Valérie R42
Mini-Molière du Critique
45 ans
87 espions
Il n'y a pas que les têtes d'affiche au théâtre et heureusement !!!
Et de temps en temps chroniqueuse pour Aubalcon et pour Radio Mortimer.
Valérie R42
TW : @RogerQuaranted2
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Son blog : https://r42culturegourmande.wordpress.com
Son balcon
SAISON 2022-2023
11
pièces vues
8
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Mini Molières
71 219reçus
Mini-Molière du Critique
Son classement : 2 / 5709
Avant elle
Yves Poey
1006 critiques
Après elle
Frédéric Perez - Spectatif -
837 critiques
Niveau
20 / 20
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critiques
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Actualités de ses filatures
C’est avec une férocité grinçante et sourde autant que détonante que Lucy Kirkwood, jeune autrice anglaise, façonne ce drame moderne aux allures d’uchronie où la dénonciation sociale, écologique et finalement culturelle se veut implacable et devient une évidence nécessaire à affronter. Le style narratif caustique et cynique au patchwork habile de ruptures et de saillies textuelles saute souvent dans les flaques du contrepied. L’humour à la crudité frontale impertinente et aux saveurs aigres de l’ironie, sème une drôlerie salvatrice où le rire vient piquer un univers délibérément mortifère.
« Un couple d’ingénieurs nucléaires à la retraite vit quelque part au bord de la mer près d’une centrale nucléaire qui vient d’être touchée par un tsunami. Une collègue ingénieur qui a participé elle aussi à la construction des grandes centrales scientifiques de la terre (un amour de jeunesse que l’on n’a pas vu depuis 30 ans), arrive un soir d’été pour leur faire une proposition étonnante. »
Le récit traverse tout le long un néo-réalisme allié à un néo-brutalisme qui ne sont pas sans rappeler les caractéristiques du mouvement théâtral britannique « In Yer Face » que Kirkwood semble rejoindre, dans la lignée de Kelly, Crimp ou Kane. La dramaturgie conflictuelle se délivre sur un mode de légèreté et de nonchalance. L’écriture semble vouloir nous tenir à distance de ce qui est dit, de ce qui est fait, de ce que nous comprenons être ça. Mais la narration est ici bien façonnée, ficelée avec adresse, et voilà que le paradoxe généré par le miroir cathartique du théâtre nous place tout net dans un champ de proximité avec les personnages et les situations.
Hazel, Robin et Rose nous surprennent et nous interrogent. Au-delà du trio vaudevillesque qui chahute en public ses souvenirs, ils nous content une satire contemporaine sur la volonté de résilience tentant d’imposer un renouveau pour ne pas sombrer dans l’abîme de la résignation. Mais est-il encore temps ? Croyance ou certitude ? Agitation désespérée pour conjurer le sort ou sublimation de la vieillesse dans le devenir des jeunes générations ? Ces autres nous-même, symboles de notre lignée, peut-être nos propres enfants. Les enfants. Oui les enfants, sorte de repère étalon qui survole l’ensemble de cette rationalité limitée développé dans le texte, signifiants majeurs du changement.
La mise en scène de Éric Vigner assisté par Alban de Tarlé dessine une esthétique épurée de matérialité et réduit les mouvements au stricte nécessaire de la narration. Les sons bruitent et scandent le temps qui change, hachurant ou soulignant les situations. Le texte prévaut avec force et se délivre dans l’extériorité stylisée et clinique d’une scénographie dépouillée. Les personnages s’imposent alors, magnifiés par une remarquable interprétation.
Cécile Brune, Frédéric Pierrot et Dominique Valadié nous saisissent et nous emportent dans ce récit prégnant qui devient un labyrinthe aux idées, bouscule notre imaginaire et notre réflexion. Elles et ils se fondent dans leurs personnages, on les oublie tant il sont vrais. Seuls demeurent Hazel (Cécile Brune, magnifique et majestueuse défenseuse de la Vie, au tonus décapant et à la sensibilité palpable), Robin (troublant Frédéric Pierrot, tout en profondeur dans son désespoir et sa fragilité) et Rose (impressionnante Dominique Valadié, grande faucheuse meurtrie, digne et distante mais déterminée à repartir avec ses proies). Nous nous laissons volontiers cueillir et entreprendre dans cette déroute captivante et sublime à la fois. Elles et Ils nous subjuguent véritablement par la finesse et la puissance de jeu de leurs personnages.
