Un grand cru, cet entre-deux mères !

Pas facile d'être mère.

Aucune école, aucune formation diplômante, aucune université n'apprend à devenir mère.
Chaque mère doit se débrouiller toute seule, glaner ici et là des conseils, des informations, des tuyaux dans des livres ou auprès de ses sœurs en maternité.

Souvent, tout ceci fonctionne.
Mais parfois, le logiciel maternel connaît des bugs. Et ce, pour de multiples raisons.

C'est ce qui est arrivé à Harpie.
Une femme qui a décidé de changer de prénom, après avoir abandonné sa fille dans un train.

La Harpie, une tête de femme sur un corps d'oiseau.
Les plumes noires, nous les voyons sur le manteau de ce personnage qui rôde autour du foyer de Minette et Deidre.

Nous n'allons pas tarder à comprendre qui est Minette pour Deidre.

Wendy Beckett a écrit cette belle pièce pour trois comédiennes.
Le sujet est périlleux.
Une fille tiraillée entre ses deux mamans : la maman biologique et la maman d'adoption.

Périlleux, parce qu'il serait très facile de verser dans la mièvrerie et le pathos de mauvais aloi.
Ici, il n'en est absolument rien.

Le texte de Miss Beckett, finement traduit par Dominique Hollier, nous raconte cette histoire de façon presque brute, quasiment de façon sociologique, sans jamais vouloir nous apitoyer sur qui que ce soit.
Ici, il n'est pas question de plaindre tel ou tel personnage, ni de porter un quelconque jugement.
Seuls les liens de la relation mère-fille seront subtilement exposés durant les quelque quatre-vingt minutes que dure la pièce.

Avec pour objectif de nous faire réfléchir sur les tenants et les aboutissants de l'adoption.
Tous les points de vue seront respectables, dans ce qui nous sera exposé.

Le texte. Et puis les comédiennes.
Il fallait trois actrices capables de nous faire vivre cette histoire sans donner dans le côté larmoyant.
Là encore, c'est pleinement le cas.

Le trio constitué par Hélène Babu, Christine Gagnepain et Rebecca Williams fonctionne à la perfection.

Hélène Babu, en mère couturière (Oh pardon ! Designer de mode, pas couturière...), sorte de cougar blonde obnubilée par les apparences, tentant de gommer l'irréparable outrage des années passées, portée sur la boisson, Hélène Babu est irréprochable.

A aucun moment, elle ne verse dans la caricature. Bien au contraire. Elle donne une réelle épaisseur à cette femme qui a subi bien des coups du sort. (Je ne développe volontairement pas...)
La comédienne nous fait parfaitement ressentir l'ambivalence de cette femme, pour qui nous avons à la fois de l'empathie et de la répulsion. Et puis, nous ressentons complètement sa peur de perdre sa fille.
C'est une composition épatante.

Tout comme celle de Rebecca Williams, qui incarne la fille de dix-sept ans.
Là encore, la comédienne est totalement crédible, elle qui nous fait partager le tiraillement de cette adolescente envers ses deux mères.

Harpie est interprété par Christine Gagnepain.
Le personnage est dans un premier temps assez mystérieux, symbolisé par une harpe projetée sur un rideau de tulle à cour.
Melle Gagnepain nous distille délicatement et progressivement les informations successives qui vont nous faire comprendre qui est cette femme vêtue de noir.
Souvent un côté poétique pointe dans son discours, qui tranche avec le côté un peu sociologique évoqué plus haut.
La comédienne nous propose elle aussi une bien belle composition.

Cette pièce est par ailleurs magnifique sur le plan visuel et sonore.

La scénographie de Halcyon Pratt, qui permet d'ouvrir le tout petit plateau de la salle Christian-Bérard est très réussie. Même de fausses prises électriques sont installées sur les plinthes. C'est vous dire le souci du détail !

Formidables également les nombreux costumes de Sylvie Skinazi, dans un style et une gamme de couleurs souvent très flashy fin des années 60.

Il me faut également mentionner la création musicale de Felicity Wilcox et le subtil design sonore de Mehdi Bourayou, que les habitués de ce site connaissent bien.

