C’est un spectacle étrange. Un spectacle qui oscille sans cesse entre plusieurs sujets, plusieurs atmosphères, sans jamais se positionner clairement. Il y a la question politique, le monde laissé par la génération de nos parents, leurs erreurs, leurs échecs, leur manque d’action, il y a la sobriété nécessaire dans le monde d’après, il y a l’écologie, le handicap, la charge mentale, le couple, l’adultère, le mensonge. C’est une girouette qui tourne selon le sens du vent mais ne se fixe jamais. Pour le spectateur, c’est assez déroutant. On ne sait jamais où on va, si les paroles échangées sont de l’ordre de l’anecdotique ou du fondamental. C’est un texte intriguant, qui a ses moments et ses faiblesses, et qui me laisse un peu perplexe au sortir du théâtre.

Ce que je reprocherai au spectacle, c’est peut-être d’avoir voulu faire trop. Trop de sujets à adresser, trop de pénombre, trop de lenteur, trop d’inconnu. Trop de combats à mener. C’est faire trop confiance au spectateur aussi, quelque part. Pour un texte autant sur le fil, une petite compensation scénique ou rythmique aurait pu être bienvenue, pour relever le tout, comme une épice en cuisine. C’est ce qui se profilait dans mon esprit dans les quelques moments où l’ennui me guettait durant la pièce. J’aurais eu besoin d’être davantage prise par la main.

Mais je ne peux pas dire non plus que j’ai passé un mauvais moment. Les échanges entre les personnages sont une recherche constante d’indices pour mieux comprendre la situation. On reste donc alerte malgré tout, même lors des moments de flottement. Le mélange des intrigues fonctionne, rebat les cartes, fait avancer le propos. Il y a quelque chose de britannique dans ce mélange d’atmosphères, dans cet humour pince-sans-rire qui surgit sans prévenir dans les dialogues. Quelque chose d’inhabituel et d’intéressant pour le spectateur. C’est un spectacle osé, sur un thème assez rare, et c’est chouette de voir ça aussi, au théâtre.

Et puis, cette distribution. Cécile Brune porte le spectacle avec une belle maestria. C’est elle qui amène la vie sur le plateau, c’est elle aussi qui la fait disparaître lorsque le temps vient de laisser la place. Elle est lumineuse et profonde à la fois, merveilleuse dans le cynisme comme dans l’émotion. Frédéric Pierrot, qui joue son compagnon, convainc aussi totalement avec une partition peut-être moins développée. Dominique Valadié, qui incarne l’élément perturbateur, cherche encore un peu sa place dans les dialogues, mais la trouve totalement dans le sous-texte. Sa présence hostile et pesante et sa voix hiératique amènent une vraie densité au personnage, qui parfois fait froid dans le dos.

De quoi pouvons-nous être sûrs, hormis le hasard qui est certainement le plus court chemin pour se laisser prendre ou se délivrer du doute ? Qu’il s’agisse de matérialisme ou d’idéalisme, les relations humaines n’échappent sans doute pas à ce principe, le principe d’incertitude. Principe selon lequel nous pourrions être l’arbre ou le fruit, ou peut-être les deux, de l’improbable conjugaison d’une histoire commune, de rencontres fortuites, de hasards soudains.

« Quand Georgie, américaine délurée de 40 ans, et Alex, anglais discret de plus de 70 ans se rencontrent par hasard sur le parvis d'une gare internationale bondée, leur vie s'en trouve bouleversée à jamais… »

Dans la lignée du courant dramaturgique anglais « Theater In Yer Face », Stephen Simons rejoint Kelly, Kirkwood, Crimp, Kane et les autres pour dire et montrer, façon trash, les aspérités brulantes et les piqures acérées du quotidien, de l’ordinaire, de l’habitus et notamment ici, de l’importance du hasard, de sa conjonction avec l’indétermination des faits produits par l’attirance ou l’intérêt.

