Aart Bale
Critique remarquable
33 ans
9 espions
Son balcon
SAISON 2019-2020
Aucun challenge culturel pour le moment
Mini Molières
3 597reçus
Critique remarquable
Son classement : 64 / 5192
Avant lui
Patramarga Ruiz
42 critiques
Après lui
Yann Le Galopin
41 critiques
Niveau
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7 / 20
41
critiques
filatures
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Espions
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Actualités de ses filatures
Covid oblige, il faudra prendre rendez-vous lors de l’achat de votre billet sur le site de la Cinémathèque pour se rendre à l’exposition Louis de Funès. Munis de nos billets pour 11h30, nous sommes arrivées vers 11h20 et sommes entrés dans la Cinémathèque à 11h40.
Direction le cinquième étage !
Et nous voilà plongés en enfance car Louis de Funès est sans doute un des premiers comédiens dont je me souvienne. J’ai vu et revu au cours de mon enfance les films avec un plaisir non dissimulé. Il a clairement contribué à me faire aimer le cinéma dès mon plus jeune âge. Certes je me suis éloignée de ses films pendant de longues périodes mais j’y suis toujours revenue avec plaisir. Loin de moi l’idée de renier celui qui m’a donné mes premiers souvenirs de rigolades devant la télé. Dernier exemple en date : La Grande Vadrouille diffusé un des premiers jours du confinement (heureusement que c’était sur une antenne où la coupure pub n’existe pas pour les films) que je n’avais pas vu depuis 10 ans mais qui me fait toujours rire et dont les dialogues sont toujours gravés dans ma mémoire.
L’exposition retrace la vie du comédien de ses débuts de pianiste de jazz à son dernier film, le fil est chronologique dans un premier temps puis nous arrivons dans les salles dont le thème est un des grands succès de Louis de Funès : plaisir de retrouver des éléments connus comme la 2CV du Corniaud (sa première collaboration avec Bourvil), Le costume de Rabbi Jacob, les plumes de paon de l’Avare, une réplique grandeur nature du gendarme de st Tropez, …
Les différentes facettes de l’artiste sont détaillées : l’acteur et ses expressions (ah non, on ne dit pas grimaces s’il vous plait !), le mélomane, le danseur, … Les rencontres qui ont marqué sa vie dont celle fructueuse avec Gérard Oury, ce duo a sévi à plusieurs reprises et nous a donné de beaux souvenirs (le Corniaud, la Grande Vadrouille, la folie des grandeurs, les aventures de Rabbi Jacob). Il faut prendre le temps de lire les cartels. J’ai découvert quelques anecdotes que je ne connaissais pas : il adorait jardiner et il militait déjà contre les pesticides….
Autre plaisir partagé pendant cette exposition : regarder sur de grands écrans des scènes mythiques et de me faire cette réflexion : revoir de ces films au cinéma serait sans doute un chouette moment. Allo la Cinémathèque ?!
Un petit regret : l’espace du cinquième étage est un peu petit, l’exposition aurait gagné à être plus aérée dans un espace plus grand.
Je me souviens que des esprits chagrins ont dénigré la Cinémathèque quand elle a annoncé son projet d’exposition sur ce grand monsieur du cinéma, j’espère que cette exposition va être un beau succès populaire.
Direction le cinquième étage !
Et nous voilà plongés en enfance car Louis de Funès est sans doute un des premiers comédiens dont je me souvienne. J’ai vu et revu au cours de mon enfance les films avec un plaisir non dissimulé. Il a clairement contribué à me faire aimer le cinéma dès mon plus jeune âge. Certes je me suis éloignée de ses films pendant de longues périodes mais j’y suis toujours revenue avec plaisir. Loin de moi l’idée de renier celui qui m’a donné mes premiers souvenirs de rigolades devant la télé. Dernier exemple en date : La Grande Vadrouille diffusé un des premiers jours du confinement (heureusement que c’était sur une antenne où la coupure pub n’existe pas pour les films) que je n’avais pas vu depuis 10 ans mais qui me fait toujours rire et dont les dialogues sont toujours gravés dans ma mémoire.
