Bonne surprise du Festival d'Avignon 2013, le spectacle du jeune metteur en scène Julien Gosselin et de sa compagnie "si vous pouviez lecher mon coeur" aborde sans complexe le roman culte et difficile Les particules élémentaires de Michel Houellebecq. Dans une adaptation subtilement écrite, mettant l'accent sur le parcours des frères, le ridicule, le tragique de certains évènements et certains épisodes du livre, Gosselin offre un spectacle fascinant, où se mêlent les rires du pathétique et les larmes du drame quotidien, derrière lequel se niche la desespérance. Les mutations des sociétés se sont succédées jusqu'à celle qui nous guette, mise en mot par Houellebecq et brutalement mise en images par Gosselin.

Si l'amour des hommes reste intact, la foi en lui n'existe guère plus que dans l'idéal : résolument pessimiste, ou plutôt fataliste, Les particules élémentaires font aimer l'homme en même temps qu'elles nous font le mépriser.
Gosselin a su saisir cette folie douce qui aveugle tant l'homme, dans sa quête effrénée de la sexualité et son rapport à la reproducction, dans le lien qui l'unit à la volonté du changement, comme une fuite. Il met en scène cette frénésie, avec peu de moyens pourtant, et surtout avec un talent fou du spectacle, jouant de la lumière comme du son , des projections comme des registres de jeu : les comédiens y sont formidables.

Un spectacle à voir, assurément.

C'est une déception.

La nouvelle création de l'incontournable Bob Wilson ne parvient pas à créer le mélange parfait : celui du texte et de la mise en scène. Sa vision de Les Nègres de Jean Genet pêche par trop d'images, écrasant l'extravagance de Genet. Au final, un spectacle plastique (toujours absolument maitrisé, comme chaque création de Wilson) mais dont le sens est édulcoré, noyant l'essence de la pièce de Genet dans une transposition dans un Amérique "Louisiane" style cabaret, tentant là l'approche de l'universalité du sujet.

Les Nègres version Wilson restent donc en surface. C'est beau mais c'est lisse. Un comble pour du Jean Genêt...

Bien fait, loin d'être mauvais (Braunschweig, directeur du Théâtre National de la colline, a du savoir-faire), Rien de moi déçoit un peu car il ne transcende pas, il ne transporte pas, il ne provoque rien d'autre qu'un constat assez neutre et détaché. Dans cette histoire de cœur, de temps et de mots, Rien de moi manque hélas d'émotion.

La mise en scène, en outre, alterne le cliché du théâtre contemporain épuré et le symbolisme appuyé (la dernière scène). Le jeu des comédiens, s'il n'est pas mauvais, n'est pas assez marqué dans un registre. Le texte, enfin traduction de Lygre par Braunscweig lui-même, explorant là sa troisième pièce du dramaturge, est un des points forts de la pièce, relatant dans un jeu subtil de "présent prédictif" l'histoire sans espoir d'un couple rattrapé par le passé et la fuite de la passion.

S'il y a dans le théâtre de Macaigne une évidente fureur quasi désespérée séduisante et presque fascinante, il y a aussi quelque chose de l'ordre de la stérilité derrière la colère ou le désespérance constaté par l'artiste. Ça crie, ça se débat : le constat du monde met en colère l'artiste... Hélas, derrière la mise en scène emphatique (visuellement riche, parfois excessive) on ressent autant de frustration que la colère de Macaigne semble vaine...

La transposition de l'Idiot de Dostoievski est intéressante (on n'assiste qu'à une partie du roman : anniversaire et retour de l'idiot des années plus tard) : la description d'un monde qui bascule-dans le roman du dramaturge russe- fait ici écho à notre société qui semble sombrer. En cela, Macaigne fait mouche. Il a aussi le mérite de faire venir au théâtre un public nouveau, rajeuni. Mais ses excès, ses débordements, ses exagérations en tout genre (dans la rue avant le spectacle, à l'entracte dans le foyer, dans la salle, les comédiens mêlés au public, musique trop forte, acteurs hurlant, mousse, surenchère et étirement des scènes "chocs"...) donnent parfois à ses choix des allures de postures qui polluent un peu la colère et le cri qu'on aurait préféré plus "bruts".

Martinelli signe une mise en scène plus que discrète. Et pour cause, c'est ici Christine Citti, seule en scène (et formidable), qui donne à voir et entendre, à ressentir surtout, la douleur et le réveil d'une femme blessée, malmenée, violentée, humiliée et harcelée.

Le texte de Fabienne Parineau alterne entre le "stream of consciousness" et le dialogue entre l'héroïne et sa femme de ménage, ou son amant. Il évoque surtout, sans jamais sombrer ni dans la banalité ni dans l'intellectualisation, la situation hélas trop courante des femmes meurtries par un amour dévoyé par la domination.

La pièce ne tombe pas dans la larmoyante lamentation, elle est au contraire un constat implacable, auquel succède un appel vibrant à la réaction.