Pourquoi la rencontre entre ces deux-là a-t-elle eu lieu et comment la comprendre, l’admettre et se l’approprier ? Et pourtant… Georgie et Alex nous parlent, nous suggèrent, nous rappellent, qui sait ?, à nos souvenirs et à nos désirs voire à nos espérances fantasmées. Un conte ou une fable ? Comme elle est intéressante la fiction romanesque et caustique de cette pièce anglaise significative des pas de coté qui façonnent les destins. Le récit nous surprend par sa simplicité et son épure. La narration nous traverse et nous perd dans son invraisemblable réalisme à la fois naturaliste et suggestif. Sa langue est crue pour stimuler et provoquer l’écoute, mais laisse l’agressivité dans les couloirs de nos imaginaires.

La mise en scène de Louis-Do de Lencquesaing assisté par Margaux Vallé se fait sobre, fidèle à l'esprit de l'argument de la pièce. Grâce au décor stylisé de William Mordos et au velours des lumières de Joël Hourbeigt, de Lencquesaing crée les ambiances qui conviennent et ne peut que confier au jeu d'acteur la primordiale énonciation du texte riche et essentiel de Stephens et à sa mise en vie, qui articulent flux de paroles et lots de silences.

Le spectacle tient sur l'interprétation impressionnante de Jean-Pierre Darroussin. Daroussin est Alex avec une évidence crédible et convaincante. Une incarnation toute en finesses et en émotions dans les propos, les regards mutiques et signifiants, et par-dessus tout dans le portage des situations.

On imagine en écoutant le texte le personnage de Georgie pêchue, hâbleuse et prolixe, désinhibée et provocante, troublée et mystérieuse, cherchant à séduire et se troublant d’être séduite. Un personnage magnifiquement écrit comme celui d’Alex que Daroussin sait rendre complémentaire bien qu’il se trouve à l’antipode de celui de Georgie.

Une pièce de Simon Stephens intéressante et superbement écrite. Jean-Pierre Darroussin y est brillant.

Le musée d’Orsay propose une exposition sur Edvard Munch dont le sous-titre est : « un poème de vie, d’amour et de mort ». C’est la clé pour comprendre l’oeuvre du norvégien qui fit scandale dès sa première exposition, le public était désorienté par l’aspect ‘non-fini’ de ses peintures et par son inventivité. L’auteur du célèbre ‘Le cri’ révèle de nombreuses facettes et possède plus d’une corde à son arc.

Munch livre sa vision très personnelle du monde où la vie, la mort et la renaissance sont indéniablement liées. Munch a écrit dans un de ses carnets : » La maladie, la folie et la mort étaient les anges noirs qui se sont penchés sur mon berceau ». Ce sont trois thèmes récurrents chez l’artiste. Il a perdu sa mère à 5 ans puis une de ses sœurs, il a été lui même très malade puis une autre sœur est internée, un frère décède brutalement à l’âge adulte. Devant cette succession de drames, Munch ne pourra que reproduire des scènes qui sont gravées dans son esprit comme « l’enfant malade » (1896) ou « la lutte contre la mort » (1915).

Comme un bon nombre d’artistes qui lui sont contemporain, il pratique la reprise multiple de certains motifs avec plusieurs techniques de peinture et de gravure. Il fréquente aussi beaucoup les théâtres et il est très ami avec l’auteur August Strindberg, il réalise des éléments de décor et des programmes illustrés. Véritable artiste qui touche à tous les styles, il est totalement inclassable et l’exposition nous permet de découvrir les différents aspects de son art (influences naturaliste, impressionniste, symboliste, synthétisme,…).

Loin de tout courant artistique, il possède un style unique qui lui est propre. Ainsi l’oeuvre d’Edvard Munch ne se réduit pas à la célèbre toile ‘Le cri’; on découvre un artiste marqué par sa vie.