L’exposition retrace la vie du comédien de ses débuts de pianiste de jazz à son dernier film, le fil est chronologique dans un premier temps puis nous arrivons dans les salles dont le thème est un des grands succès de Louis de Funès : plaisir de retrouver des éléments connus comme la 2CV du Corniaud (sa première collaboration avec Bourvil), Le costume de Rabbi Jacob, les plumes de paon de l’Avare, une réplique grandeur nature du gendarme de st Tropez, …
Les différentes facettes de l’artiste sont détaillées : l’acteur et ses expressions (ah non, on ne dit pas grimaces s’il vous plait !), le mélomane, le danseur, … Les rencontres qui ont marqué sa vie dont celle fructueuse avec Gérard Oury, ce duo a sévi à plusieurs reprises et nous a donné de beaux souvenirs (le Corniaud, la Grande Vadrouille, la folie des grandeurs, les aventures de Rabbi Jacob). Il faut prendre le temps de lire les cartels. J’ai découvert quelques anecdotes que je ne connaissais pas : il adorait jardiner et il militait déjà contre les pesticides….
Autre plaisir partagé pendant cette exposition : regarder sur de grands écrans des scènes mythiques et de me faire cette réflexion : revoir de ces films au cinéma serait sans doute un chouette moment. Allo la Cinémathèque ?!
Un petit regret : l’espace du cinquième étage est un peu petit, l’exposition aurait gagné à être plus aérée dans un espace plus grand.
Je me souviens que des esprits chagrins ont dénigré la Cinémathèque quand elle a annoncé son projet d’exposition sur ce grand monsieur du cinéma, j’espère que cette exposition va être un beau succès populaire.
Vingt-quatre.
Ni plus ni moins.
En ce 20 février 1933, les vingt-quatre plus importants capitaines d'industrie allemands sont réunis par Hermann Göring.
Il y a là die Herren Krupp, von Opel et consorts, avec notamment les patrons d'Agfa, Telefunken, IG Farben, BASF, Allianz, Siemens...
L'ordre du jour est simple : soutenir financièrement le parti nazi pour les prochaines élections.
Les compensations issues de ces marchandages et combinaisons d'intérêt suivront plus tard : les marchés générés par la guerre, la main d'œuvre à très bon marché des déportés et internés des futurs camps en enrichiront plus d'un : « les entreprises ne meurent pas comme les hommes »...
Tel est le point de départ du roman d'Eric Vuillard, prix Goncourt 2017.
Il nous montre ces réactions en chaîne qui vont aboutir à la catastrophe, à l'horreur.
Tout n'est pas arrivé par un simple claquement de doigts...
Dominique Frot connaît bien Vuillard : celle qui a travaillé notamment avec Peter Brook, Thomas Ostermeir, Luc Bondy ou encore Claude Régy, celle-ci fait entendre la pensée de l'auteur depuis son premier livre, voici près de quinze ans.
Cette pensée est faite pour être entendue, se prêtant admirablement à l'oralité.
La comédienne arrive à jardin. Chemisier blanc strict, pantalon noir.
Elle se plante devant nous. Immobile, les bras le long du corps.
Elle nous observe, nous le public.
Nous le peuple. Les humains. L'humanité.
Et puis sa voix grave et rocailleuse s'élève. Elle dit les mots de Vuillard, et leur musique implacable qui dissèque ces événements qui s'enchaînent.
Elle pleure.
Impossible de se détacher d'elle.
Elle nous assène froidement ce qui s'est passé, en reprenant les différents moments du roman.
Cette réunion d'industriels, donc.
Une autre entre Hitler et le chancelier autrichien Schuschnigg le 12 février 1938 à Berchtesgarden.
Le repas à Londres au cours duquel Ribbentropp abuse de la politesse de Chamberlain...
Et l'Anschluss... L'annexion de l'Autriche très consentante par l'Allemagne nazie.
« Un viol ? Non, une noce... »
Les mots s'élèvent, graves, impitoyables.
Les enchaînements tragiques sont mis en évidence, la comédienne nous fait comprendre les rouages de la machinerie infernale.
Les silences sont lourds de sens, à la fois parlants et pesants.
Parfois des notes de piano que l'on doit à Eli Frot s'élèvent, soulignant gravement les propos de la comédienne.
« L'inhumain, ça n'existe pas ! », nous dit-elle en descendant parmi nous.