C'est donc un intense et bien beau moment de théâtre qui vous attend à l'Athénée-Louis Jouvet.
D'autant que cette pièce donne immanquablement envie d'imaginer le destin de ces trois femmes après que le noir final ait assombri la salle.
Une vraie réussite !

... Un spectacle détonant et ravissant. La critique sociale de Balzac est montrée et démontrée ici avec une précision alerte et volontariste. Un moment de théâtre de troupe bel et bon.

Les fidèles lecteurs de ce site le savent bien : je suis un vrai fan du travail d'Emeline Bayart.
Je vous rappelle ce que j'avais écrit à propos de son passage au Caf' conc' le Kibélé.
C'était ici :

Emeline Bayart - D'elle à lui - De la cour au jardin
http://delacouraujardin.over-blog.com/2020/02/emeline-bayart-d-elle-a-lui.html

J'avais donc hâte de la retrouver, cette fois-ci à l'Opéra Comique, pour un autre récital, intitulé cette fois-ci Affreuses, divines et méchantes.

Le principe de ce deuxième spectacle est le même.
Melle Bayart a sélectionné une vingtaine de chansons tirées du répertoire du Caf' Conc' ou quelquefois des titres plus récents.


Ces chansons, ce sont des petits morceaux de vie, des mini-pièces de théâtre, qui nous racontent des des femmes (surtout...) et quelques hommes confrontés bien souvent à l'adversité, à des tracas surréalistes, des problèmes de couple, ou encore des situations paroxystiques.
D'où le titre en question.

Les textes choisis sont très drôles, des instantanés exacerbés de la vie quotidienne que la comédienne-chanteuse interprète une nouvelle fois de façon hilarante.
Mais qu'est-ce que j'ai ri !

Emeline Bayart déploie à nouveau sa formidable vis comica, son énergie, son humour ravageur pour interpréter de façon drôlissime, parfois burlesque ces chansons-là.

Elle est avant tout comédienne, Emeline Bayart, ce qui lui permet de nous faire vivre devant nous ces personnages multiples et variés.

C'est ainsi que nous ferons la connaissance de cette femme qui nous dit « J'ai un faible pour les forts ». Cette chanson fut interprétée naguère par Pauline Carton.

Inoubliable également cette interprétation de « Je suis pocharde », que popularisa Yvette Guilbert.
La comédienne parvient à chanter toujours aussi bien en jouant le personnage d'une noceuse ayant abusé du Moët et Chandon...
Le public hurle alors de rire, et n'en croit pas ses yeux.
Oui, le champagne coule... (Et je n'en dis pas plus...)

Beaucoup de titres également avec des doubles sens et autres sous-entendus nous tirent bien des rires, comme « La tour Eiffel », interprétée naguère par Marguerite Duval.

A ses côtés, l'excellent Manuel Peskine au piano est toujours aussi imperturbable, campant quant à lui un personnage sévère, en contraste épatant avec la chanteuse.
Ces deux-là s'entendent comme larrons en foire.

Il faut noter que lui aussi aura droit à sa chanson, dans laquelle il nous démontrera de façon très amusante ses talents de polyglotte ! bon débarras ! Je vous laisse découvrir !

Les habitués de la Salle Favart ne s'y tompent pas : un tonnerre d'applaudissements rythmés, des « bravo » en veux-tu en voilà, des rappels nombreux viennent clôturer cette soirée.

Et puis deux titres en bonus.
« La gérontophile », version féminine de la chanson de Bernard Joyet.

« Mignonne allons voir si l'arthrose
A point d'effets libidineux! »

Et enfin « Ce concerto », qui nous démontre et rappelle de façon évidente la filiation artistique entre Emeline Bayart et la géniale Jacqueline Maillan.
Les petits pois et le beurre semblent alors valser dans la salle Georges-Bizet de l'Opéra Comique.

Un spectacle irrésistible et incontournable, vous dis-je !

Et j'étais sur la route, toute la sainte année...


Départementale, la route.
La route départementale, le personnage principal de cette pièce.

