballarin.

Ce qui m’a marqué dans ce spectacle : La reprise de l’été indien avec (non je ne peux pas vous le dire il faut y aller pour comprendre !) est hilarante, le générique de Game of Thrones m’a fait mourir de rire et la version de ‘Respect’ m’a beaucoup plu !

Avec juste cinq éléments de mobilier qui servent à la fois de lit et de placard pour se changer, Philippe Lelièvre propose une mise en scène fluide et astucieuse.

Sortie bien agréable pour un soir d’été à Paris, la salle Réjane, du théâtre de Paris, est climatisée, profitez-en !!

De plus, si vous êtes chanceux, vous vous verrez offrir un bonbon en guimauve par un des membres de ce joyeux ensemble ! Levez la main rapidement !!

#BalanceTonDonGiovanni

Pour Ivo Van Hove, l'affaire est définitivement entendue.
Le héros de Mozart et Da Ponte est bel et bien un redoutable prédateur sexuel, doublé d'un assassin.
La petite fumée qui sort de la scène ne laisse planer aucun doute, les Enfers ne sont pas loin.

Ce type est on ne peut plus sulfureux.

Le metteur en scène le condamne d'emblée. Sans autre forme de procès.

Elle est loin l'image du gentil séducteur que l'on pouvait parfois avoir dans certaines mises en scène passées.
L'affaire Weinstein a laissé quantité de traces. Indélébiles.

La vision du metteur en scène belge du chef-d'œuvre mozartien sera sombre, très sombre. Austère et grise. Une grande sobriété va régner durant ces trois heures.
A l'image de ces éléments architecturaux qui attendent le public sur la scène du Palais Garnier.

Trois gigantesques tours de béton précontraint, reliées entre elles par des escaliers apparents, ou que l'on devine, entre grandes fenêtres ou cours intérieures.
Immanquablement, on pense aux constructions labyrinthiques et surréalistes de M.C. Escher, qui lui même s'inspira du peintre Giovanni Battista Piranesi.
Une vision de la Cité pesante, lourde, oppressante, éclairée par une lumière crue, froide, une Cité dans laquelle la fuite n'est pas permise et où le destin devra s'accomplir coûte que coûte.

Ces trois tours sont installées sur des tournettes. Elles pivoteront sur elles-même très lentement, de façon imperceptible, pour finalement créer un mur entier, plein, froid, où Don Giovanni sera acculé.

C'est alors qu'une fantasmagorique vidéo (merci Christopher Ash) y sera projetée, représentant à la toute fin de l'acte 2 les victimes du prédateur. Des victimes par milliers, qui gisent et se contorsionnent dans d'affreux tourments, se rapprochant inexorablement de nous.
Cette vision dantesque est saisissante.

Ivo van Hove a situé l'action de nos jours, si l'on en juge les costumes et les accessoires des chanteurs.
Don Giovanni et Leporello sont habillés de somptueux costumes noirs.
Le maître a de plus une cravate assortie ainsi qu'un long imperméable gris, bien pratiques pour l'échange vestimentaire de l'acte 2.
Il n'hésite pas à dégainer un pistolet automatique, avec lequel il assassinera le Commandeur.

Tous les costumes de cette production seront eux aussi noirs, sombres, ou gris, comme les chemises des villageois.
Seules quelques mannequins féminins (les conquêtes précédentes, probablement) seront vêtues de robes aux couleurs plutôt vives, pour la scène des masques.

Les interprètes de cette mise en scène, tous autant chanteurs que comédiens sont jeunes. Rarement l'œuvre est jouée avec une distribution aussi « juvénile ».
Mais attention : une jeune distribution certes, mais avant tout une distribution de grande qualité.

A son habitude, Van Hove dirige ses acteurs de façon précise, intense, tendue. Les jeunes interprètes ne sont pas lâchés avec mission de « folâtrer »... Pas du tout.

Philippe Jordan est chez lui, avec ses fidèles troupes de l'Orchestre et des Chœurs de l'Opéra.
Il assure également les parties de piano-forte pour les récitatifs.
Sa vision musicale de l'œuvre est violente, comme le héros, sans concession, presque sauvage, par moments.
A l'image de son premier geste de direction qui non seulement lance l'interprétation de l'ouverture, mais aussi l'allumage cru de la scène, (l'effet sera renouvelé au début de l'acte 2), il y a quelque chose de dur, de froid dans tout ça.
Le choix qu'il a fait de cette « dureté » est payant. Il sera ovationné aux saluts !

Une grande cohérence va régner tout au long de cette représentation, l'avant-dernière de la saison.

Le baryton Etienne Dupuis, dans le rôle-titre, est brillant. Son phrasé est à l'image du personnage, dur, violent, mais lors des scènes de séduction, un beau legato enchante tout le monde.
Un petit regret : il chante l'air de la sérénade hors plateau...
Beaucoup d'engagement ressort de son jeu. Il court beaucoup, tombe, se jette par terre. Son célèbre air du catalogue fait merveille, et provoque volontairement par le jeu quelques rires du public.

Philippe Sly en Leporello lui donne une impeccable réplique. La scène d'échange des costumes est un formidable moment. Lui aussi a un rôle très physique. De nos jours, il faut très bien chanter en bougeant énormément.
Les deux seront très applaudis.

Donna Elvira-Nicole Car (l'épouse à la ville d'Etienne Dupuis) mène la vie dure à son Giovanni...
Elle est magnifique de rage, de fureur. Les duos du couple sont prétexte à de très beaux et très délicats moments tout en douceur et suavité.