Un spectacle passionnant. Une pièce coup de poing. Un mise en vie à l’évidence discrète et adroite. Une interprétation de très haut vol.
Incontournable !
« Un couple d’ingénieurs nucléaires à la retraite vit quelque part au bord de la mer près d’une centrale nucléaire qui vient d’être touchée par un tsunami. Une collègue ingénieur qui a participé elle aussi à la construction des grandes centrales scientifiques de la terre (un amour de jeunesse que l’on n’a pas vu depuis 30 ans), arrive un soir d’été pour leur faire une proposition étonnante. »
Le récit traverse tout le long un néo-réalisme allié à un néo-brutalisme qui ne sont pas sans rappeler les caractéristiques du mouvement théâtral britannique « In Yer Face » que Kirkwood semble rejoindre, dans la lignée de Kelly, Crimp ou Kane. La dramaturgie conflictuelle se délivre sur un mode de légèreté et de nonchalance. L’écriture semble vouloir nous tenir à distance de ce qui est dit, de ce qui est fait, de ce que nous comprenons être ça. Mais la narration est ici bien façonnée, ficelée avec adresse, et voilà que le paradoxe généré par le miroir cathartique du théâtre nous place tout net dans un champ de proximité avec les personnages et les situations.
Hazel, Robin et Rose nous surprennent et nous interrogent. Au-delà du trio vaudevillesque qui chahute en public ses souvenirs, ils nous content une satire contemporaine sur la volonté de résilience tentant d’imposer un renouveau pour ne pas sombrer dans l’abîme de la résignation. Mais est-il encore temps ? Croyance ou certitude ? Agitation désespérée pour conjurer le sort ou sublimation de la vieillesse dans le devenir des jeunes générations ? Ces autres nous-même, symboles de notre lignée, peut-être nos propres enfants. Les enfants. Oui les enfants, sorte de repère étalon qui survole l’ensemble de cette rationalité limitée développé dans le texte, signifiants majeurs du changement.
La mise en scène de Éric Vigner assisté par Alban de Tarlé dessine une esthétique épurée de matérialité et réduit les mouvements au stricte nécessaire de la narration. Les sons bruitent et scandent le temps qui change, hachurant ou soulignant les situations. Le texte prévaut avec force et se délivre dans l’extériorité stylisée et clinique d’une scénographie dépouillée. Les personnages s’imposent alors, magnifiés par une remarquable interprétation.
Cécile Brune, Frédéric Pierrot et Dominique Valadié nous saisissent et nous emportent dans ce récit prégnant qui devient un labyrinthe aux idées, bouscule notre imaginaire et notre réflexion. Elles et ils se fondent dans leurs personnages, on les oublie tant il sont vrais. Seuls demeurent Hazel (Cécile Brune, magnifique et majestueuse défenseuse de la Vie, au tonus décapant et à la sensibilité palpable), Robin (troublant Frédéric Pierrot, tout en profondeur dans son désespoir et sa fragilité) et Rose (impressionnante Dominique Valadié, grande faucheuse meurtrie, digne et distante mais déterminée à repartir avec ses proies). Nous nous laissons volontiers cueillir et entreprendre dans cette déroute captivante et sublime à la fois. Elles et Ils nous subjuguent véritablement par la finesse et la puissance de jeu de leurs personnages.
Un spectacle passionnant. Une pièce coup de poing. Un mise en vie à l’évidence discrète et adroite. Une interprétation de très haut vol.
Incontournable !
"Maud, reviens un moment, ton père veut te parler. Il rôde et hante parmi ses souvenirs et nous rejoint pour les raconter. Pour toi d’abord et pour nous aussi…"
« Seul en scène, depuis son pays des morts, Max Linder s’adresse à Maud, sa fille de seize mois. Il lui raconte tout : ses grandeurs et ses démons, ses films »
C'est ainsi que le spectacle sera ponctué d'adresses à sa fille, aujourd’hui disparue, tout le long de cette impressionnante narration documentée de Max Linder, écrite et mise en scène par Stéphane Olivié Bisson.