Comme souvent chez Peter Handke, tout part d'un lieu.
Un lieu métaphore.
Un lieu-non lieu, finalement.
Un lieu qui nous renvoie à notre société, notre monde.

Le tout nouveau prix Nobel 2019 nous propose selon ses propres mots d'assister à un rêve éveillé, un long poème dramatique, sans dialogues mais au contraire constitué de longs monologues.
Un rêve qui durerait quatre saisons. Une année entière.

Un rêve qu'il est difficile de raconter.

Il y aurait un Moi.
Ce Moi, ce pourrait-être l'auteur. Ou le narrateur.
En tout cas, un Moi-conflit, qui oscillerait entre les deux entités sus-nommées. Un Moi qui aurait deux esprits, deux âmes.
Un Moi qui s'adresserait à cette route, et surtout à ceux qui vont s'y trouver.
Eux aussi. Les Innocents.

Ces Innocents-là, ce serait un chœur, un groupe d'hommes et de femmes.
Ce pourrait-être le peuple, la majorité silencieuse s'opposant au Moi, le Tout au Seul, la Foule à l'Individu, la Communauté universelle à la Singularité humaine.
Mais finalement, s'affrontent-ils vraiment ces deux « personnages-là » ?


En tout cas, ce qui les réunit de façon indéniable, c'est la marche. Ils marchent tous, bien avant que la marche constitue une sorte de concept politique. Suivez mon regard.

On retrouve évidemment l'un des thèmes principaux du travail dramaturgique de l'auteur, à savoir l'angoisse de l'individu face à la société contemporaine dans laquelle il se débat.


Tout ce petit monde est présenté au printemps. Le temps du renouveau, des espérances aussi...


L'été sera le temps des griefs exposés, le moment de dire les choses, de mettre exergue les conceptions de la gouvernance du monde qui diffèrent,

« Comme elles me fatiguent, toutes les majorités », s'écriera l'un des deux Moi, alors que pour l'autre, c'est le salut...
La recherche puis la prise de parole de la fameuse Inconnue résoudront-elles ces conflits ?
Le temps réel de l'hiver (un chronographe apparaît pour nous signifier que nous ne sommes plus dans l'immatérialité temporelle) constituera le dernier acte du poème tragique et de la tragédie poétique.

Il faut être clair et appeler un chat un chat.
Durant ces deux heures et vingt, il faut s'accrocher.
Le texte de Handke n'est pas un texte toujours évident à suivre. Un texte parfois difficile.
(Ce fut en tout cas ce que j'ai ressenti.)

Plusieurs spectateurs sont partis assez tôt dans la pièce. Ils ont eu tort.

Tort, parce qu'il faut faire l'effort de se laisser immerger dans la langue de l'auteur, qui a lui-même traduit son texte de l'Allemand.
Ces longs monologues, ce sont des aria d'un oratorio complexe dans lequel les comédiens sont des instrumentistes.

De sacrés instrumentistes !

Ce que nous disent Gilles Privat (le Moi), Pierre-François Garel (Le chef de la tribu des Innocents), et Dominique Valadié (l'Inconnue), ce qu'ils nous disent et la façon dont ils le disent est fascinante.
Quel talent faut-il pour mettre en oralité de tels passages ardus, sans véritable fil narratif, sans dialoguer avec un partentaire !

Il faut vraiment être habité par son art pour pouvoir exprimer les longues logorrhées, les phrases et le style particuliers de l'auteur.
Melle Valadié, et MM Garel et Privat, habitués du travail avec Alain Françon, s'en sortent de façon merveilleuse et époustouflante.

La fin du poème sera constituée de sa propre critique. Lucidité. Encore et toujours.

A son habitude, la mise en scène d'Alain Françon est toute en délicatesse et subtilité.
C'est sans aucun doute à l'heure actuelle l'un des plus grands directeurs d'acteurs.

Les comédiens évoluent de façon on ne peut plus naturelle, « simple », il y a toujours quelque chose qui relève de l'évidence, comme à chaque fois chez Françon.
Une évidence qui est également le signe d'une vraie vision et d'une grande appropriation de l'œuvre de Handke.
Ses marcheurs évoluent dans une belle chorégraphie générale.