Ce sont bien les humains qui produisent cette inhumanité...
Sur l'écran sont projetés les tableaux de Jean-Pierre Guillard, représentant ces humains, ces hommes et ces femmes autrichiens qui n'accepteront pas l'inacceptable, notamment en se suicidant.
Elle les évoque avec beaucoup de force, de sensibilité et d'émotion.
Ce spectacle, d'une intensité assez rare, est intransigeant.
Dominique Frot a su remarquablement oraliser l'écriture de Vuillard, en ne perdant jamais de vue, nous dit-elle très justement que « cette parole peut s'énoncer comme si elle était là, maintenant, en train de se penser, de se réaliser ».
Un sacré moment de théâtre !
Ni plus ni moins.
En ce 20 février 1933, les vingt-quatre plus importants capitaines d'industrie allemands sont réunis par Hermann Göring.
Il y a là die Herren Krupp, von Opel et consorts, avec notamment les patrons d'Agfa, Telefunken, IG Farben, BASF, Allianz, Siemens...
L'ordre du jour est simple : soutenir financièrement le parti nazi pour les prochaines élections.
Les compensations issues de ces marchandages et combinaisons d'intérêt suivront plus tard : les marchés générés par la guerre, la main d'œuvre à très bon marché des déportés et internés des futurs camps en enrichiront plus d'un : « les entreprises ne meurent pas comme les hommes »...
Tel est le point de départ du roman d'Eric Vuillard, prix Goncourt 2017.
Il nous montre ces réactions en chaîne qui vont aboutir à la catastrophe, à l'horreur.
Tout n'est pas arrivé par un simple claquement de doigts...
Dominique Frot connaît bien Vuillard : celle qui a travaillé notamment avec Peter Brook, Thomas Ostermeir, Luc Bondy ou encore Claude Régy, celle-ci fait entendre la pensée de l'auteur depuis son premier livre, voici près de quinze ans.
Cette pensée est faite pour être entendue, se prêtant admirablement à l'oralité.
La comédienne arrive à jardin. Chemisier blanc strict, pantalon noir.
Elle se plante devant nous. Immobile, les bras le long du corps.
Elle nous observe, nous le public.
Nous le peuple. Les humains. L'humanité.
Et puis sa voix grave et rocailleuse s'élève. Elle dit les mots de Vuillard, et leur musique implacable qui dissèque ces événements qui s'enchaînent.
Elle pleure.
Impossible de se détacher d'elle.
Elle nous assène froidement ce qui s'est passé, en reprenant les différents moments du roman.
Cette réunion d'industriels, donc.
Une autre entre Hitler et le chancelier autrichien Schuschnigg le 12 février 1938 à Berchtesgarden.
Le repas à Londres au cours duquel Ribbentropp abuse de la politesse de Chamberlain...
Et l'Anschluss... L'annexion de l'Autriche très consentante par l'Allemagne nazie.
« Un viol ? Non, une noce... »
Les mots s'élèvent, graves, impitoyables.
Les enchaînements tragiques sont mis en évidence, la comédienne nous fait comprendre les rouages de la machinerie infernale.
Les silences sont lourds de sens, à la fois parlants et pesants.
Parfois des notes de piano que l'on doit à Eli Frot s'élèvent, soulignant gravement les propos de la comédienne.
« L'inhumain, ça n'existe pas ! », nous dit-elle en descendant parmi nous.
Ce sont bien les humains qui produisent cette inhumanité...
Sur l'écran sont projetés les tableaux de Jean-Pierre Guillard, représentant ces humains, ces hommes et ces femmes autrichiens qui n'accepteront pas l'inacceptable, notamment en se suicidant.
Elle les évoque avec beaucoup de force, de sensibilité et d'émotion.
Ce spectacle, d'une intensité assez rare, est intransigeant.
Dominique Frot a su remarquablement oraliser l'écriture de Vuillard, en ne perdant jamais de vue, nous dit-elle très justement que « cette parole peut s'énoncer comme si elle était là, maintenant, en train de se penser, de se réaliser ».
Un sacré moment de théâtre !
« Non, Jeff, t'es pas tout seul,
Mais tu fais honte à voir... »
La honte... Il a honte, Jeff... En raison d'un bec-de-lièvre.
