Son nom est Bond. Edward Bond.
Le dramaturge britannique qui place ses personnages et par là même ses spectateurs au sein d'enjeux à la fois poétiques et politiques.
Le dramaturge qui a décidé de faire de son théâtre par le biais de ces deux enjeux-là une entreprise de la connaissance de soi.

Cette entreprise-là est manifeste dans cette pièce courte, « Chaise », écrite en 2005.
Avec une question essentielle. Peut-être la plus complexe de toutes les questions.
« Comment on devient un homme ? » demande Billy à Alice.

Nous sommes en 2077. Une société ultra-totalitaire, fasciste au dernier degré, dans laquelle empathie et compassion sont prohibées, et ce qui est interdit prend beaucoup plus de place sur la liste que ce qui est permis.

Un deux-pièce. Un luxe pour Miss Acromby, qui étant sensée vivre seule, ne devrait disposer que d'un studio. Elle n'est pas pourtant pas seule.

Voici vingt-six ans qu'elle est hors-là-loi.
Elle a en effet recueilli illégalement Billy, qui vit reclus avec elle, sans jamais être sorti.
Il passe son temps à dessiner, ses œuvres sont affichées sur les murs de l'appartement.

Un jour, par sa fenêtre, Alice remarque dans un soldat et sa prisonnière.
Par compassion, elle décide de descendre une chaise pour le soldat, ou la prisonnière, eux qui attendent un autobus depuis plus de trois heures.
Tous les éléments du drame sont en place.

Maryse Estier a choisi de mettre en scène cette pièce qui fut créée au festival d'Avignon en 2006 par Alain Françon, qu'elle connaît bien, puis qu'elle fut son assistante, notamment dans sa version de la pièce de Tourgueniev « Un mois à la campagne ».

Celle qui fut Académicienne-Metteure en scène à la Comédie-Française et qui avait monté la saison passée un magnifique dyptique « Lampedusa Beach/Snow » » à la Comédie de Genève a donc voulu porter sur scène la noire et nécessaire lucidité, l'éclairante désespérance d'Edward Bond.

Elle continue ainsi son parcours rigoureux consacré à interroger elle aussi les paradoxes humains, ceux qui nous placent tous autant que nous sommes devant un terrible miroir.
En ce sens, il était assez naturel que la rencontre avec Bond ait lieu.

Ici, elle nous confronte à une épure.
Une table, deux chaises qui se font face à face.
Une fenêtre matérialisée à jardin. Une porte à cour. Et c'est tout. Le texte, les comédiens se suffiront à eux-mêmes.
Il faut dire que le lieu se prête admirablement à la scénographie de la pièce. Le plateau, les murs en pierre du Théâtre de l'Opprimé confèrent une austérité qui se prête admirablement au propos de la pièce.

Tous les acteurs sont en combinaison noire impersonnelle. Excepté Billy, le seul dont les chaussettes, le short et le sweat-shirt font émerger un semblant de reste d'humanité.

La direction d'acteurs de Melle Estier est à la fois stricte et précise, totalement maîtrisée. Il règne un sentiment d'évidence à voir évoluer les personnages au sein des deux lieux de la pièce.

Pierre Ostoya Magnin est un Billy impressionnant.
Le comédien confère à son personnage une étonnante dimension double. Il est ce jeune homme qui n'a pas pu grandir, candide, bon, enfantin, et il incarne également la plus grande des fureurs, des colères. Son Billy m'a beaucoup ému. La scène au cours de laquelle il casse ses crayons pour les reprendre par la suite est un très beau moment de théâtre.

Laurence Côte est Alice. Un rôle difficile, tout en retenue, qui demande de trouver la juste place du curseur. Le duo fonctionne parfaitement, les relations établies entre les deux personnages sont totalement crédibles, leur couple improbable mais tellement réel et attachant nous touche beaucoup.

Maxime Pambet joue le soldat avec un bel engagement et Emmanuelle Reymond est une « assistante antisociale » glaçante au possible, une enquêtrice qui va précipiter le dramatique dénouement.

Je regrette donc, vicissitudes de l'agenda obligent, de n'avoir pas pu assister bien plus tôt à la représentation de cette pièce.
C'est une bien belle entreprise théâtrale, totalement aboutie, sans concession, qui parvient parfaitement à transcrire l'univers et le propos d'Edward Bond.

J'espère vivement que cette production sera reprise ici ou là.
Je vous tiendrai évidemment au courant.

L'océan. La houle. Le mugissement des déferlantes.
L'océan par qui tout commence...
Y compris ce concert du célèbre Bagad de Lann-Bihoué.