Un récit de vie incarné au sens littéral du terme par Jérémy Lopez, sociétaire de la Comédie-Française. Un comédien de toute splendeur. Jérémy Lopez ne joue pas, il est Max Linder. Incroyable et magique interprétation d’une intensité et d’une vibration stupéfiantes. Une sensibilité à fleur de peau court tout le long. Un jeu rare tant il est nuances et tant il peut devenir violences, qui nous montre les meurtrissures profondes à jamais béantes, pour toujours gravées dans la mémoire qui revient, de cette figure emblématique du cinéma muet, immense et illustre gloire déchue du début du cinématographe.
« 1905, studios Pathé, l’acteur de théâtre Max découvre le cinéma, art naissant. Révélation et frénésie, il tourne cinq cents films, s’exporte à Hollywood, devient l’égal voire le « professeur » de Charlie Chaplin. Jaquette, chapeau de soie, haut de forme, souliers vernis et gants de noce, il invente l’élégance comique du dandy, parfait et désopilant gentleman »
Comme il l’a fait pour Camus avec ses Carnets, Stéphane Olivié Bisson a cette intuition géniale de faire revivre, le temps d’égrener les bribes essentielles de la vie de Gabriel-Maximilien Leuvielle dit Max Linder, le célèbre inconnu qui inspira le personnage de Charlot à Chaplin et marquera nombre de figures comiques qui l’ont succédé, de Pierre Étaix aux Marx Brothers, entre autres.
Nous voici emportés dans un parcours de vie captivant, magnifié par son interprétation. Nous cheminons parmi les peurs, les doutes et les réussites aussi de l’artiste et de l’homme, du père empêché. Nous revivons avec lui ses joies et ses peines, ses souffrances que sa secrétaire qualifia « des pires parce que peut-être imaginaires ». Et nous apprenons sans l’accepter l’oubli « douloureux et injuste » dans lequel on a jeté son histoire et son œuvre en grande partie détruite.
C’est un moment éblouissant que ce rendez-vous avec Max Linder, génie artistique, que la folie a emporté pour son dernier refuge vers le pays qu’il habite désormais, « le pays de l’oubli et de la nostalgie ».
Voici un spectacle prégnant, richement documenté et soigneusement peaufiné, et surtout, surtout, magistralement interprété par Jérémy Lopez. Un magnifique et mémorable moment de théâtre. Une incontournable découverte que je recommande vivement !
« Seul en scène, depuis son pays des morts, Max Linder s’adresse à Maud, sa fille de seize mois. Il lui raconte tout : ses grandeurs et ses démons, ses films »
C'est ainsi que le spectacle sera ponctué d'adresses à sa fille, aujourd’hui disparue, tout le long de cette impressionnante narration documentée de Max Linder, écrite et mise en scène par Stéphane Olivié Bisson.
Un récit de vie incarné au sens littéral du terme par Jérémy Lopez, sociétaire de la Comédie-Française. Un comédien de toute splendeur. Jérémy Lopez ne joue pas, il est Max Linder. Incroyable et magique interprétation d’une intensité et d’une vibration stupéfiantes. Une sensibilité à fleur de peau court tout le long. Un jeu rare tant il est nuances et tant il peut devenir violences, qui nous montre les meurtrissures profondes à jamais béantes, pour toujours gravées dans la mémoire qui revient, de cette figure emblématique du cinéma muet, immense et illustre gloire déchue du début du cinématographe.
« 1905, studios Pathé, l’acteur de théâtre Max découvre le cinéma, art naissant. Révélation et frénésie, il tourne cinq cents films, s’exporte à Hollywood, devient l’égal voire le « professeur » de Charlie Chaplin. Jaquette, chapeau de soie, haut de forme, souliers vernis et gants de noce, il invente l’élégance comique du dandy, parfait et désopilant gentleman »
Comme il l’a fait pour Camus avec ses Carnets, Stéphane Olivié Bisson a cette intuition géniale de faire revivre, le temps d’égrener les bribes essentielles de la vie de Gabriel-Maximilien Leuvielle dit Max Linder, le célèbre inconnu qui inspira le personnage de Charlot à Chaplin et marquera nombre de figures comiques qui l’ont succédé, de Pierre Étaix aux Marx Brothers, entre autres.
Nous voici emportés dans un parcours de vie captivant, magnifié par son interprétation. Nous cheminons parmi les peurs, les doutes et les réussites aussi de l’artiste et de l’homme, du père empêché. Nous revivons avec lui ses joies et ses peines, ses souffrances que sa secrétaire qualifia « des pires parce que peut-être imaginaires ». Et nous apprenons sans l’accepter l’oubli « douloureux et injuste » dans lequel on a jeté son histoire et son œuvre en grande partie détruite.