Jef... Jean-François... « Grosses lèvres » pour ses camarades de classe.
Une cicatrice...
C'est le chanteur Pierre Lozère, par l'intermédiaire de son dernier disque faits d'accords uniquement majeurs, et de son monde très fantasmé de l'enfance heureuse, qui accueille le public dans le gymnase Auguste-Renoir, deuxième scène de ce Paris OfFestival.
Ainsi qu'un chronomètre réglé à 60:00 sur le cyclo noir du lointain.
C'est le temps qu'il faudra à Vincent Menjou-Cortès pour nous raconter cette histoire tirée du roman éponyme de Bruce Lowery.
Il faudra bien ça. Toutes les secondes vont compter.
Le comédien apparaît, pantalon rouge, chemise à carreaux assortie, pour se planter devant un micro, sur une minuscule estrade.
Nous voici devant un jeune élève qui réciterait une poésie, bien appliqué, les deux mains posées sur les cuisses.
Nous voici devant un comédien qui jouerait dans un stand-up au second degré, la tête levée, faussement crânement.
Top chrono.
Vincent Menjou-Cortès nous attrape et ne va plus nous lâcher durant 58 minutes et 20 secondes.
Ce qu'il raconte m'a fasciné.
Nous allons découvrir l'histoire de ce très jeune garçon, avec ce détail physique, ce bec-de-lièvre, cette cicatrice « infamante ».
Non, M. Lozère, l'enfance n'est pas forcément heureuse.
Cette différence, ce léger handicap vont provoquer bien des moqueries, des railleries, des coups également, de la part des camarades de classe.
Perte de confiance, perte de l'estime de soi, manque de soutien et d'empathie, il souffre, Jeff.
Ce ne sont pas les adultes de son entourage qui vont atténuer ces souffrances-là.
Le regard porté sur les parents, ou encore sur Mme Martel, l'instit « à la voix rauque et aux cheveux rendus ternes par l'enseignement », ce regard est également implacable.
Pas question d'attendre du réconfort de ce côté.
Mais ici, pas de manichéisme.
Il n'y aura pas d'un côté les gentils, et de l'autre, les méchants.
L'enfance vue par Bruce Lowery n'est pas un monde merveilleux d'innocence immaculée.
Le pervers polymorphe de Tonton Sigmund, il connaît.
Jeff va commettre une faute.
Oh, pas une immense faute, certes, mais un tout petit larcin, qui va provoquer sa descente aux enfers.
Les conséquences de cette bêtise seront irrémédiables.
Derrière son micro, sans bouger ou très peu, sans une seule variation d'éclairage, le comédien enchaîne un texte remarquablement écrit et traduit, avec au passage un imparfait du subjonctif.
Ce texte au scalpel relève du procès-verbal : les faits, rien que les faits.
Impossible de s'en détacher.
La descente aux enfers est décrite minutieusement, sans concession, sans affect, presque.
Tout le public montre de l'empathie envers le héros.
Vincent Menjou-Cortès nous raconte tout ceci à la première personne du singulier, et de bien belle façon, apparemment un peu maladroite.
Mais cette fausse maladresse vient renforcer le côté douloureux de cette histoire.
Des imitations (celle de l'instit' est épatante et provoque des rires), des accents et des intonations différentes nous permettent de visualiser parfaitement les différents personnages.
Une question se pose assez vite.
Comment tout ceci va-t-il finir ?
Tout ceci va se terminer par la sortie du plateau du comédien durant une minute et vingt secondes.
C'est long, une minute et vingt secondes, alors que le temps défile devant vous par l'intermédiaire du chrono.
Ce temps « vide » sera d'une force inouïe.
Plus que n'importe quel texte. Plus que n'importe quels mots.
Ce spectacle sans concession est de ceux qui racontent les blessures qui refont surface, les souvenirs douloureux qui doivent être exprimés.
Les confessions d'une enfance meurtrie.
C'est un très beau et très réussi moment de théâtre.
Mais tu fais honte à voir... »
La honte... Il a honte, Jeff... En raison d'un bec-de-lièvre.
Jef... Jean-François... « Grosses lèvres » pour ses camarades de classe.
