Bachar Mar-Khalifé.
Ou comment plonger le public du théâtre de Fontainebleau dans la transe la plus enfiévrée qui soit, comment faire lever tous les spectateurs de leur siège afin de danser ensemble au son d’un tempo binaire hallucinant de groove et de braise !

Bachar Mar-Khalifé.

La passionnante rencontre entre la musique arabo-libanaise, le classique et l’électro.

Le Liban.
Le conflit interminable qui ronge le pays et qui oblige la famille à partir, alors que lui n’a 6 ans.
Une histoire de fuite rendue nécessaire et obligée par la guerre civile, une histoire qui comme pour le dramaturge Wajdi Mouawad débouchera sur la nécessité de plonger à bras le corps dans les racines et dans la mémoire familiale.
Le besoin également de penser à l’avenir. Construire, reconstuire...

Son dernier album On/Off, enregistré pour la première fois au Liban, dans la maison familiale sur le versant aride de la montagne du Jaj au nord de Beyrouth, va contribuer à nous dire cette histoire-là.
C’est cet album que le concert de ce soir va mettre en avant.

On/Off, référence aux sempiternelles et intempestives coupures de courant que connaît le Liban depuis si longtemps.
Sans oublier « les dualités plus philosophiques qui peuplent nos vies », pour reprendre les mots du compositeur.

La musique pour raconter, protester (Bachar Mar-Khalifé est engagé politiquement, n’hésitant pas à prendre position contre un autre Bachar…), la musique pour vivre et pour ne pas oublier.



La musique métissée, le musique du mélange de cultures, la musique qui tient une si grande place dans la famille.

Tel un djinn facétieux et malicieux, le musicien qui revêt un sweat noir à capuche frappé des mots « Uncivil at heart » s’installe à derrière ses claviers.
Le piano et le clavier micro-tonal oriental. Comme un symbole évident.

Les notes du premier titre, Zakrini, montent dans les cintres et dans les cœurs.
Des notes éthérées des touches noires et blanches, oniriques, réverbérées, propices au voyage musical et intérieur.
La voix un peu rauque, aux multiples contrastes.

Les compositions de Bachar Mar-Khalifé reposent souvent sur un dispositif d’ostinato, à savoir une boucle musicale d’accords, qui reviennent de multiples fois, comme de lancinantes mélopées et de lancinantes complaintes.

Le mode est pratiquement toujours mineur.
Un mode qui va dire la nostalgie, les choses un peu tristes vécues, le doute, mais paradoxalement, un mode qui va finir par communiquer un esprit de fête et de joie.
Des compositions notamment en fin de concert joyeusement tristes, ou tristement joyeuses, c’est selon.


A ses côtés, Aleksander Angelov à la basse électrique et à la contrebasse et Dogan Poyraz à la batterie vont délivrer une pulsation de braise.

La complicité entre ces trois-là est manifeste et immédiatement palpable.
Le batteurs délaissera de temps en temps sa caisse claire et ses cymbales pour s’emparer debout d’un grand tambour en bandoulière.

Le clavier micro-tonal prendra le relais en fin de set, avec les intervalles des modes orientales et les sonorités d’instruments à vent traditionnels.

La langue libanaise contribue évidemment à ce voyage, à cette évasion dans la montagne, la nature sauvage, là où les hyènes rôdent…

Voici « Prophète », un titre où nous allons entendre Marcel Khalifé, le père, grand musicien lui-aussi, grand joueur d’oud, qui nous dit le poème de l’immense Khalil Gibran, dans lequel il est écrit si poétiquement et si justement que nos enfants ne nous appartiennent pas…


Et puis voici « Insomnia », une chanson envoûtante, lancinante, qui dit que le sommeil est dur à trouver, dans les terres en proie aux conflits armés. Les cauchemars qui vous assaillent, même lorsque vous êtes éveillés...
Le talent et la technique pianistiques sont alors pleinement démontrés.