C’est un moment éblouissant que ce rendez-vous avec Max Linder, génie artistique, que la folie a emporté pour son dernier refuge vers le pays qu’il habite désormais, « le pays de l’oubli et de la nostalgie ».
Voici un spectacle prégnant, richement documenté et soigneusement peaufiné, et surtout, surtout, magistralement interprété par Jérémy Lopez. Un magnifique et mémorable moment de théâtre. Une incontournable découverte que je recommande vivement !
Quand les histoires de famille se troublent des travers des personnalités qui la composent, cela donne du grain à moudre à l’esprit de dispute, aux embrouilles et autres dégâts collatéraux sur les liens affectifs. Certes. Mais c’est sans compter sur l’ingénieuse et désopilante façon de voir et de raconter les heurts intimes de ces secrets dévoilés et les sursauts que cela occasionne, que Valérie Fayolle dépeint avec délice dans cette comédie.
« Un testament et un objet inattendu trouvé au fond du grenier vont venir bouleverser l'équilibre vacillant d'une famille bien sous tous rapports. Quand la mère, les deux frères, la sœur et la belle-sœur se retrouvent coincés dans la maison familiale, rien ne se passe comme prévu ! Quand les parents ne règlent pas leurs problèmes ils les lèguent... Dans cette comédie joyeusement macabre "Le comble de la vanité" serait de croire que l'on peut échapper aux liens du sang… »
L’autrice utilise un humour au cynisme efficace truffé de saillies balancées pour composer cette peinture astucieuse et adroite des menteries alimentant les secrets de famille, souvent liées comme ici aux ravages de l’image sociale à préserver par-dessus tout. Et quand il y est ajouté les outrances savoureuses des excès de l’estime de soi et du sentiment de compétence, nous sommes alors en présence d’une singerie espiègle et élégante où l’arrogance narcissique et mégalomane de celles et ceux qui en sont ou en étaient bardés, nous raconte, façon thriller drôle, une histoire atrocement et macabrement rieuse.
Mentir serait-il alors l’ombre de la vanité ? Ce serait un comble !
La mise en scène Ludivine de Chastenet assistée par Sabrina Paul, met le texte en valeur dans une allure allègre et un climat de suspens qui siéent parfaitement au texte et laissent toute la place aux interprètes pour nous entreprendre.
Les éléments scéniques, la scénographie de Emmanuel Charles, les costumes de Isabelle Mathieu, la lumière de François Leneveu et la musique de Pierre-Antoine Durand participent avec harmonie au cheminement agréable de ce spectacle.
L’interprétation est gourmande et mystérieuse à souhait. Autour de Virginie Pradal, magnifique mère tutélaire, drôle et énigmatique jusqu’à la dernière minute, Mikaël Chirinian, Julie Farenc, Cécile Rebboah et David Talbot campent leurs rôles avec fluidité et complémentarité. Un bel ouvrage !
Du théâtre de plaisir. Une comédie amusante. Une merveilleuse distribution. Encore un bon et beau spectacle à la Pépinière Théâtre !
« Un testament et un objet inattendu trouvé au fond du grenier vont venir bouleverser l'équilibre vacillant d'une famille bien sous tous rapports. Quand la mère, les deux frères, la sœur et la belle-sœur se retrouvent coincés dans la maison familiale, rien ne se passe comme prévu ! Quand les parents ne règlent pas leurs problèmes ils les lèguent... Dans cette comédie joyeusement macabre "Le comble de la vanité" serait de croire que l'on peut échapper aux liens du sang… »
L’autrice utilise un humour au cynisme efficace truffé de saillies balancées pour composer cette peinture astucieuse et adroite des menteries alimentant les secrets de famille, souvent liées comme ici aux ravages de l’image sociale à préserver par-dessus tout. Et quand il y est ajouté les outrances savoureuses des excès de l’estime de soi et du sentiment de compétence, nous sommes alors en présence d’une singerie espiègle et élégante où l’arrogance narcissique et mégalomane de celles et ceux qui en sont ou en étaient bardés, nous raconte, façon thriller drôle, une histoire atrocement et macabrement rieuse.