Un autre couple épatant, c'est celui de Zerlina-Masetto !
Elsa Dreisig est parfaite, tour à tour féroce, tendre, sensuelle. Son timbre chaud, son vibrato parfaitement maîtrisé et son beau phrasé remportent tous les suffrages.
Mikhail Timoshenko est Masetto (il fut le Mithiouka de Boris Godounov, déjà mis en scène récemment à Bastille par Ivo Van Hove). Lui aussi sera très applaudi, son charisme et son timbre chaud et rond faisant merveille.

J'ai été également enthousiasmé par Stanislas de Barbeyrac qui est un grand Don Ottavio. Une grande présence scénique alliée à un beau timbre ravissent les spectateurs.

Quant à Jacquelyn Wagner, elle campe une Donna Anna très forte, très concernée. J'ai beaucoup aimé son timbre très fin, très cristallin,

Quant au Commandeur, c'est un autre habitué des lieux qui s'y colle.
On avait récemment applaudi la basse estonienne Ain Anger en Pimène, à Bastille, toujours dans le Boris Godounov.
Sa voix (très) grave, profonde convient à merveille au Commandeur. Il est très impressionnant !

On le sait, Don Giovanni mourra, permettant ainsi à la morale d'être (relativement sauve), permettant également à la vie de reprendre, aux balcons de refleurir.
Pour autant, les difficultés ne seront pas toutes aplanies.
Certains devront même attendre une année entière afin de convoler... Et en une année, il peut s'en passer...

La vision très aboutie d'Ivo Van Hove, si elle ne révolutionne certes pas l'œuvre de Mozart-Da Ponte, en permet une lecture très actuelle, très contemporaine.
Elle permet également de rappeler s'il en était encore vraiment besoin, le caractère universel du propos de cette partition et de ce livret.
#MeToo

Dans le cadre du mois Molière à Versailles, j’ai eu le plaisir de découvrir La Vie Parisienne de Jacques Offenbach mis en scène par le talentueux Nicolas Rigas (chouette souvenir de l’école des femmes au Déjazet) qui fête cette année les 100 ans du théâtre du Petit Monde dont il est le directeur. 2019, c’est aussi les 200 ans de la naissance du compositeur.

J’adore cette œuvre de jacques Offenbach que j’ai eu l’occasion de voir plusieurs fois dans des configurations très variées. Mon souvenir le plus prégnant reste la version d’Alain Sachs au théâtre de Paris il y a quelques années.

Un couple de nobles étrangers débarque à Paris pour découvrir la ville et ses charmes. Gardefeu, avec la complicité de son ami Bobinet, va se faire passer pour un guide parisien afin de se rapprocher de l’épouse du prince car il rêve d’avoir pour amante une femme du monde. Il faudra pour cela occuper le prince avec des diners et des danses afin qu’il ait les mains libres… Voilà c’est la Vie Parisienne !
Musicalement, le choix du maitre s’est porté sur un ensemble de quatre musiciens excellents (Jacques Gandard au violon, Robin Defives au violoncelle, Emma Landarrabilco à la flute et Elodie Soulard à l’accordéon) qui propose une bien belle partition et j’ai beaucoup apprécié l’apport original et festif de l’accordéon.

J’ai aussi apprécié le joli timbre de Nicolas Rigas qui est fort bien entouré, c’est vraiment plaisant de les écouter chanter et de les regarder évoluer sur scène car avec peu de décor, on change de pièce avec beaucoup de fluidité. Les jolis costumes sont de Nicolas Aubagnac qui cumule les compétences car il campe le serviteur Urbain avec brio. Les chorégraphies de caroline Marcardé sont très sympathiques.
J’ai particulièrement retenu les voix de Florence Alayrac (Métella)et d’Olivier Hernandez ( le brésilien et le bottier) mais personne ne démérite.

On prend beaucoup de plaisir avec cette version qui réunira petits et grands.

Seul regret dans cette version, c’est l’adaptation choisie pour le couple de noble étranger : pourquoi avoir transformé le couple de nobles suédois en un couple d’Arabie Saoudite ? Même si Philippe Ermelier, qui joue le prince saoudien, est drôle à souhait dans ce personnage, ce changement n’apporte rien à mon sens.

Un soir de l’hiver 1770, à Dresde, le célèbre Giacomo Casanova, déjà âgé de 45 ans, rend visite à sa mère la comédienne à la réputation sulfureuse Zanetta Farussi, elle-même âgée de 65 ans. Ce n’est pas elle qui l’a élevé mais la grand-mère de celui-ci, il en conçu une certaine amertume. La rencontre de ces deux-là ne peut que provoquer des étincelles et donner lieu à quelques règlements de compte.

Cette rencontre imaginée par Christian Rome entre la mère et le fils est le prétexte à un choc entre deux personnalités fortes. Casanova est connu pour ses frasques et pas seulement amoureuses. Zanetta moins connue du public était une comédienne qui a joué dans de nombreux théâtres européens et connue pour sa beauté.

Pour incarner Zanetta, le choix de Marie-Christine Adam est un choix pertinent. J’apprécie cette comédienne et c’est d’ailleurs son nom qui m’a décidé à venir voir cette pièce au Lucernaire. Par moment, elle s’enflamme quand Zanetta évoque son passé et semble ne pas jouer le texte mais le vivre. La robe rouge qu’elle porte lui confère grâce et une belle allure qui lui sied parfaitement. Face à elle, Alain Sportiello a fort à faire pour nous proposer un Casanova qui nous fasse rêver. N’a pas la prestance du célèbre séducteur, qui veut.

J’ai apprécié l’ambiance feutrée par les lumières de Jacques Rouveyrollis et les décors de Noémie Rocher mais l’histoire est sans surprise, on s’attend à la confrontation, on pressent quel drame se noue et l’intrigue est un peu faible à mon gout ce qui amoindrit l’intérêt pour l’histoire.