Une pièce magnifique. Mon passage préféré du concert…


« Insomnia. Ca veut dire Insomnie » : il faut souligner le côté pince-sans-rire du musicien, qui dans de très courts interventions entre les différents titres fait beaucoup rire la salle.
« Est-ce qu’il est permis de danser dans le théâtre de Fontainebleau ? », demande-t-il ainsi, de façon ironique et provocatrice…
Et nous de ne pas nous faire prier…

Un tonnerre d’applaudissements saluera les trois musiciens, à la fin du concert, enlacés dans un symbole évident de fraternité.

Nous sortons tous de ce premier jour du festival Jazz au théâtre avec en tête quantité d’images et de sons orientaux et nombre de messages positifs.

Avec le sentiment d’avoir vécu un grand et magnifique moment musical et humain.

.../...
Hugo a toujours l'esprit caustique, vif, pourfendeur, anticlérical devant l’Éternel à qui il demande des comptes, le lion perd ses forces devant la petite Jeanne et son frère Georges

Ah les petits-enfants, que l'on soit un homme illustre ou un illustre inconnu, ils vous font tourner en bourrique ! Mais il aime ça le père Hugo, il s'amuse de leurs pitreries, des demandes saugrenues mais poétiques de la petite Jeanne. Les enfants apaisent Hugo, il est tant écœuré par la politique, les puissants et surtout par cette tragédie, la Commune.

Alors oui, Jeanne et Georges seront sa seule consolation. Oui, nous entendrons "Jeanne était au pain sec dans le cabinet noir", j'avoue que c'est le seul poème dont je me souviens et je n'étais pas la seule, en entendant les réactions du public !

Jean-Claude Drouot est magistral, tendre, sortant ses griffes ou ses pattes de velours devant les petits. Il enthousiasme par sa simplicité, son humour, son amour des enfants et de son public.
.../...

La mère qu’on voit penser…

« Mieux vaut être dans la merde que l’imaginer », nous dit-elle, Jacqueline Mouawad, la mère du petit Wajdi…

La merde, c’est la guerre civile, au Liban…
Elle, Mme Mouawad, avec ses trois enfants, elle a rejoint Paris.
Son mari est resté au pays, pour continuer à travailler et subvenir aux besoins de sa famille.

En 1978, pas de téléphone portable, pas de réseau Internet. Ce qui la relie à Abdo, c’est le téléphone filaire à cadran. Et encore, lorsque les lignes ne sont pas coupées.

Et puis le journal de 20h00 d’Antenne 2.
Condamnée à imaginer le pire en permanence, cette maman exilée !

Condamnée à vivre durant cinq ans dans une angoissante incertitude de tous les instants !

Wajdi Mouwad continue son cycle dramaturgique « Domestique », entamé avec Seuls et Sœurs.
Dans ce troisième opus, le patron de La colline va se souvenir et se regarder.
Lui, le petit garçon de dix ans, aux lunettes rouges, qui débarque à Paris, et qui va découvrir le froid, la culture française, mais aussi les moqueries et les insultes de la part de ses camarades d’école.
Le jeune Wajdi va voir se croiser l’histoire de sa famille et l’Histoire, terrible, de son pays de naissance.

La mémoire, donc.
Les souvenirs qu’il faut faire revivre, impérativement.
Parce que les événements vécus lors de cette enfance-là ont laissé quantité de marques et blessures qu’il faut exorciser.
Parce que la charge émotive vécue a fait en sorte, dans son cas, de le pousser à écrire.

Cette écriture, dans Mère, c’est le Libanais. Comme une évidence.
L’Arabe, avec en plus quantité de formules et expressions propres à ce pays.

Cette écriture-là a très peu de place pour la poésie.