Une cicatrice...
C'est le chanteur Pierre Lozère, par l'intermédiaire de son dernier disque faits d'accords uniquement majeurs, et de son monde très fantasmé de l'enfance heureuse, qui accueille le public dans le gymnase Auguste-Renoir, deuxième scène de ce Paris OfFestival.
Ainsi qu'un chronomètre réglé à 60:00 sur le cyclo noir du lointain.
C'est le temps qu'il faudra à Vincent Menjou-Cortès pour nous raconter cette histoire tirée du roman éponyme de Bruce Lowery.
Il faudra bien ça. Toutes les secondes vont compter.
Le comédien apparaît, pantalon rouge, chemise à carreaux assortie, pour se planter devant un micro, sur une minuscule estrade.
Nous voici devant un jeune élève qui réciterait une poésie, bien appliqué, les deux mains posées sur les cuisses.
Nous voici devant un comédien qui jouerait dans un stand-up au second degré, la tête levée, faussement crânement.
Top chrono.
Vincent Menjou-Cortès nous attrape et ne va plus nous lâcher durant 58 minutes et 20 secondes.
Ce qu'il raconte m'a fasciné.
Nous allons découvrir l'histoire de ce très jeune garçon, avec ce détail physique, ce bec-de-lièvre, cette cicatrice « infamante ».
Non, M. Lozère, l'enfance n'est pas forcément heureuse.
Cette différence, ce léger handicap vont provoquer bien des moqueries, des railleries, des coups également, de la part des camarades de classe.
Perte de confiance, perte de l'estime de soi, manque de soutien et d'empathie, il souffre, Jeff.
Ce ne sont pas les adultes de son entourage qui vont atténuer ces souffrances-là.
Le regard porté sur les parents, ou encore sur Mme Martel, l'instit « à la voix rauque et aux cheveux rendus ternes par l'enseignement », ce regard est également implacable.
Pas question d'attendre du réconfort de ce côté.
Mais ici, pas de manichéisme.
Il n'y aura pas d'un côté les gentils, et de l'autre, les méchants.
L'enfance vue par Bruce Lowery n'est pas un monde merveilleux d'innocence immaculée.
Le pervers polymorphe de Tonton Sigmund, il connaît.
Jeff va commettre une faute.
Oh, pas une immense faute, certes, mais un tout petit larcin, qui va provoquer sa descente aux enfers.
Les conséquences de cette bêtise seront irrémédiables.
Derrière son micro, sans bouger ou très peu, sans une seule variation d'éclairage, le comédien enchaîne un texte remarquablement écrit et traduit, avec au passage un imparfait du subjonctif.
Ce texte au scalpel relève du procès-verbal : les faits, rien que les faits.
Impossible de s'en détacher.
La descente aux enfers est décrite minutieusement, sans concession, sans affect, presque.
Tout le public montre de l'empathie envers le héros.
Vincent Menjou-Cortès nous raconte tout ceci à la première personne du singulier, et de bien belle façon, apparemment un peu maladroite.
Mais cette fausse maladresse vient renforcer le côté douloureux de cette histoire.
Des imitations (celle de l'instit' est épatante et provoque des rires), des accents et des intonations différentes nous permettent de visualiser parfaitement les différents personnages.
Une question se pose assez vite.
Comment tout ceci va-t-il finir ?
Tout ceci va se terminer par la sortie du plateau du comédien durant une minute et vingt secondes.
C'est long, une minute et vingt secondes, alors que le temps défile devant vous par l'intermédiaire du chrono.
Ce temps « vide » sera d'une force inouïe.
Plus que n'importe quel texte. Plus que n'importe quels mots.
Ce spectacle sans concession est de ceux qui racontent les blessures qui refont surface, les souvenirs douloureux qui doivent être exprimés.
Les confessions d'une enfance meurtrie.
C'est un très beau et très réussi moment de théâtre.
Saïgon...
I'm still only in Saïgon... Every time I think I'm gonna wake up back in the jungle.
Ho Chi Minh City... 33° Celsius au sol. La mousson.
Encore une grande leçon d'humidité.
Eloïse Mercier nous propose un long documentaire radiophonique sur scène.