Né Gabriel-Maximilien Leuvielle à Cavernes petit village de Dordogne. Le jeune Gabriel, grandit et déjà s’intéresse au théâtre, à jouer avec ses camarades et faire aussi de la mise en scène, pas toujours appréciée de son public. Il entrera au Conservatoire de Bordeaux, en sera exclu pour avoir frappé un professeur ! Sacré caractère !

Au hasard d’une promenade avec sa sœur, il tombe sur la devanture d’un magasin de chaussures LINDER ! ce sera son pseudonyme au grand soulagement de son père, qui ne souhaitait pas que son nom soit synonyme de débauche et autres vilaines idées sur les « théâtreux » …

Gabriel monte à Paris, joue au théâtre de l’Ambigu. Il fera aussi ses débuts au cinématographe Pathé, des rôles comiques bien sûr, on riait beaucoup à l’époque de ses chutes, de ses cascades improvisées. Il a de l’imagination et comme Chaplin plus tard, il se crée un personnage, élégant, beau sourire, charmeur, il devient « Max ».

Hélas, la guerre de 1914, va le broyer, il sera gazé, réformé, des démons dans la tête… Même après son départ aux USA, sa rencontre avec Chaplin, qui l’accueille à bras ouverts, sa carrière aura du mal à repartir. Ajoutez sa jalousie maladive envers sa jeune femme, ses doutes même envers sa paternité…

Sa fin ? si tragique, si injuste pour sa fille Maud, qui sera – hélas - confiée à sa famille paternelle. Max enterré anonymement dans son village. Maud passera sa vie à réhabiliter la carrière de Max Linder, artiste, réalisateur qui fut quand-même son père.

Un rôle sur mesure pour Jérémy Lopez, il en a le charme, l’élégance, il porte le frac et le huit-reflets avec aisance. Il donne tant d’émotions, d’humour, une gamme d’émotions et une aisance gestuelle extraordinaire.

Un seul en scène à voir absolument, salut « the artist » !

Si on m’avait dit que je passerais un aussi bon moment devant un biopic théâtral, je ne l’aurais pas cru ! Mais c’était sans compter Ivan Calberac, qui maîtrise l’art de la dramaturgie sur le bout des doigts ! Cette Naissance d’un prodige compose une partition tout à fait équilibrée entre théâtralité et didacticité. Il faut dire que le choix Glenn Gould était pertinent, la vie de ce personnage haut en couleurs supportant bien l’adaptation scénique : entre la mère qui met tout en oeuvre pour la réussite de son fils, le père qui s’efface un peu malgré lui, la cousine qui s’accroche à cet homme qu’elle admire, et l’artiste au comportement pour le moins excentrique, tout est parfaitement dosé, pour un rendu complètement prenant. Tous les comédiens tiennent leur note avec beaucoup de doigté, chacun composant dans sa propre tonalité, dessinant ainsi la belle variété de profils qui entourait l’artiste.

La mise en scène d’Ivan Calbérac est très classique, et c’est très bien comme ça. Elle laisse toute la place à l’originalité de Glenn Gould et à ses lubies, interprété avec beaucoup de finesse et d’élégance par Thomas Gendronneau. Il ne passe jamais en force, choisissant de jouer sur le modèle d’une variation, alors même que les extrêmes par lesquels passe le pianiste aurait pu appeler une certaine forme d’atonalité. Avoir choisi un comédien musicien ajoute encore à l’incarnation, à la construction de ce personnage à la tenue si particulière. Si la composition du comédien met évidemment en exergue le trouble du spectre autistique du pianiste, elle va plus loin que ça, soulignant sa profonde solitude face à ce monde où tout est un danger potentiel. Sans nous le rendre agréable – le pari semble impossible – elle nous permet de mieux comprendre l’homme derrière l’artiste et la relation si particulière qu’il nouait avec son instrument. Et, moi qui n’ai jamais vraiment su apprécier sa musique, elle me donne envie de m’y replonger.