Nous allons très vite comprendre que Mme Mouawad dans son appartement du XV ème arrondissement était, pour reprendre les mots de l’auteur, « une femme très concrète »…

C’est la comédienne-metteure en scène-écrivaine libanaise Aïda Sabra qui l’incarne.
Avec un extraordinaire engagement.
Melle Sabra, formée à l’expression corporelle et au mime va nous ravir, dans le rôle de cette femme très haute en couleur, avec le verbe haut, très haut, avec également la main leste envers ses enfants.
Nous allons beaucoup rire de ses envolées et diatribes très sonores, de sa gestuelle de maîtresse-femme, de ses expressions on ne peut plus imagées et de ses insultes hilarantes envers certains chanteurs français et politiques du Moyen-Orient.

Ses tirades et ses prises de bec avec sa fille sont hilarants. Nayla est incarnée de façon épatante et tout en finesse par Odette Makhlouf.

Mais elle va également beaucoup nous émouvoir, à attendre la coup de fil fatidique, à souffrir de la séparation avec son mari et de l’exil en France.

La comédienne subjugue la salle entière. Quelle composition, quel beau personnage de théâtre !


Pour illustrer le mélange des cultures, Wajdi Mouawad a choisi plusieurs angles.

La culture libanaise est surtout représentée par la tradition culinaire du pays. Durant une bonne partie de la pièce, les femmes de la maison préparent les plats libanais, qui seront dégustés à la toute fin.

En ce qui concerne la culture française, ce sont les chansons d’enfance qui sortent d’un petit transistor, et qui seront reprises, entremêlées, mixées, adaptées et interprétées de façon magnifique et déchirante par Bertrand Cantat.
Le sud, de Nino Ferrer est ainsi chanté fait frissonner le public.

Et puis Christine Ockrent en personne joue son propre rôle, en présentatrice du 20h00.
Elle finira par dialoguer, de façon drôlissime, parfois grave avec Jacqueline et Wajdi enfant. (Le jeune comédien qui l’interprétait hier en alternance était formidable !)


Dans une scène magnifique, Wajdi Mouawad va pulvériser la trame narrative, temporelle et dramaturgique en s’adressant à sa mère.
Quand un fils de 52 ans s’adresse à sa mère pour lui demander de changer d’attitude et de comportement face à lui, alors enfant.
Les spectateurs n’en mènent alors pas large, tellement l’émotion qui se dégage de la séquence est à prenante.

Le comédien-metteur en scène-auteur passera également beaucoup de temps à changer les meubles de place, dans un espace au décor réduit à sa plus simple expression.
Parce que la mémoire n’est pas infaillible, parce que la mémoire a souvent tendance à être enjolivée.
La mémoire, ce sont aussi les photos personnelles qui seront à plusieurs moments projetées. Des instantanés de vie, figés à jamais, comme l’expression de Jacqueline qui ne sourit jamais devant l’objectif.

Wajdi Mouawad continue donc à nous faire partager son histoire personnelle.

Une histoire qui explique quel artiste, quel homme il est devenu.

Cette pièce restera longtemps dans les esprits, parce que, comme d’habitude, ce qu’il nous dit de son vécu relève de l’universel.

Un homme est avant tout le fils d’une Mère.
Surtout lorsque la tragédie tisse des liens aussi intenses entre les deux.

Une véritable ovation accueille les cinq comédiens une fois les lumières rallumées.

Et ce n’est que justice.

Enfin un spectacle qui tire à hue, certes, mais surtout à Dia !

Waly Dia, ou la sociologie hilarante.

Oui, l'humoriste-chroniqueur de France Inter est un fin observateur des sociétés plus modernes les unes que les autres, dans lesquelles nous sommes tous empêtrés.

A l’instar d’un Guy Bedos qui analysait sur scène les travers du monde qui l’entourait, Waly Dia porte un regard on ne peut plus aiguisé sur nos vies, sur nos défauts, sur la vie de la Cité au sens premier du terme.


Sans oublier un sens politique très affuté.

Les grands sujets actuels vont lui inspirer quantité de métaphores et d’images on ne peut plus justes et surtout drôlissimes !

Car ce garçon fait partie de ceux (ils sont très rares) qui deux heures durant, sont capables de plonger toute une salle dans un fou-rire de tous les instants.