Je n'aurai garde d'oublier de mentionner les magnifiques lumières de Joël Hourbeigt, qui contribuent très artistiquement au propos de la pièce.

Ce très riche, foisonnant et très exigeant spectacle se mérite.
Il faut entrer dedans, accepter de se laisser porter par le texte, être conscient de ne pas tout saisir du premier coup (là encore, ce fut mon cas). Et se dire qu'on lira avec grand intérêt le texte de la pièce, édité chez Gallimard.

Mais au final, c'est une pièce qui nous oblige avec force à prendre conscience de la complexité de plus en plus grandissante de notre monde sur lequel Handke porte un regard à la fois implacable et très avisé.

-Docteur, je crois que j’ai un problème.
-Un problème. Qu’est-ce qui vous fait dire cela ?
-Hé bien, il n’y a pas si longtemps, sans prévenir, j’ai ri. Pas un peu. Non, non beaucoup.
-Ah. Et c’est un problème pour vous de rire ?
-Oui … enfin non … je ne sais pas. C’est grave ?
-Voyons cela. Pourriez-vous me dire comment cela s’est produit ?
-Eh bien, voilà. Un soir, je me suis installé dans mon siège au théâtre … comme d’habitude. La pièce a démarré … comme d’habitude. L’histoire était originale. L’action se situe dans le bureau du Chef de l’Etat, nouvellement élu, à quelques heures de sa première allocution. Problème. Dès qu’il entame son discours, il est pris de terribles démangeaisons (très désagréables pour lui je n’en doute pas, mais provoquant des mimiques irrésistibles pour les spectateurs). Impossible pour lui de se présenter devant les Français ainsi, ses conseillers engagent donc un éminent psychiatre afin de lui venir en aide …
-Mmmmh je vois. La politique vous fait donc rire ?
-Non, d’ailleurs, Par le bout du nez -c’est le nom de la pièce, Docteur- ne parle pas vraiment de politique contrairement à ce que l’histoire laisse supposer. Si la politique en constitue la toile de fond, cette pièce se veut plutôt centrée sur l’humain, son interaction avec les autres, l’influence de la parole ou du silence sur lui … Une sorte de psychanalyse du « moi ». Le tout enrobé d’une bonne dose d’humour (parfois grinçant), car cette comédie fait réellement passer une agréable soirée.
-Une agréable soirée, je vois. Agréable comment ?
-Ben agréable comme … agréable, quoi.
-Je vois, je vois. Je voudrais tenter quelque chose. Je vais vous dire un mot et vous allez me dire, sans réfléchir, ce qu’il vous évoque. Texte !
-Bien écrit. C’est vrai qu’il est bien écrit (il faut dire qu’on n’en attendait pas moins des auteurs ayant signé Le Prénom), fourmillant d’une multitude de petites références à l’histoire, au monde de la télévision et bien évidemment de la politique … Et je le redis, le tout avec humour.
-Et vous avez aimé cet humour ?
-Bien sûr, car cette pièce est drôle sans être caricaturale, ni méchante, ni bas de gamme. On ne vogue pas de clichés en clichés. C’est plutôt bien vu. Et au-delà du seul texte, la mise en scène permet aux joutes verbales de produire, à chaque fois, leurs effets. Pas facile d’organiser un tel ping-pong et pourtant aucun temps mort ressenti, c’est un vrai plaisir pour le spectateur. Le duo François Berléand / François-Xavier Demaison fonctionne du tonnerre. Le premier impayable dans un rôle de psy lui allant comme un gant, maniant à la perfection la rupture de rythme pour surprendre le public. Le second plus vrai que nature dans son costume bleu nuit, à l’apparence tellement sereine et pourtant intérieurement hurlant d’angoisse. Avec une certaine justesse, il parvient même à dépeindre, du tac-o-tac, certains tics de nos hommes politiques. Si l’un se joue à merveille des mots, l’autre n’a pas son pareil pour susciter le rire avec une attitude ou une mimique.
-Donc une bonne pièce ?
-Excellente même, une pièce que je conseille à tous recherchant une bonne soirée d’humour.