Georges et Lars, même combat !
Et ce, à un siècle d'intervalle.
Un combat féministe. Il fallait y penser. C'est ce qu'elle fit.


Elle, c'est Emilie Anna Maillet, qui de façon très judicieuse et surtout très réussie parvient à relier Feydeau et Norén, à travers la volonté d'une femme de lutter contre la domination masculine.
Lutter grâce à un moyen à la fois radical et nécessitant finalement peu de moyens : la nudité.

On connaît l'histoire.
Il fait chaud, cet été-là, à Paris. « 36° de latitude », nous dit Clarisse, la femme du député Ventroux, pressenti pour devenir ministre.


Celui-ci reçoit un journaliste du Figaro et le maire Hochepaix, ancien adversaire politique..
Utilisant son couple comme façade de respectabilité, (tiens tiens...), le mettant en scène dans la presse (re tiens tiens...), lui demandant même de le représenter alors qu'elle n'a aucune légitimité politique (re-re tiens tiens...), Ventroux n'imagine pas la volonté d'exister par elle-même de sa femme.
Etre nue sera pour elle un combat d'émancipation. Et de vengeance, également.

(A ce titre, j'ai été ravi de constater que Melle Maillet partageait dans son dossier de presse ce que je professe depuis longtemps : Pierrette Le Pen, la maman de qui vous savez, lorsqu'elle pose en soubrette dénudée dans Playboy en 1987, à la suite de son divorce avec le papa borgne de qui vous savez, Pierrette Le Pen ne fait pas autre chose que Clarisse. Elle se venge.)

Emilie Anna Maillet a mêlé le texte de Feydeau avec plusieurs citations de Norén, qui lui aussi, un siècle plus tard, se fait le chantre cette fois-ci de la deuxième vague de féminisme.
L'idée se révèle lumineuse. Ceci fonctionne à la perfection.

La cruauté de Feydeau, la violence intrinsèque des rapports hommes-femmes qu'il décrit, trouvent un saisissant écho, une sévère rémanence dans les propos du dramaturge suédois.
Ce que le premier ne dit pas, le second ne s'en prive pas. C'est ainsi que Ventroux se retrouve à traiter sa femme de « mégère de banlieue » ou encore de « pute hystérique ».

Voici pour le fond.
La forme est à l'avenant : remarquable !

Ce qui se joue sur le plateau du théâtre Paris-Villette relève de la plus aboutie des réussites.
Un maëlstrom, une onde de choc, un formidable jeu de massacre d'une sauvage, impitoyable et irrésistible drôlerie vont secouer les spectateurs durant une heure et quart.

Nous allons énormément rire des mésaventures politicardes et sociétales de tout ce petit monde, mésaventures rendues hilarantes grâce à un burlesque achevé et parfois à un surréalisme assumé.
Oui, qu'est-ce que nous rions !

Grâce notamment aux savoureux duos entre Sébastien Lalanne (Ventroux, en petit costume cintré, fine cravate et à l'allure d'un député LREM) et Denis Lejeune en Hochepaix.
Ces deux là se déchaînent pour parfois même arriver à provoquer une espèce de chaos vocal.
Chapeau !
Ils réaliseront également sans relâche toute une série de gags burlesques hilarants.

Autre source de rire, c'est le jeu de Simon Terrenoire, qui en journaliste équipé d'un attirail de reportage, nous ravit avec ses ruptures, ses intonations pédantes. Lui aussi est parfait en gandin pédant, puant d'auto-satisfaction.

Et puis Marion Suzanne est une époustouflante Clarisse.
Elle non plus ne ménage pas sa peine.
Ici, la metteure en scène a appelé un chat un chat. « Toute nue », par principe, ne souffre aucune restriction...
A tel point que les personnages masculins n'oseront jamais prononcer les trois mots « chemise de nuit ».

Melle Suzanne est elle aussi excellente dans le rôle de cette femme qui s'émancipe, qui se libère de toute tutelle, devenant même une véritable femen telle qu'on les connaît, avec les revendications au marqueur noir sur la poitrine.

Autre élément qui contribue à la réussite de cette entreprise artistique : la scénographie de Benjamin Gabrié, qui permet à la metteure en scène de mettre en place une dramaturgie basée sur une multitude de lieux.
De cet appartement moderne où se joue le vaudeville, nous verrons, ou nous apercevrons le salon, mais également la cuisine, la salle de bains, les couloirs, le hall, les étages.
Tout le théâtre est utilisé à très bon escient. Tout ceci est très malin. Je n'en dis pas plus.

L'utilisation de la video est elle aussi très pertinente, et sert véritablement la modernité du propos.
C'est astucieux et très habile. Et ça fonctionne.
Tout comme l'utilisation de l'élément liquide qui vient surligner les moments de chaos.