Des souvenirs d'un séjour dans la capitale du Viet-Nam, un job dans une entreprise locale.
Une goutte d'eau dans un nuage.
Le titre est emprunté à Robert Musil. « Comme un homme né pour le changement dans un monde créé pour changer », nous dit l'essayiste et dramaturge autrichien.
La comédienne nous raconte tout d'abord une ville qu'elle ne comprend pas.
Pas les codes. Culturels, linguistiques, sociaux, sociétaux, gastronomiques...
Figée devant son micro, elle va nous dire ce qu'elle ressent, en quelques chapitres.
Immobile ou presque, les bras collés au corps, d'une voix monocorde au débit lent, elle nous livre ses souvenirs, ses impressions, ses rencontres... Ca commence par le message habituel de l'hôtesse dans le Boeing 787-9 de la Vietnam Airlines.
Cette façon de s'exprimer n'est évidemment pas sans rappeler celle de Marguerite Duras, que nous entendrons d'ailleurs, dans une lecture d'un passage de L'amant.
Un peu comme dans les reportages sur France Culture, nous entendrons énormément d'illustrations sonores. De la pluie, des bruits de rue, des poèmes vietnamiens, des chansons, des compositions, le tout assemblé bout à bout et diffusé sous ou sans la voix de Melle Mercier.
Durant cette heure de « radio vivante », il lui faut néanmoins bouger un peu pour créer une sorte de dramaturgie.
La comédienne manipule des petites maquettes, un joli petit scooter rose sur un platine tourne-disques, allume et éteint des petits néons colorés, essore devant un micro directionnel un bikini extirpé d'un aquarium dans lequel nage un poisson rouge, (il sera nourri, le poisson), enlève ses chaussures, en remet d'autres.
Elle ira également danser en fond de scène, sur sur une reprise très saturée de « Run through the Jungle », du groupe Creedence Clearwater Revival.
Une petite télévision diffuse par moment quelques images vidéos...
Et puis des rencontres...
Une collègue vietnamienne, un expat chaud lapin.
Et oui, à Ho Chi Minh City comme ailleurs, il y a des bars à prostituées.
On sent bien que la comédienne a vécu une vraie expérience humaine. L'une de celles qui vous transforme.
Je suis ressorti de cette heure et quart en me demandant si j'avais vraiment envie d'aller faire un tour à Ho Chi Minh City...
I'm still only in Saïgon... Every time I think I'm gonna wake up back in the jungle.
Ho Chi Minh City... 33° Celsius au sol. La mousson.
Encore une grande leçon d'humidité.
Eloïse Mercier nous propose un long documentaire radiophonique sur scène.
Des souvenirs d'un séjour dans la capitale du Viet-Nam, un job dans une entreprise locale.
Une goutte d'eau dans un nuage.
Le titre est emprunté à Robert Musil. « Comme un homme né pour le changement dans un monde créé pour changer », nous dit l'essayiste et dramaturge autrichien.
La comédienne nous raconte tout d'abord une ville qu'elle ne comprend pas.
Pas les codes. Culturels, linguistiques, sociaux, sociétaux, gastronomiques...
Figée devant son micro, elle va nous dire ce qu'elle ressent, en quelques chapitres.
Immobile ou presque, les bras collés au corps, d'une voix monocorde au débit lent, elle nous livre ses souvenirs, ses impressions, ses rencontres... Ca commence par le message habituel de l'hôtesse dans le Boeing 787-9 de la Vietnam Airlines.
Cette façon de s'exprimer n'est évidemment pas sans rappeler celle de Marguerite Duras, que nous entendrons d'ailleurs, dans une lecture d'un passage de L'amant.
Un peu comme dans les reportages sur France Culture, nous entendrons énormément d'illustrations sonores. De la pluie, des bruits de rue, des poèmes vietnamiens, des chansons, des compositions, le tout assemblé bout à bout et diffusé sous ou sans la voix de Melle Mercier.
Durant cette heure de « radio vivante », il lui faut néanmoins bouger un peu pour créer une sorte de dramaturgie.
La comédienne manipule des petites maquettes, un joli petit scooter rose sur un platine tourne-disques, allume et éteint des petits néons colorés, essore devant un micro directionnel un bikini extirpé d'un aquarium dans lequel nage un poisson rouge, (il sera nourri, le poisson), enlève ses chaussures, en remet d'autres.