J’en veux pour preuve les collègues humoristes présents hier soir à cette première, qui riaient eux aussi aux éclats. Pas facile de faire rire un humoriste, pourtant….

Ce qui frappe au premier abord, c’est la qualité de l’écriture de ce spectacle.
Waly Dia sait écrire. Vraiment.
Une écriture percutante, précise, acérée, avec des "punchlines" épatantes de tous les instants.
Nous n’aurons aucun répit.

Nous sommes dans une toute approche que celle qui consiste à raconter sa vie, dans un stand-up limité et poussif.
Non. Ici, c’est bien autre chose.

Waly Dia nous tend un miroir impitoyable.
De façon qui met à rude épreuve nos zygomatiques, certes, mais un miroir impitoyable.

Ce spectacle, c’est un tour d’horizon précis, percutant de l’actualité sociale et politique du moment.
Un croquis de notre France en proie à toutes sortes de replis sur elle-même, en proie à des tentations jusqu’au boutistes.
Une estampe de nos comportements, individuels et collectifs.

Waly Dia aborde quantité de sujets, dans une chronologie savamment travaillée.
Tout s’enchaîne à la perfection. (Deux heures, je vous le rappelle...)
La pandémie, Paris et les parisiens, la Covid, le complotisme des coiffeurs, les gilets jaunes et la police, les cyclistes allongés, les avatars de la télé-réalité, j’en passe et non des moindres…
Des petits instantanées d’une drôlerie de tous les instants, que tout le monde visualise parfaitement.

Et puis surtout, il va aborder de grands problèmes sociaux concernant notre plus contemporaine des contemporanéités.
Le sexisme. (Avec des techniques pour y remédier… le côté pédagogique…)
Le racisme, la discrimination, la colonisation, l’éducation, la religion, la pédophilie, l’islamisme, le terrorisme et bien d’autres...
(Autre dimension pédagogique : Waly Dia nous explique comment éradiquer DAESH.
Et ça marcherait ! Et non, vous n’en saurez évidemment pas plus…)

Je n’aurai garde d’oublier de mentionner le sketch le plus court du monde concernant une femme juive handicapée...

Tous ses arguments font mouche.
Bien entendu, ceux qui vont voir Waly Dia sont évidemment en phase avec ses prises de position.
Mais de ce point de vue, c’est un spectacle qui fait du bien.
Nous pouvons nous rendre compte que nous ne sommes pas les seuls à ne pas accepter l’inacceptable. Et ça, c’est très rassurant.

Et puis, il y a la politique…
Là encore, dans une plume au vitriol, à coup d’images métaphoriques parfois délirantes, mais parfaitement justifiées, l’humoriste pointe fortement certains personnels de notre classe politique.
MM Sarkozy, Blanquer, Fillon et consorts, vos oreilles doivent sacrément siffler. Et tant mieux !
Sans oublier un certain polémiste peut-être candidat à la Présidence de la République dont je me garderai bien d’écrire le nom.

Nous, nous jubilons, car lui dit haut et fort ce que nous tous pensons plus ou moins bas.
Car nous, nous n’avons ni les mots ni l’humour…

L’auto-dérision ? Bien entendu…
Le passage du spectacle concernant la naissance de sa fille est par exemple un grand moment !

Et puis, un vrai message d’espoir nous est adressé, sur la nécessité du vivre ensemble, de la solidarité et de la fraternité.
Ensemble ou rien, c’est le titre du spectacle.

Ce regard lucide, acéré, cet humour permanent et percutant, cette présence scénique, ce charisme, font de ces deux heures un seul-en-scène auquel il faut à tout prix assister.

Quant aux amateurs d’écureuils, ceux-là se régalent !

Oh Gabi, Gabi,
Tu veux nous chanter la mer ?

La mer… L’océan qui sépare le France du brésil.
Le jazz franco-brésilien de Gabi Hartmann.