Victor est interprété par le percussionniste François Merville, que les amateurs de jazz connaissent bien. La batterie lui sert parfois à apporter lui aussi un élément comique au propos.

Ne manquez surtout pas cette brillante et très originale version de cette pièce.
Elles sont assez rares, finalement, les mises en scène qui poussent un auteur dans ses retranchements.
Emilie Anna Maillet y est parfaitement parvenue.

Hop hop hop !

Hop hop hop ? Oui, Hop hop hop !

Amour, Passion, Jalousie.

Le Prince Golaud parti chassé dans l’immensité de la forêt, s’est égaré. Sur son chemin il rencontre Mélisande perdue, mystérieuse et effrayée comme un jeune animal…
Golaud apaise la jeune Mélisande, la prend sous son aile et l’épouse.
Mais Mélisande tombe amoureuse de Pelléas jeune frère de son époux.
Il s’ensuit une tragédie amoureuse, les protagonistes sont détruits au plus profond d’eux-mêmes. Le destin inévitablement les conduit au désespoir, à la souffrance et à la ruine.

Dès les premiers instants nous sommes plongés danse un monde un peu inquiétant. Sur un écran en avant-scène défilent les images en noir et blanc d’un monde tourmenté puis la couleur surgit, nous sommes dans la vaste forêt où Golaud rencontre Pelléas.
Une ambiance onirique et magique règne, nous sommes emportés par ce conte dans cette forêt envahissante, profonde et un peu angoissante.

Le cinéma fait place au théâtre, en fond de plateau, apparaît un appartement sur deux étages, nous sommes au château d’Arkel roi et grand-père de Golaud.
A l’étage, les appartements du roi dans des tons sobres et naturels, au premier niveau dans les appartements de Golaud et Mélisande dans une atmosphère bleutée et un peu surnaturelle.

Les scènes filmées et jouées vont se succéder pour le plus grand plaisir des yeux et nous émouvoir au plus profond de nous-même. C’est troublant et ensorceleur.
Les vidéos de Quentin Vigier sont magnifiques et d’une grande beauté.

Le rythme est lent, les silences grands comme dans un rêve.
Les comédiens : Alix Riemer (Mélisande), Matthieu Semper (Pelléas), Vincent Dissez (Golaud), Philippe Duclos (Arkël), Stéphanie Marc (Geneviève), Émilien Tessier (Le médecin), Clément Baudoin ,Sacha Huyghe ,Eliott Le Mouël (en alternance) (Yniold), nous content avec brio ce drame de l’amour et de la jalousie.
J’avoue avoir eu un coup de cœur pour Vincent Dissez, il nous émeut et nous bouleverse par sa jalousie, sa douleur et la justesse de son jeu.

La grâce, la beauté, la perfection du geste dansé se sont donné rendez-vous au Palais des Congrès.
Gil Roman, Directeur artistique du Béjart Ballet Lausanne, celui que l'immense Maurice avait choisi en 2007 pour lui succéder, Gil Roman célèbre son père spirituel.

Un hommage au danseur, au créateur, au chorégraphe. Deux heures trente festives, magnifiques pour dire, redire encore et toujours combien Béjart a marqué à jamais le monde de la danse.

Trois parties vont composer le programme.

Tout d'abord un ballet signé Gil Roman, t'M et variations.
On devine à quoi correspond l'initiale M.
Tous les pas lui sont adressés, à ce M, le fondateur de la compagnie.

Sur la scène deux percussionnistes, jB Meier et Thierry Hochstätter, ont composé douze variations, pour claviers et diverses percussions, sur lesquels les membres de la compagnie vont danser.
Immédiatement, dès les premiers pas de deux, une intense émotion saisit le public.

La beauté. Ce que nous voyons est d'une incomparable beauté.


Les pas de deux, de trois, de cinq, les portés, les soli, les ensembles, les rondes se succèdent dans un magnifique tourbillon visuel et musical.
Des moments parfois oniriques ou violents, drôles (les chaussons de danse sur la tête...) ou plus graves nous rappellent l'excellence dont est capable le corps humain en matière de danse.

Le chorégraphe Gil Roman a mis en forme des tableaux où ses outils, ses pinceaux et ses brosses sont les corps des danseurs, à qui il a beaucoup demandé.
L'impression de facilité qui se dégage de tout ceci ne doit jamais faire oublier les heures quotidiennes à la barre, au miroir...
La technique qui produit l'excellence.

J'avais les yeux écarquillés en permanence.