Elle ira également danser en fond de scène, sur sur une reprise très saturée de « Run through the Jungle », du groupe Creedence Clearwater Revival.
Une petite télévision diffuse par moment quelques images vidéos...
Et puis des rencontres...
Une collègue vietnamienne, un expat chaud lapin.
Et oui, à Ho Chi Minh City comme ailleurs, il y a des bars à prostituées.
On sent bien que la comédienne a vécu une vraie expérience humaine. L'une de celles qui vous transforme.
Je suis ressorti de cette heure et quart en me demandant si j'avais vraiment envie d'aller faire un tour à Ho Chi Minh City...
E.C.G.
Flat line !
Flash back !
1974... L'année des K, selon sa maman qui aurait préféré avoir un chien.
D'où Karine.... A quoi ça tient, tout de même...
Durant cette heure et quart, la désopilante Karine Dubernet va remonter le temps, un peu comme dans Retour vers le futur, pour s'arrêter sur une quinzaine d'années-charnière de sa vie.
Oui, désopilante ! Vraiment !
Vous en connaissez beaucoup, vous, des artistes qui réussissent le tour de force de plonger la très difficile salle du Point virgule dans un fou-rire généralisé ?
Ce fut le cas, hier, pour cette première tant attendue par Melle Dubernet de la reprise de son spectacle.
Quelle vis comica ! Quelle force comique émane de cette jeune femme, dans sa pourtant très classique robe-bustier noire.
Une solide formation clownesque (elle en parle) explique sans aucun doute cette réelle capacité à nous faire beaucoup rire. A ce sujet, elle nous en présente un surréaliste, de clown, ce qui aboutit au fou-rire déjà mentionné.
A partir d'un texte très écrit, très construit, (Ah ! Mais comme ça fait du bien de constater qu'un seul-en-scène peut être très bien écrit, avec un vrai style à quatre mains, puisque co-écrit avec Carole Greep, avec de vraies formules, des métaphores irrésistibles et autres vannes drôlissimes), la comédienne va raconter sa vie, certes, mais ce faisant, elle va surtout mettre en évidence des problèmes et des faits de société qui se sont posés à elle.
De ses expériences vécues, Karine Dubernet va nous amener à réfléchir sur la différence et l'altérité.
Une vraie réflexion concernant la condition féminine, l'homosexualité en général et féminine en particulier nous est proposée, mais sont également évoqués le poids de la religion, certains génocides, sans oublier la suprématie masculine dans bien des domaines.
De jubilatoires moments concerneront également les intermittents du spectacle, et leur exode avignonais.
Une bonne dose d'auto-dérision est là pour nous montrer qu'elle sait rire d'elle-même, pour faire ensuite fonctionner nos zygomatiques à plein régime.
Autre talent de la demoiselle : les accents.
Durant le spectacle, elle incarne de multiples personnages qui ont jalonné son existence.
C'est notamment par le biais des accents juif séfarade, allemand, yougoslave, ou encore camerounais (le père Zéphyrin est irrésistible...), qu'ils prennent corps devant nous, ces personnages importants dans la construction de la petite Karine.
Mais attention !
Derrière le rire, pointe souvent beaucoup d'émotion. Parfois, nous n'en menons pas large...
Ce rire serait-il un bon moyen de conjurer de grandes peines ?
Allez savoir...
En tout cas, ce qui est certain, c'est que la comédienne ne se ménage pas.
Mise en scène par Philippe Awat, elle n'arrête pas. Que d'énergie, que d'engagement ! Comme tout ceci est physique !
Elle finit complètement en nage. Nous voyons bien la sueur qui coule.
Les utilisations de sa robe sont également très judicieuses, et servent complètement le propos.
Oui, ces soixante-quinze minutes sont très souvent hilarantes.
Il est d'ailleurs un signe qui ne trompe pas : Anne Bigou, à la technique (coup de chapeau à elle, car cerise sur le gâteau, ce spectacle comporte une multitude d'événements lumineux et sonores), Anne Bigou, donc, rit de ce qu'elle voit, elle qui connaît pourtant bien le spectacle.