De sa voix à la fois claire et feutrée, chaude et colorée de mezzo, Melle Hartmann nous tisse une bien jolie passerelle entre les cultures française et brésilienne.
Produite par Jesse Harris, celui de Melody Gardot, Madeleine Peyroux et de Norah Jones, excusez du peu, elle est actuellement en résidence au Duc des Lombards.

C’est d’ailleurs un titre de Mister Harris qui sera interprété pour ouvrir le bal, «It ‘s not too late to turn back ».

Et puis, avec beaucoup de délicatesse et des sensibilité, la chanteuse va nous dire les mots gorgés de soleil, aux sonorités chuintantes et délicates.

Avec ses musiciens, s’accompagnant souvent à la guitare acoustique, elle va nous interpréter et jouer la tristeza, la tristesse du pays du Corcovado, érigée en art de vivre.

Immédiatement, dès les premières notes, le charme opère.
Nous voici plongés dans un jazz personnel et délicat, grâce à des compositions très abouties, dotées de subtils arrangements.
Des chansons qui nous disent les amours plus ou moins contrariées, « pour ceux qui se sentent hésitants en matière de relations amoureuse », nous dira-t-elle de façon très drôle, avec un regard espiègle.
Sans oublier des reprises de chansons françaises.

Nous allons assister à de passionnants échanges musicaux avec Robby Marshall à la clarinette, clarinette basse et à la flûte, Florian Robin au piano et au minuscule orgue, sans oublier Paul de Robillard à la Télécaster.

Côté rythmique, Elaine Beaumont à la contrebasse et Bruno Marmey aux percussions délivrent une pulsation tout en finesse, dans de sensuelles boss-novas.

Et puis des reprises, donc.
« Maladie d’amour », d’un certain Henri Salvador, dont beaucoup de musicologues s’accordent à penser qu’il fut l’inventeur de la bossa nova, ayant eu l’idée de ralentir une samba traditionnelle.

Gabi Hartmann fait véritablement sienne cette chanson, en donne un angle passionnant, et en y révélant un sens qui peut-être nous avait échappé.

Voici venir une chanson traditionnelle du Nord du Brésil, interprétée là-bas par des femmes, qui improvisent.

Tiens tiens… Vous avez dit improvisation ?

Une reprise inattendue de Barbara, « Tu ne te souviendras pas », avec là encore, un passionnant travail d’appropriation.



Ensuite, Mademoiselle Hartmann nous propose une pièce musicale qui va nous remuer les tripes.
Une chanson intitulée « La mer ».
Pas celle du grand Charles, non… La sienne.
« La mer qu’on voit danser a des reflets de sang » en sont les premiers mots.
C’est un hommage à tous ces hommes et ces femmes obligés d’abandonner leur pays, leur famille, ne pouvant faire autrement que de s’exiler sur des radeaux de fortune qui bien souvent chavirent, avec l’issue fatale que l’on sait.
Un moment poignant du concert.
On peut chanter du jazz et avoir une réelle conscience politique.

Nous allons chanter, également, nous autres spectateurs.
Plus facile à écrire qu’à faire...
La demoiselle nous met à contribution, et nous ne boudons pas notre plaisir à nous essayer à entonner quelques mots de brésilien.

Le concert, trop court, bien évidemment, se termine avec deux rappels, « Coracao transparente », et « Eu moro na roca ».
Ô Brazil, encore et toujours, définitivement...

Gabi Hartmann sera chaleureusement et longuement applaudie, et ce, à juste titre.
Il n’est pas si courant que ça de découvrir une jeune chanteuse qui propose un jazz à la fois personnel et doté de profondes influences.
Une artiste capable d’embarquer toute une salle dans un passionnant voyage musical mais aussi intérieur.

Elle sera en concert le samedi 27 novembre prochain, au festival Jazz au Théâtre, à Fontainebleau, en première partie de Michel Portal.
Vous ne pourrez pas dire que vous ne saviez pas...