Après l'entracte, Gil Roman, avec la pièce qui a donné son titre au spectacle, nous convie à une autre fête.
En quelques tableaux, il nous montre l'héritage que nous devons à Béjart, tout ce qui continue à vivre au sein de la compagnie.

Une succession de pas de deux inventés par le fondateur du ballet vont nous être remis en mémoire, pour la plupart.
Ces pas, certains très brefs, d'autres au contraire plus longs, seront réunis dans une pièce durant environ une demi-heure, avec huit parties musicales, allant de Beethoven à la musique traditionnelle du Tchad, en passant par Rossini, Webern, Strauss, ou encore une mélodie populaire juive.

Et Gil Roman de nous rappeler que ce qui caractérise avant tout Béjart, c'est de ne pas « enfermer le danseur dans un style ou dans un système chorégraphique, mais au contraire, le libérer ».
L'émotion découle d'une suite d'actions à exécuter. Un texte d'actions simples, précise-t-il, et le seul lien entre elles, c'est le danseur. « C'est cela son écriture, son génie ».

Nous, nous nous laissons embarquer par ces jeunes femmes et jeunes hommes qui semblent ne pas toucher le plateau.
Les corps qui volent, qui défient en permanence la pesanteur.

Et puis voici la troisième partie, tellement attendue.
Des techniciens apportent la fameuse petite scène surélevée rouge.
Les danseurs entrent sur le plateau avec chacun leur chaise au piétement de la même couleur.


Le boléro.

Ce ballet, créé le 10 janvier 1961 au théâtre royal de la Monnaie, à Bruxelles, est bien entendu la chorégraphie la plus célèbre de Maurice Béjart.
Elle a connu plusieurs variantes.

Créé pour la soliste Duska Sifnios, l'œuvre fut notamment dansée par Jorge Donn. (Les amateurs de Lelouch connaissant bien la fin du film « Les uns et les autres ».)

Ici, c'est la version dans laquelle la mélodie est à nouveau dansée par une femme et le rythme par dix-huit garçons torse nu.
Elisabet Ros, par ailleurs directrice artistique adjointe de la compagnie, est merveilleuse, dans ce rôle difficile et exigeant.

Ici, l'enjeu est bien entendu de « coller » à la progression de Ravel.
Si la pulsation et le rythme restent identiques, l'entrée progressive des instruments fournit la progression chorégraphique.

Et toujours cette impression que personne ne pourra plus jamais danser autrement ce célébrissime boléro.

Un tonnerre d'applaudissements viendra saluer cette chorégraphie mythique.

Vous aussi, venez donc participer à cette fête de la danse.
Une fête des corps, une fête du mouvement sublimé, exacerbé.
Une fête sensuelle et merveilleuse.

Une fête du temps présent.

Le Béjart Ballet Lausanne est au Palais des Congrès jusqu’au 29 Février pour ‘Béjart fête Maurice’
Ah ! Les regarder danser et se dire que ça a l’air si simple…

Je ne suis pourtant pas accro à la danse contemporaine mais on ne peut pas passer à côté de la beauté que se dégage des trois ensembles que nous avons vus ce soir.

Gil Roman, le directeur artistique du Béjart Ballet Lausanne, nommé par Sieur Bejart en 2007, fête son fondateur et mentor. C’est un hommage magique et intense à celui qui a laissé une si forte empreinte dans monde de la danse.

Premier ballet : une création de Gil Roman : t’M et variations. Deux merveilleux instrumentistes sur scène JB Meier et Thierry Hochstätter ont composé et joué douze variations assez hypnotiques pour percussions, sur lesquels les danseurs vont évoluer. Les tableaux se succèdent et j’avoue avoir souri car l’humour est présent tout comme la violence et l’amour. C’est magnifique : Les pas de deux s’enchainent pendant une heure, la symbiose entre musique et danse est parfaite et je m’étonne de ne pas avoir vu le temps passé… C’est déjà l’entracte.

Retour sur scène pour le second ballet qui a donné son nom au spectacle : c’est une succession de chorégraphies que nous devons à Maurice Béjart sur des musiques plus que variées (de Beethoven à une musique populaire juive) pendant environ trente minutes. J’étais déjà conquise par la première partie mais là je suis juste sous le charme… je suis époustouflée des performances que ces danseurs effectuent et de ce que leurs corps arrivent à exprimer. Et puis il y a cette touche d’ironie que j’avais déjà apprécié lors du premier ballet : c’est le petit plus qui fait que le spectacle restera dans ma mémoire.

Arrive ensuite comme une apothéose le Boléro : point d’orgue de cette soirée merveilleuse et chorégraphie créé en 1961 par le Maitre qui a été mis à la vue du grand public dans le film de Claude Lelouch ‘les uns et les autres’.

