... Une fresque théâtrale splendide et magistralement interprétée, où se dessine au-delà du « Frigo » de Copi une imagerie onirique, cocasse et fabuleuse, teintée de couleurs originales et audacieuses.

De superbes moments de théâtre à ne pas manquer.

Une comédie moyenne, sans aucune subtilité, sur le thème de « il n’y a pas que le physique qui compte ».
Deux hommes se disputent pour une femme, l’un beau, l’autre cultivé avec de l’humour. L’histoire aurait pu être amusante, hélas elle ne progresse pas. Nous en restons à la situation de départ.

Nous avons trouvé que la plupart des blagues étaient téléphonées. « Octave, je vais avoir besoin de réfléchir. » « Si tu veux un Break, j’en ai un, il est garé en bas. »
Sans parler de toutes les blagues faciles sur la beauté qui tombent les unes après les autres. Quelques moments drôles sont quand même noyés dans tout ça.

La mise en scène assez figée fait que les dialogues ne paraissent pas naturels et qu’il est plus difficile d’y croire.

Si vous connaissez et aimez l’humour de Laurent Ruquier, allez-y, vous serez charmés. Pour les autres, ce ne sera pas un supplice mais vous pourriez trouver bien mieux sur les scènes parisiennes !

Impressionnant le talent des peintres anglais du XVIIIe et XIXe siècle.

La première partie de l’exposition est la plus intéressante. Elle permet de faire le parallèle entre les oeuvres de Gainsborough et celles de Reynolds. Les portraits de ces deux artistes se ressemblent beaucoup mais en regardant bien, on distingue quelques différences dans le style.

Ensuite, nous découvrons notamment des portraits d’enfants (pas à notre goût), de sublimes tableaux de voyages en Inde, d’animaux...

Les oeuvres sont au final assez variées. Petits défauts, les textes sont inégaux et les salles sont sous-dimensionnées par rapport à la taille des tableaux.

Nous avons bien apprécié notre visite. Si vous y allez à une heure où l’affluence est correcte, vous pourrez même déguster une pâtisserie Angelina dans la cour du Musée ou à emporter dans le jardin du Luxembourg !

C'est un somptueux décor qui attend les spectateurs qui pénètrent dans la magnifique salle des Bouffes du Nord.
Un décor naufragé, une vision d'apocalypse, une vision de fin du monde...

Une énorme quantité de sable sur lequel reposent quantité de lattes de parquet désunies, des palettes, des éléments métalliques, des tuyaux de canalisations troués, une gigantesque proue complètement rouillée d'un ancien paquebot...
Un micro sur pied, relié à un petit élément de sonorisation.

C'est dans ce no man's land halluciné que pénètre un homme en haillons, faisant attention où il pose ses pieds nus, et qui se dirige directement en fond de scène pour... pisser.
Qui est-il, cet homme ? Nous n'allons pas tarder à le savoir...

Le metteur en scène Emmanuel Meirieu a adapté le livre de Patrick Declerck Les Naufragés, publié en 2003, et dans lequel l'auteur, philosophe de formation, docteur en anthropologie, ethnographe et psychanalyste raconte son travail pendant quinze ans.

Il a suivi la population des clochards de Paris, dans la rue, les gares, et notamment dans le centre d'accueil et de soins hospitaliers de Nanterre.
Cet homme qui va se planter devant le micro va nous dire les mots de Patrick Declerck.

La grande réussite de l'adaptation d'Emmanuel Meirieu, est d'avoir tiré une histoire de cet ouvrage ethnologique. Une intrigue narrative avec un personnage.

Le comédien François Cottrelle fait plus que nous dire les mots, rivé qu'il est derrière son micro. Il nous les fait exploser à la figure. La petite enceinte délivre un son qui déforme un peu sa voix, comme si un filtre nous faisait en permanence penser à la différence entre notre société propre sur elle et ce qui se passe vraiment.

Dans un premier temps, il nous décrit sans rien cacher, sans rien taire, ces hommes, ces femmes en marge de la société. Ces hommes et ces femmes qui puent la crasse, le mauvais vin, qui souffrent de multiples pathologies, qui se volent les uns les autres, ces hommes et ces femmes dont le quotidien repose bien souvent sur la haine et le peur.

Il nous décrit également « La maison de Nanterre », le centre d'accueil, avec des scènes insoutenables.
Des scènes réelles, des scènes qu'on ignore, des scènes qu'on veut nous faire ignorer.

Et puis, le comédien va nous faire faire la connaissance de Raymond.
Ce clochard, qui a donc vraiment existé, évoquait pour Patrick Declerck (qui travailla dans ce centre d'acceuil de nanterre) à Puck, le personnage shakespearien du Songe de la nuit d'été.

Raymond sera le personnage principal de la pièce.
Un destin, une descente aux enfers de la rue.
Une tentative de réinsertion dont il ne veut pas, sachant pertinemment, lucide qu'il est, qu'elle ne pourra aboutir.

Le retour à la cloche, le désespoir, la mort horrible.

« Il n'y aura pas eu de vie avant la mort », nous dit l'auteur, par la voix de François Cottrelle qui raconte cette pseudo vie-là et l'enquête pour savoir ce qu'est devenu le corps de Raymond.
Les épisodes de cette enquête nous montrent eux-aussi le manque total de considération accordé à ces clochards par les différentes institutions.