Mentir serait-il alors l’ombre de la vanité ? Ce serait un comble !
La mise en scène Ludivine de Chastenet assistée par Sabrina Paul, met le texte en valeur dans une allure allègre et un climat de suspens qui siéent parfaitement au texte et laissent toute la place aux interprètes pour nous entreprendre.
Les éléments scéniques, la scénographie de Emmanuel Charles, les costumes de Isabelle Mathieu, la lumière de François Leneveu et la musique de Pierre-Antoine Durand participent avec harmonie au cheminement agréable de ce spectacle.
L’interprétation est gourmande et mystérieuse à souhait. Autour de Virginie Pradal, magnifique mère tutélaire, drôle et énigmatique jusqu’à la dernière minute, Mikaël Chirinian, Julie Farenc, Cécile Rebboah et David Talbot campent leurs rôles avec fluidité et complémentarité. Un bel ouvrage !
Du théâtre de plaisir. Une comédie amusante. Une merveilleuse distribution. Encore un bon et beau spectacle à la Pépinière Théâtre !
Une farce détonante et grinçante parsemée de zigzags d’absurdité comme le dit l’auteur Jean-Michel Ribes.
Il y fait bon se laisser prendre par ces ravages improbables d’un réel passé au crible de la dénonciation des rapports de pouvoir entre les humains, que la fiction fort heureusement sait railler pour notre plus grand plaisir.
« Un Airbus crashé en haut de la cordillère des Andes. Là, deux survivants finissent des pieds de footballeurs grillés aux amandes. Reste la cuisse d’un feu steward, qu’Yvonne veut garder pour Noël, lubie qui rend fou de rage son mari, Lionel. Surgissent deux autres miraculés, un émeutier en passe de devenir El Presidente du Putchicador, et le compositeur de l’hymne du nouveau régime. Un cinquième débarque, général de l’armée qui alimentera tout le monde. Les héros repus rejoignent la jungle amazonienne, sa junte militaire et ses divas réincarnées en oiseaux. »
Et voilà que s’allient dans ce microcosme foldingue, anthropophagique et révolutionnaire, feintes amoureuses de vieux adolescents, bassesses de pleutres et illusions perdues, pour nous faire vivre ce conte qui décèle nombre de vérités venant nous titiller et nous amuser tout autant.
L’univers de Ribes est bien là. Les metteuses en scène Joséphine de Meaux et Mériam Korichi assistées par Jennifer Maria proposent une mise en vie audacieuse, tâtant de la poésie surréaliste dans un décorum scénique à l’apparence trash prononcée. Scénographie, costumes, lumières, sons et musiques sont également au service de cette proposition curieuse et inattendue qui oscille entre café-théâtre, vaudeville "farcesque" et tableaux à sketchs.
La distribution s’empare avec enthousiasme de cette partition sans doute difficile.
Un spectacle qui égrène les messages d’un texte savoureux baigné en permanence dans un rire cocasse, pas innocent du tout.
Un rire de résistance bien sûr.
Il y fait bon se laisser prendre par ces ravages improbables d’un réel passé au crible de la dénonciation des rapports de pouvoir entre les humains, que la fiction fort heureusement sait railler pour notre plus grand plaisir.
« Un Airbus crashé en haut de la cordillère des Andes. Là, deux survivants finissent des pieds de footballeurs grillés aux amandes. Reste la cuisse d’un feu steward, qu’Yvonne veut garder pour Noël, lubie qui rend fou de rage son mari, Lionel. Surgissent deux autres miraculés, un émeutier en passe de devenir El Presidente du Putchicador, et le compositeur de l’hymne du nouveau régime. Un cinquième débarque, général de l’armée qui alimentera tout le monde. Les héros repus rejoignent la jungle amazonienne, sa junte militaire et ses divas réincarnées en oiseaux. »
Et voilà que s’allient dans ce microcosme foldingue, anthropophagique et révolutionnaire, feintes amoureuses de vieux adolescents, bassesses de pleutres et illusions perdues, pour nous faire vivre ce conte qui décèle nombre de vérités venant nous titiller et nous amuser tout autant.
L’univers de Ribes est bien là. Les metteuses en scène Joséphine de Meaux et Mériam Korichi assistées par Jennifer Maria proposent une mise en vie audacieuse, tâtant de la poésie surréaliste dans un décorum scénique à l’apparence trash prononcée. Scénographie, costumes, lumières, sons et musiques sont également au service de cette proposition curieuse et inattendue qui oscille entre café-théâtre, vaudeville "farcesque" et tableaux à sketchs.