L’estrade circulaire rouge est installée rapidement et c’est Elisabet Ros qui va y trôner magnifiquement entourée par une vingtaine de danseurs masculins de la troupe. C’était la première fois que je voyais le Boléro ‘pulser ‘en live et l’émotion monte crescendo avec la musique de Ravel et l’entrée progressive des différents instruments. C’est splendide et le public ne s’y trompe pas : de longues salves d’applaudissements viennent saluer cette prestation.

Une soirée magnifique que je recommande vivement.

Elle sort !
Il reste. Seul.


Pour Maxime Chazalet, la metteure en scène, et pour les membres de la Compagnie Stückthéâtre, Alceste est avant tout courageux.
En faut-il du courage pour renoncer sciemment au nom de ses principes, à son refus de toute compromissions face aux charmes de Célimène !
Sacrifier l'objet de son désir à sa soif d'absolu demande ce courage-là.


Cette pièce va nous poser une question fondamentale : de quel courage avons-nous besoin aujourd'hui, pour rester de la plus totale intransigeance avec ce à quoi l'on croit ?
Une question d'une brûlante actualité : il n'est qu'à constater combien de reniements de valeurs, de parole, sont à l'ordre du jour en ce moment.


J'en veux par exemple pour preuve très récente cet homme politique aux deux mêmes initiales qui jura naguère ses grands dieux socialistes de ne jamais se rallier à une ancienne ministre de la santé devenue candidate en marche aux municipales parisiennes, et qui s'empressa voici une petite semaine de la rejoindre sur sa liste.
Passons.

Ce misanthrope, c'est un misanthrope contemporain, donc.
Un très jeune misanthrope.
Il est réjouissant de constater comment une jeune génération de comédiens s'empare d'un chef d'œuvre classique.

Sur le plateau, ce sont des jeunes un peu bobos qui nous parlent. Ils semblent s'être habillés chez The Kooples, et résider dans le XIXème arrondissement de Paris, du côté du Canal Saint-Martin.

Les six entrent côté jardin, et nous fixent un long moment, l'air un peu étonné. Oui, oui, nous sommes-là.
Nous aussi, nous allons être partie prenante de la pièce.
Nous serons l'Humanité, les hommes et femmes à qui s'adresse le message de Molière.
Nous allons être très souvent pris à partie, par le regard ou par des adresses auxquelles nous avons parfois envie de répondre.
D'ailleurs, souvent, les comédiens s'adresseront, non pas à leur partenaire, mais au public, comme s'il était un personnage à part entière.

C'est Célimène qui va ouvrir le bal, en nous lisant un passage de... Musset.
Les confessions d'un enfant du siècle.
Le grand Alfred, dans ce roman autobiographique se pose en effet la question : « Qu'en pensez-vous ? Suis-je un misanthrope ? »
La problématique est clairement annoncée.
(Nous entendrons également des extraits d'Hölderlin et de Pasolini.

Sur le plateau, une petite table avec des chaises, une zone qui matérialise un espace scénique, un praticable au lointain.
Sarah Marcotte à la régie se trouve elle aussi sur le plateau, comme un ingénieur du son retours-plateau. Pour être au plus près des artistes, pour interagir avec eux.

La mise en scène de Maxime Chazalet est souvent physique, avec des chutes, des empoignades, des corps qui existent réellement en tant que tels. Un début de bagarre entre Alceste et Oronte doit être interrompu avant que le sang ne coule !

Des moments drôles émailleront la pièce. La scène du sonnet (avec les excellents Hugo Eymard dans le rôle titre et Justin Jaricot en Oronte qui s'en donnent à cœur joie), cette scène-là est par exemple très réussie.
Tout comme ce qui touche à l'affirmation haut et fort de certaines didascalies, ce qui nous fait rire. (Je vous laisse découvrir.)

Le distribution est très homogène.
Certes, on peut parfois remarquer pour chipoter que certaines tirades résonnent de façon encore un peu « verte ».
Cependant, l'alexandrin coule, fluide, à tel point que nous l'oublions très rapidement.

Philinte est interprété par Mademoiselle Lili Dupuis, qui assume très bien cette transformation transgenre du personnage. En legging bordeaux à rayures blanches et en chemisier noir, elle est tout à fait crédible. Son duo avec Hugo Eymard fonctionne à la perfection.

Au final, j'ai assisté à une bien intéressante adaptation de la pièce de M. Poquelin, qui donne vraiment la parole à tous les personnages, qui tous sont montrés dans une volonté de réel questionnement.

Un questionnement que chacun d'entre nous reprend à son compte.
Quel est la mesure de notre courage, au regard de celui d'Alceste ?