Du bruit des vagues, dans le noir total tombé sur la salle, émerge une voix.
La voix du conteur, celui qui dit l'origine du bagad, celui qui dit la tradition, l'appel du large mais aussi de la musique celtique.

Et puis sans que nous les ayons aperçus s'installer sur leurs petites estrades respectives, nous découvrons les vingt-quatre sonneurs, les vingt-quatre bagadous .

Dans deux fins pinceaux de lumière en contre, deux bombardes entament une sorte de complainte mélancolique qui devient de plus en plus rythmée. Elles sont rejointes par les autres instruments du Bagad.
Le premier titre laisse augurer du meilleur, la rythmique si particulière donne déjà envie de remuer, de bouger, de se lever et de saisir la main de ses voisins-voisines pour se lancer dans un Fest-Noz de tous les ankous.

Lors de sa première intervention parlée, le penn-soner, le chef d'orchestre, le Quartier-Maître Jérôme Allanic, après nous avoir salués et souhaité la bienvenue, dédiera ce concert à la mémoire de Yann Fanch Kemener, le barbe breton qui vient de nous quitter.

Sur scène, trois groupes de sonneurs sont constitués.
Côté jardin, les souffleurs : bombardes, bien entendu, mais également clarinettes et saxo ténor.
Au centre du plateau, en retrait, les « frappeurs », les joueurs de caisse claire, des grosses caisses de tonalité différente, de petites percussions. Et un pianiste, chargé souvent de renforcer le côté mélodique, notamment dans les introductions musicales. Ces bagadou-là sont polyvalents, changeant souvent d'instrument.
Et last but not least, à cour, les six cornemuses, si traditionnelles, rouges sang, avec leur acastilage blanc, des instruments tellement populaires auprès des spectateurs.

J'en profite pour saluer mes voisins de rang, les membres de l'Amicale des Bretons de Clamart, qui s'étaient déplacés en force ! Voilà, ça c'est fait...

Les deux musiciennes et les vingt-deux musiciens sont de sacrés virtuoses, rompus à ce show. Leur soli respectifs le prouvent.

Grâce à eux tous, nous allons réaliser une bien belle ballade en Bretagne, en pays Bigouden, au pays de Léon, ou encore en Cornouaille.

Nous franchirons également les mers puisque des titres proviendront d'Irlande, de Galice ou encore... d'Amazonie !
Oui, oui, en Amazonie, puisqu'un ancien sonneur a rapporté d'un tour du monde une mélodie de cette région du monde arrangée par le Bagad, et désormais portée au programme du concert.

Le Penn-Bagad, le chef du groupe, le Major Pascal Olivier viendra présenter ses troupes, donner des détails techniques et historiques fort intéressants.

Et le concert se poursuit.
Cette musique si particulière, aux rythmes bien précis, si codifiés, avec ces mélodies aux modulations changeantes, cette musique invite immanquablement à bouger, à danser, à faire la fête.
C'est une musique chargée de racines culturelles millénaires, chargée de traditions ancestrales.

Ces vingt-quatre musiciens au couvre-chef au pompon rouge si célèbre, appelés à donner une soixantaine de concerts par an, en France et à l'étranger, représentent un héritage culturel essentiel.
Ils ont su perpétrer ces traditions en modernisant leurs prestations scéniques.

Désormais, tous les instruments sont sonorisés, avec des éclairages sophistiqués et une intendance technique importante.

La fin du show arrivera bien trôp tôt au goût du public, mais la chanson « La ballade irlandaise », popularisée naguère par Renaud et reprise en chœur viendra atténuer la frustration de la fin de concert...

Un sonneur lancera le béret de son camarade dans la foule... Il lui faudra insister pour le récupérer.
Dame, quel souvenir ça aurait fait !

Et puis bien entendu, la voix d'Alain Souchon s'élève :
« Dentelle première et premier chapeau
C´est pas toi qui y es
C´est pas toi qu'es beau
Tambour binaire et premier sabot
C´est pas toi qui y es
C´est pas toi qu'es beau... »

Allez ! Yec'hed Mat ! Vous reprendrez bien un verre de chouchen ? Kenavo !

« Jamais plus » de et mis en scène par Geoffrey Lopez au théâtre du Roi René est une histoire glaçante sur une jeunesse qui refuse le nazisme comme solution à son avenir.

Un texte qui réunit son auteur et son interprète Antoine Fichaux, tous deux sensibles à cette période et à cette histoire de ces jeunes qui ont osé dire stop, non au nazisme et qui le payèrent de leurs vies.
Cette fiction qui met en scène Frantz Weissenrabe, est basée sur des faits réels dont Geoffrey Lopez s’est inspiré, notamment avec le livre d’Inge Scholl, sœur aînée de Hans Scholl qui faisait partie de ce groupe de trois étudiants guillotinés par le bourreau Johann Reichhart, à la suite d’un procès éclair de seulement trois heures, mené par le juge chéri d’Hitler : Roland Freisler.

