Tristan et Isolde

Un opéra magistral, d'une beauté époustouflante.

C'est vrai que c'est un opéra qui peut paraître difficile d'accès par sa durée, par le fait qu'il soit joué en Allemand et surtout par l'immense place qu'il laisse à l'imagination.

Mais tout cela s'oublie très facilement car on entre dans une bulle hors du temps. Ce qui est idéal pour laisser son imagination vagabonder à propos des décors volontairement abstraits, magnifiés par d'impressionnants jeux de lumières.

Et surtout, surtout, on se laisse emporter par l'histoire racontée par la musique de WAGNER qui est admirablement jouée par l'Orchestre National de France sous la direction de Daniele GATTI. Plus j'y repense, plus je me dis que c'est la musique qui a le plus beau rôle dans cet opéra. La partition de cette version de Tristan et Isolde sublime le jeu des acteurs, déjà servi par une excellente distribution. Et pas seulement pour Tristan et Isolde eux même, Steven Humes notamment incarne un épatant Roi Marke.

Une très belle version donc de cet opéra qui se joue assez rarement. Et une version qui va bien avec le cadre du Théâtre des Champs Elysées, plus intime que si elle avait été donnée à l'Opéra Garnier. A découvrir sans hésiter, si vous aimez l'opéra.

J'ai été enthousiasmée par cet opéra.
La musique était superbe et les chanteurs ne manquaient pas de coffre pour magnifier l'ensemble.

Plus j'y repense et plus je trouve la mise en scène juste et équilibrée pour cet opéra tragique en 3 actes.
Les décors non figuratifs laissent place à l'imaginaire et permettent des jeux de lumières époustouflants car cette adaptation repose sur une dualité primordiale : le jour et la nuit, le devoir et les moeurs face au désir et à la mort.
Cet aspect est traité tout au long des différents actes par une lumière maîtrisée et froide. Isolde est à chaque fois à la limite et finit par gagner la nuit dans un final émouvant et visuel.
Les actes montent crescendo pour arriver à rendre leurs plus belles émotions dans des finals haletants.

Cette adaptation ne vise pas la transcription de l'amour entre Tristan et Isolde mais préfigure leur péché qui conduira à la mort.
Une oeuvre à aller voir sans tarder.

Réputée musique pour initiés, le Tristan et Isolde de Richard Wagner reste cependant très accessible, à condition que la durée, proche de 4h30, n’effraie pas certains réfractaires à une œuvre éprouvante dans le sens positif du terme, où toute la tension dramatique est systématiquement rejetée en fin d’acte.

Face à un public parisien très exigent, le chef italien Daniele Gatti a défendu la partition avec sensibilité et raffinement. Toute la vitalité des notes s’élève dans la salle. L’orchestre national de France, en grande forme, n’a pas faibli au rythme de sa baguette, jusqu’au Liebestod et son grand crescendo final, un aria bouleversant qui signe la mort de l’amour, tout en sublimant la magnifique écriture wagnérienne. L’ouverture de l’acte II reste un grand moment avec le cor anglais et résonne encore dans notre tête. C’est à peine si l’on peut reprocher au chef un tempo légèrement flottant mais cela dans l’unique but de s’adapter aux interprètes et de coordonner la fosse et le plateau.

D’ailleurs, l’un des points forts de cette production est sans aucun doute la grande qualité de la distribution, et pas uniquement dans le duo-phare qui fait preuve d’une parfaite alchimie et livre une interprétation magistrale. Rachel Nicholls, qui a remplacé quasiment au pied levé Emily Magee (qui a du retourner aux Etats-Unis pour raisons personnelles seulement trois semaines après le début des répétitions), se montre une épatante Isolde. L’agressivité de l’acte I fait rapidement place à une certaine nervosité et la soprano dramatique nous offre une large palette de couleurs vocales. Elle parvient même à nous arracher quelques larmes, telles des étoiles de mer venues s’échouer sur le rivage, lors de la scène finale qui nous laissera pour longtemps une image simple mais profonde, d’une beauté picturale enivrante.

Torsten Kerl est quant à lui un Tristan qui impose. Il est époustouflant. La puissance de la voix de ce ténor est exaltante malgré quelques rares passages où l’orchestre surplombe sa présence, appuyant un peu trop sur les abymes de sa douleur. Andrew Rees étonne en Melot infirme, prenant appui sur sa canne et courbé en deux constamment. Cette faiblesse physique contraste avec sa force vocale. Steven Humes a un timbre incroyablement expressif dans le rôle du roi Marc. Michelle Breedt (Brangaine) et Brett Polegato (Kourvenal) impressionnent fortement également. L’homogénéité de la distribution renforce la profonde émotion que nous avons ressentie durant la captivante représentation, saluée par une ovation amplement méritée.

Les lumières de Jean Kalman subliment un plateau tout en clair-obscur. Un magnifique passage en vert, couleur de l’espoir, retranscrit parfaitement les terres irlandaises. Les nombreux contre-jours apportent une relecture plus profonde de l’œuvre de Wagner, ne la réduisant pas comme souvent à une simple passion amoureuse. La scénographie épurée de Christof Hetzer est ainsi mise en valeur. Nous passons avec aisance dans les différentes parties du navire ferreux grâce aux panneaux mouvants puis vibrons de passion dans le parc arboré, symbolisé par de grands troncs clairs avant d’assister, impuissants, à la mort des héros dans une cabane entourée de petits rochers, lieu clandestin de l’apothéose de leur amour. Petit bémol pour les costumes, principalement à l’acte III mais En revanche, là où le bât blesse, ce serait peut-être du point de vue de la mise en scène de Pierre Audi. Bien loin de celle de Patrice Chéreau présentée en 2007 à la Scala, c’est le seul point faible du Tristan et Isolde présenté au Théâtre des Champs-Elysées.

Si nous ne pouvons lui reprocher cet aspect très esthétisant qui fait corps avec l’ensemble de la production, la direction d’acteurs trop statique, distanciée et minimaliste est regrettable et fait même quelques écarts vis-à-vis du livret initial. Cependant, la qualité vocale et musicale pallie cette légère faiblesse. Esthétiquement, c’est beau et cela fonctionne, au point de donner envie de revoir encore et encore cette œuvre efficace, si peu donnée en France.