Je vous conseille vraiment ce seule-en scène.
Remarquablement co-écrit (je me répète), interprété avec un réel talent, le spectacle de Karine Dubernet fait partie de ceux qui vous procurent un vrai rire à la fois sain et salvateur.
Et vous qui habitez Montluçon, et qui plus est, aimez le Bordeaux et les devinettes concernant les cow-boys, je vous le conseille doublement !
Flat line !
Flash back !
1974... L'année des K, selon sa maman qui aurait préféré avoir un chien.
D'où Karine.... A quoi ça tient, tout de même...
Durant cette heure et quart, la désopilante Karine Dubernet va remonter le temps, un peu comme dans Retour vers le futur, pour s'arrêter sur une quinzaine d'années-charnière de sa vie.
Oui, désopilante ! Vraiment !
Vous en connaissez beaucoup, vous, des artistes qui réussissent le tour de force de plonger la très difficile salle du Point virgule dans un fou-rire généralisé ?
Ce fut le cas, hier, pour cette première tant attendue par Melle Dubernet de la reprise de son spectacle.
Quelle vis comica ! Quelle force comique émane de cette jeune femme, dans sa pourtant très classique robe-bustier noire.
Une solide formation clownesque (elle en parle) explique sans aucun doute cette réelle capacité à nous faire beaucoup rire. A ce sujet, elle nous en présente un surréaliste, de clown, ce qui aboutit au fou-rire déjà mentionné.
A partir d'un texte très écrit, très construit, (Ah ! Mais comme ça fait du bien de constater qu'un seul-en-scène peut être très bien écrit, avec un vrai style à quatre mains, puisque co-écrit avec Carole Greep, avec de vraies formules, des métaphores irrésistibles et autres vannes drôlissimes), la comédienne va raconter sa vie, certes, mais ce faisant, elle va surtout mettre en évidence des problèmes et des faits de société qui se sont posés à elle.
De ses expériences vécues, Karine Dubernet va nous amener à réfléchir sur la différence et l'altérité.
Une vraie réflexion concernant la condition féminine, l'homosexualité en général et féminine en particulier nous est proposée, mais sont également évoqués le poids de la religion, certains génocides, sans oublier la suprématie masculine dans bien des domaines.
De jubilatoires moments concerneront également les intermittents du spectacle, et leur exode avignonais.
Une bonne dose d'auto-dérision est là pour nous montrer qu'elle sait rire d'elle-même, pour faire ensuite fonctionner nos zygomatiques à plein régime.
Autre talent de la demoiselle : les accents.
Durant le spectacle, elle incarne de multiples personnages qui ont jalonné son existence.
C'est notamment par le biais des accents juif séfarade, allemand, yougoslave, ou encore camerounais (le père Zéphyrin est irrésistible...), qu'ils prennent corps devant nous, ces personnages importants dans la construction de la petite Karine.
Mais attention !
Derrière le rire, pointe souvent beaucoup d'émotion. Parfois, nous n'en menons pas large...
Ce rire serait-il un bon moyen de conjurer de grandes peines ?
Allez savoir...
En tout cas, ce qui est certain, c'est que la comédienne ne se ménage pas.
Mise en scène par Philippe Awat, elle n'arrête pas. Que d'énergie, que d'engagement ! Comme tout ceci est physique !
Elle finit complètement en nage. Nous voyons bien la sueur qui coule.
Les utilisations de sa robe sont également très judicieuses, et servent complètement le propos.
Oui, ces soixante-quinze minutes sont très souvent hilarantes.
Il est d'ailleurs un signe qui ne trompe pas : Anne Bigou, à la technique (coup de chapeau à elle, car cerise sur le gâteau, ce spectacle comporte une multitude d'événements lumineux et sonores), Anne Bigou, donc, rit de ce qu'elle voit, elle qui connaît pourtant bien le spectacle.
Je vous conseille vraiment ce seule-en scène.
Remarquablement co-écrit (je me répète), interprété avec un réel talent, le spectacle de Karine Dubernet fait partie de ceux qui vous procurent un vrai rire à la fois sain et salvateur.
Et vous qui habitez Montluçon, et qui plus est, aimez le Bordeaux et les devinettes concernant les cow-boys, je vous le conseille doublement !