Nous sommes en février 1943, fraîchement rasé, Frantz notre héros, apparaît dans le brouillard telle une icône de cette jeunesse arienne, le regard déterminé aux yeux bleus perçants, la silhouette carrée, musclée, la position volontaire, dans les traits d’un Antoine Fichaux confondant de réalisme.
Un brouillard annonciateur de mort comme dans « Nuit et brouillard », la seule façon d’éradiquer ceux qui s’opposent au Reich : « les prisonniers disparaîtront sans laisser de trace… ».
Une jeunesse hitlérienne, pour les 14-18 ans, dont l’organisation fut fondée en 1922, mais qui à l’arrivée au pouvoir du parti nazi en 1933 comptait plus de 2 millions de sympathisants, à noter que l’embrigadement était obligatoire dès l’âge de 6 ans. Une jeunesse aveuglée, qui voua une admiration, une obéissance à ce dictateur Adolf Hitler, encadrée par un certain Himmler…

Mais aussi une jeunesse qui se réveilla et qui décida d’arrêter de vénérer ce seul parti nazi accepté, d’être ces bons petits soldats prêts à toutes ces exactions au nom d’une idéologie meurtrière.
Elle ne voulait plus être ce jouet que l’on manipule au gré des folies d’un homme qui avait perdu la raison.
Elle refusait dorénavant l’avenir que ce dictateur avait choisi pour eux : elle refusait de se soumettre, elle résistait.
Et c’est ainsi que quelques étudiants fondèrent le mouvement « La rose blanche » en juin 1942 : un élan d’humanité dans ce chaos orchestré par un fou.

Frantz, du fond de sa cellule, après son arrestation par la gestapo, écrit à sa mère, sans savoir si elle pourra le lire. Il lui raconte dans un premier temps le pourquoi du comment, sa séduction pour le parti nazi, son endoctrinement qui le poussa entre autres à exclure les juifs de l’Allemagne, les responsables de la crise tant martelée par Hitler lors de ses discours.
La violence devenait petit à petit son quotidien et il en prenait plaisir : il faut savoir être fort et ne pas pleurer comme une femme.
Frantz est le représentant type de cette jeunesse qu’Hitler affectionnait et qu’il façonna pour mener à bien son projet de domination de l’Europe.
Et puis dans un deuxième temps tout bascule, lui qui était prêt à tout pour satisfaire son maître, quitte à dénoncer son père qui cachait des juifs, ne supporte pas dans un sursaut de lucidité de le voir arrêté avec une famille juive ; une arrestation avec tant de violence qu’il se réveille, brise ses chaînes, et se met à fréquenter des étudiants de son âge à l’insouciance qui libère ses émotions et rejoint le mouvement « La rose blanche ».
Et c’est lors de la distribution de tracts, lancés dans la cour intérieure de l’université de Munich, qu’ils sont arrêtés tous les trois, interrogés, jugés, condamnés à mort pour haute trahison et exécutés dans la foulée le 22 février 1943, Sophie en premier.

Dans une belle élégance Antoine Fichaux endosse le rôle de ce jeune étudiant avec sobriété. Il incarne avec justesse et émotion les contradictions qui animent l’existence de Frantz. Dans un cri glaçant, il porte haut et clair cet appel qui doit nous faire réfléchir : « Jamais plus ».
Un appel qui de nos jours avec tous ces actes qu’ils soient antisémites ou autres, est malheureusement d’actualité et résonne en nous avec tristesse.

Dans une ode à la résistance, où le pardon peut trouver sa place, Geoffrey Lopez signe un texte magnifique et une mise en scène qui pointe du doigt tous les dangers que représente une telle société. Les jeux de lumière de Filipe Gomes Almeida, importants dans cette mise en scène, accentuent ce sentiment de malaise qu’il fait naître en nous. Les costumes de Patricia de Fenoyl, notamment avec la vareuse qui transforme notre Frantz en Hitler, donnent une touche réaliste à cette histoire. La musique de Brice Vincent accompagne avec finesse le parcours de Frantz dans ses réflexions.

« Ce n’est pas difficile de mourir. Il faut juste se laisser aller. Vivre demande plus d’exigence. »

C'est une voix reconnaissable entre toutes qui s'élève dans l'obscurité du théâtre Déjazet.
Une fois la salle plongée dans le noir, Daniel Mesguich nous éclaire.
Dans une annoncé pré-enregistrée, le metteur en scène nous rappelle les faits.