La distribution s’empare avec enthousiasme de cette partition sans doute difficile.
Un spectacle qui égrène les messages d’un texte savoureux baigné en permanence dans un rire cocasse, pas innocent du tout.
Un rire de résistance bien sûr.
« Le Montespan » de Jean Teulé adapté par Salomé Villers dans une mise en scène d’Etienne Launay à la Condition des soies est une visite de l’histoire par le petit bout de la lorgnette pour le plus célèbre cocu du XVIIe siècle.
La Montespan vous dit certainement quelque chose, la maîtresse, la favorite de Louis XIV. Eh bien cette histoire prend une tournure des plus cocasses avec les mésaventures de son mari.
Une belle histoire d’amour les unit pour le meilleur et pour le pire, un véritable coup de foudre entre Françoise de Rochechouart de Mortemart et Louis-Henri de Pardaillan de Gondrin, marquis de Montespan.
Pendant plusieurs années ils vont vivre une passion des plus folles, entre deux galipettes ils prendront le temps de respirer et auront deux enfants.
Seulement voilà cette vie insouciante ne remplit pas la bourse et les dettes s’accumulent.
Le marquis ne voit pas d’autre solution que d’aller faire la guerre au nom du roi, espérant des retombées financières. Tout ne se passe pas comme prévu et les dettes ne font qu’augmenter.
Cependant La Montespan par ses bons mots, son esprit, qui font merveilles dans le frivole Marais, devient la dame d’honneur de la reine. Une lueur d’espoir, avec cet honneur, naît pour renflouer les caisses.
Il ne reste plus qu’à gravir les échelons jusqu’à finir dans le lit du roi et par la même occasion lui fournir une descendance non prévue qu’il finira par reconnaître.
L’histoire serait bien simple, bien fade, si on s’en tenait à ces faits.
Le Montespan fou de jalousie, prêt à tout pour récupérer celle « qu’on aime qu’une fois dans sa vie », va déclarer une guerre sans merci au roi, allant même jusqu’à orner son carrosse de cornes gigantesques et s’habiller en habits de deuil. Des effets qui ne feront que le railler par la cour.
Sourd à une remarque qui lui disait que d’être cocu par le roi, c’était la chance de sa vie, qu’il ne fallait pas la rater, son épouse lui rétorquait qu’elle ne pouvait se dérober au désir du roi au risque d’être chassés de France.
Avec de multiples anecdotes mises en valeur dans un humour féroce, Etienne Launay a dans l’esprit du théâtre des tréteaux concocté une cavalcade de situations endiablées plus drôles les unes que les autres.
On rit beaucoup avec cette cuisinière aux accents de « zezette », ou encore avec le beau-père qui a vu sa dette effacée par le roi dans un délire à la de Funès avec sa cassette. Le clou de ces folies est celle du passage hilarant du jeune Don Carlos, complètement abruti, qui a beaucoup de mal avec l’Histoire : Olé !
Des scènes plus prenantes viennent émailler le récit avec notamment celle sur la fin de la vie de La Montespan, ou encore la messe noire sanglante et son décès.
Un Montespan qui avait beaucoup de mal à regarder la tête du roi sur les pièces de monnaie pour payer ses dettes, cela le faisait chier !
Simon Larvaron dans le rôle de Montespan donne toute son énergie pour faire vivre ce personnage au cœur meurtri mais fou de sa belle jusqu’à la tombe. Une belle présence émouvante.
Salomé Villiers dans ses multiples rôles dont celui de La Montespan nous charme avec son œil qui frise et son air coquin, pour une amoureuse des plus convaincantes. Une interprétation qui fut récompensée par le Molière 2022 de la révélation féminine.
Michaël Hirsch est à lui seul un tourbillon de rire avec ses pitreries dignes d’un bouffon du roi ou d’un arlequin. On ne s’ennuie pas une minute à le suivre dans le rôle de la cheville ouvrière.
Etienne Launay dans sa mise en scène démoniaque, au rythme très soutenu, assisté de Laura Favier, où l’on comprend dès la première scène que l’on va beaucoup s’amuser, s’est entouré d’une équipe remarquable pour mener à bien son projet : Virginie H pour les costumes, Emmanuel Charles pour le décor, Denis Koransky pour les lumières et Xavier Ferri pour la musique.