Oui, il y a une dimension shakespearienne dans tout ça.
D'autant que Puck-Raymond arrivera en personne sur scène, grâce à Stéphane Balmino, torse nu maquillé de plaques purulentes, de bubons, pour nous dire la fin du Songe, l'adresse finale aux spectateurs.

Le comédien nous chantera également une fascinante version de « No one knows I'm gone » (Personne ne sait que je suis parti), la très belle chanson de Tom Waits.

Nous, les spectateurs, étions complètement sonnés.
J'étais complètement accroché aux mots , presque hypnotisé par cette description d'un monde difficile, dur, impitoyable.
Un monde parallèle mais bien réel, dont peu de monde sait réellement le véritable caractère horrible.

Emmanuel Meirieu s'est donc servi très habilement et très judicieusement du médium théâtre.
Ici, son adaptation et ses parti-pris dramaturgiques sur un sujet difficile nous captivent et nous confrontent à une réalité sordide.

Quelle réussite !
Un spectacle coup de poing, qui ne peut laisser personne indifférent.

« Louise au parapluie » de et mise en scène par Emmanuel Robert-Espalieu au théâtre du Gymnase Marie Bell est une comédie d’actualité sur fond de tendresse.

Le parapluie continue son petit bonhomme de chemin contre vents et marées au théâtre du Gymnase Marie Bell.
Autant le dire tout de suite, je ne suis pas objectif, j’aime Myriam Boyer, j’aime sa présence sur scène, j’aime son jeu. Elle a une délicatesse dans son jeu qui vous retourne, qui vous captive.
Après l’avoir applaudie dans « Misery » au théâtre Hébertot avec son complice Francis Lombrail, où avec conviction et tout en finesse elle jouait une psychopathe, je me faisais un plaisir de la voir une nouvelle fois dans ses aventures et je n’ai pas été déçu.

Myriam Boyer a de la poésie dans la voix, quand elle évoque avec passion les parapluies qui passent entre ses mains, pour enfiler les baleines.

« Un parapluie c’est comme une fleur, la fleur s’ouvre sous le soleil et le parapluie s’ouvre sous la pluie… »

Un métier qui n’a rien de passionnant en soi mais qui a le mérite de remplir la marmite et d’éduquer son fils qui maintenant vole de ses propres ailes, mais dont le vol surprend plus d’une fois cette mère qui a bien du mal à comprendre les nouvelles technologies : follower, Youtube, Instagram, Twitter, Facebook, j’en passe et des meilleures.
Certes, une ouvrière qui n’a pas fait l’ENA, mais cela n’a en rien supprimé sa capacité de réflexion et son pouvoir d’analyse, bien sain au demeurant.
Sa logique est imparable et quand elle décide presque sur un coup de tête de se lancer dans l’aventure des municipales, son but n’est pas de faire de la politique mais de rendre la vie des ses concitoyens, excusez-moi je veux dire de ses amis, plus belle. Son slogan pour sa campagne : « Plus belle la vie ». Un engagement qu’elle prendra avec sa copine d’atelier Jacqueline, un nom surprenant pour son fils, quoique…

Il n’est pas nécessaire d’avoir fait des grandes écoles pour savoir quand il faut réparer une route, des travaux dans une école, ou encore bien d’autres choses qui facilitent la vie de tous les jours des hommes et des femmes, qui comme elle, se lèvent chaque matin pour contribuer, s’impliquer dans la vie de la commune : tout simplement être utiles.
Beaucoup de « politiques » devraient aller voir cette pièce et tirer profit de la sagesse de Louise.

D’ailleurs son fils, ex-sportif de haut niveau, un lancer de marteau qui finira par lui tourner la tête, reconverti dans la vente de « sa personne » sur internet, dans un premier temps dubitatif, hostile, à l’engagement de sa mère, finira par comprendre ses motivations profondes et sera un pilier à ses côtés pour mener à bien sa destinée.
Une destinée qui lui réservera à lui aussi bien des surprises : les chiens ne font pas des chats !

Dans un langage simple, qui ne veut pas dire simplet, dans un langage sensible où Myriam Boyer y met toute son émotion, une émotion voulue par Emmanuel Robert-Espalieu qui a mis en scène sa pièce avec la légèreté non pas d’une baleine mais d’une plume.
Dans une bienveillance où l’humour sera présent (dans un autre registre, un humour grinçant que j’avais apprécié au théâtre Tristan Bernard dans « C’était quand la dernière fois ? » avec Virginie Hocq et Zinedine Soualem ), il nous accompagne sur le chemin de la réflexion du bien-être de vivre ensemble en compagnie de Myriam Boyer, de Guillaume Viry qui joue sincèrement un fils attachant, à l’écoute de sa mère même si son hésitation première laissera place à l’amour qui lui porte ; et puis pour clore ce trio enthousiasmant, il y a la copine, le rayon de vie à la motivation sans failles, jouée par la solaire Prune Lichtlé.

Une comédie humaine pleine de bons sens à la Balzac qui mérite votre détour.