Agrippine désire se venger de l'empereur Tibère et de son favori Séjanus, qu'elle tient tous les deux pour responsables de la mort de son mari Germanicus. Ce même Tibère veut se débarrasser d'elle, jaloux de la popularité de cette veuve encombrante. Il craint pour son trône.

Le décor est planté. La vertigineuse et étourdissante tragédie, cette histoire de vengeance sombre au possible, cette histoire de violence peut commencer.

Hercule Savinien Cyrano, celui qui inspira à Rostand son héros, Cyrano donc, le libertin érudit, l'athée, a écrit en 1654 une tragédie d'une noirceur insondable, mettant l'accent sur la dissimulation, la tromperie, les faux-semblants, entre des caractères passionnés, entiers.

De façon poétique, philosophique, grâce à une étonnante langue aux alexandrins ciselés, l'auteur nous montre une femme aux prises avec les hommes, aux prises avec les passions humaines.

Une femme qui ne désire finalement qu'une chose : mourir afin de rejoindre son mari assassiné.

Daniel Mesguich s'est donc emparé de ce thème fondamental qu'est la mort, la non-vie, le passage, pour prolonger d'un point de vue quasi psychanalytique le propos de l'auteur.

Dans une nuit permanente, dépouillée (ici les éclairages serviront à créer les lumières, le clair-obscur de cette nuit), dans un plateau souvent vide, dans des costumes intemporels mélangeant les matières (on pense à Game of Thrones, aux dessins de Druillet ou Mézières), sur un plateau le plus souvent entièrement nu, les comédiens incarnent les personnages archétypaux et monstrueux, à la noirceur sidérale.

Une fumée envahit en permanence la cage de scène. Une fumée qui monte aux cieux, comme la métaphore d'une humanité qui voudrait s'élever, qui voudrait quitter son statut de mortel. Une fumée qu'il faut renouveler en permanence.
Une fumée qui participe à la dissimulation, à la confusion de ce qui se joue.

Sarah Mesguich est absolument époustouflante en lionne sauvage, en femme déchirée qui accomplit sa vengeance, sa destinée.

Son rôle est difficile, éprouvant, physique. Elle se débat comme une furie, se jette au sol, hurle parfois ses répliques, riant souvent de désespoir, enflammée, en colère, meurtrie.
C'est un incroyable portrait de femme que la comédienne nous peint.

Incroyable est l'épithète.
Tout au long de cette heure quarante, nous serons confrontés au verbe croire, et au thème de la croyance. Qu'est-ce que je dois croire, qui dois-je croire, qui puis-je croire ?

Car il mentent tous, ces personnages, ils feignent, ils dissimulent. Même l'empereur est incarné par une femme, la remarquable comédienne Sterenn Guirriec.
Daniel Mesguich ne nous abandonne pourtant pas face à ces mensonges en série.
Précédent de très nombreuses scènes, il a écrit et enregistré des passages nous permettant d'annoncer ce qui suit : « Où l'on apprend qu'Agrippine et son amant ont juré de tuer Tibère... »

Bien entendu, toute cette entreprise mensongère nous confronte à la vérité théâtrale. Il y là une vertigineuse réflexion consacrée à la représentation de ce que chaque spectateur tient pour vrai au théâtre, son degré d'acceptation de ce qu'on va lui monter.

A son habitude, le metteur en scène a particulièrement travaillé les personnages des favoris, des confidents.
Le thème du double est lui aussi omniprésent, le double-je, le double-miroir.

Les costumes participent à cet aspect de la dramaturgie, qui sont symétriques, entre le maître et son confident. Une manche droite en tissu vaporeux rouge se retrouvera à gauche sur le personnage-double. L'effet est très réussi.

C'est une impressionnante entreprise dramaturgique à la splendeur sombre et féroce qui nous est proposée au Déjazet.
C'est un maelstöm de passions que déferle sur scène, avec des fulgurances d'une force redoutable, parfois d'une actualité confondante.
Une pièce qui met en scène la libre pensée la plus radicale qui soit.
Hercule Savinien Cyrano l'athée, l'épicurien n'est pas dupe, lui qui brosse un tableau précis, impitoyable de la société dans laquelle il vit, face à des croyances destinées à l'asservir.

Il faut venir découvrir cette vertigineuse pièce, injustement méconnue, pratiquement jamais jouée et que Daniel Mesguich et ses comédiens nous donnent à découvrir.
C'est un intense voyage théâtral et intérieur auquel nous sommes conviés.

... Élégance maniérée et chaos exubérant sont au rendez-vous de cette revue de music-hall extravagante que finalement on adore ou l'on conchie, signée Arias. Nous, on adore !