Un bonbon rafraîchissant qui se doit d’être dégusté avec enthousiasme, cette adaptation de Salomé Villiers est une vraie réussite et mérite votre détour.
Vue à Avignon
La Montespan vous dit certainement quelque chose, la maîtresse, la favorite de Louis XIV. Eh bien cette histoire prend une tournure des plus cocasses avec les mésaventures de son mari.
Une belle histoire d’amour les unit pour le meilleur et pour le pire, un véritable coup de foudre entre Françoise de Rochechouart de Mortemart et Louis-Henri de Pardaillan de Gondrin, marquis de Montespan.
Pendant plusieurs années ils vont vivre une passion des plus folles, entre deux galipettes ils prendront le temps de respirer et auront deux enfants.
Seulement voilà cette vie insouciante ne remplit pas la bourse et les dettes s’accumulent.
Le marquis ne voit pas d’autre solution que d’aller faire la guerre au nom du roi, espérant des retombées financières. Tout ne se passe pas comme prévu et les dettes ne font qu’augmenter.
Cependant La Montespan par ses bons mots, son esprit, qui font merveilles dans le frivole Marais, devient la dame d’honneur de la reine. Une lueur d’espoir, avec cet honneur, naît pour renflouer les caisses.
Il ne reste plus qu’à gravir les échelons jusqu’à finir dans le lit du roi et par la même occasion lui fournir une descendance non prévue qu’il finira par reconnaître.
L’histoire serait bien simple, bien fade, si on s’en tenait à ces faits.
Le Montespan fou de jalousie, prêt à tout pour récupérer celle « qu’on aime qu’une fois dans sa vie », va déclarer une guerre sans merci au roi, allant même jusqu’à orner son carrosse de cornes gigantesques et s’habiller en habits de deuil. Des effets qui ne feront que le railler par la cour.
Sourd à une remarque qui lui disait que d’être cocu par le roi, c’était la chance de sa vie, qu’il ne fallait pas la rater, son épouse lui rétorquait qu’elle ne pouvait se dérober au désir du roi au risque d’être chassés de France.
Avec de multiples anecdotes mises en valeur dans un humour féroce, Etienne Launay a dans l’esprit du théâtre des tréteaux concocté une cavalcade de situations endiablées plus drôles les unes que les autres.
On rit beaucoup avec cette cuisinière aux accents de « zezette », ou encore avec le beau-père qui a vu sa dette effacée par le roi dans un délire à la de Funès avec sa cassette. Le clou de ces folies est celle du passage hilarant du jeune Don Carlos, complètement abruti, qui a beaucoup de mal avec l’Histoire : Olé !
Des scènes plus prenantes viennent émailler le récit avec notamment celle sur la fin de la vie de La Montespan, ou encore la messe noire sanglante et son décès.
Un Montespan qui avait beaucoup de mal à regarder la tête du roi sur les pièces de monnaie pour payer ses dettes, cela le faisait chier !
Simon Larvaron dans le rôle de Montespan donne toute son énergie pour faire vivre ce personnage au cœur meurtri mais fou de sa belle jusqu’à la tombe. Une belle présence émouvante.
Salomé Villiers dans ses multiples rôles dont celui de La Montespan nous charme avec son œil qui frise et son air coquin, pour une amoureuse des plus convaincantes. Une interprétation qui fut récompensée par le Molière 2022 de la révélation féminine.
Michaël Hirsch est à lui seul un tourbillon de rire avec ses pitreries dignes d’un bouffon du roi ou d’un arlequin. On ne s’ennuie pas une minute à le suivre dans le rôle de la cheville ouvrière.
Etienne Launay dans sa mise en scène démoniaque, au rythme très soutenu, assisté de Laura Favier, où l’on comprend dès la première scène que l’on va beaucoup s’amuser, s’est entouré d’une équipe remarquable pour mener à bien son projet : Virginie H pour les costumes, Emmanuel Charles pour le décor, Denis Koransky pour les lumières et Xavier Ferri pour la musique.
Un bonbon rafraîchissant qui se doit d’être dégusté avec enthousiasme, cette adaptation de Salomé Villiers est une vraie réussite et mérite votre détour.
Vue à Avignon