Valérie R42
Mini-Molière du Critique
45 ans
84 espions
Il n'y a pas que les têtes d'affiche au théâtre et heureusement !!!
Et de temps en temps chroniqueuse pour Aubalcon et pour Radio Mortimer.
Valérie R42
TW : @RogerQuaranted2
Et de temps en temps chroniqueuse pour Aubalcon et pour Radio Mortimer.
Valérie R42
TW : @RogerQuaranted2
Son blog : https://r42culturegourmande.wordpress.com
Son balcon
SAISON 2021-2022
Son challenge culturel !
Objectif de voir 50 pièces de théâtre
56%
28 pièces vues
Objectif de voir 15 expositions
60%
9 expos vues
Mini Molières
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Mini-Molière du Critique
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Après elle
Yves Poey
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Aller au Lucernaire, et s’accorder une belle heure à « soie ».
La soie.
La caresse d’un tissu si léger qu’on pense ne rien tenir dans la main…
la sensualité d’une étoffe qui effleure la peau imperceptiblement…
Le chatoiement des couleurs mordorées, propice à tous les désirs et tous les fantasmes.
La soie.
Un luxe nécessitant au XIXème siècle de longs et souvent périlleux voyages pour en obtenir la matière première, des périples commerciaux destinés à rapporter en Europe les œufs des vers à soie.
C’est son métier, à Hervé Joncour, le personnage principal du roman d’Alessandro Baricco, que de parcourir les contrées extrême-orientales afin d’acheter puis de revendre une fois revenu dans le midi de la France les précieux œufs.
L’auteur italien publie cet ouvrage en 1994, dans lequel il va nous présenter ce commerçant international qui va vivre une histoire d’amour peu commune au cours de ses périples commerciaux au Japon.
Des voyages initiatiques, une quête mélancolique d’un amour fantasmé et la recherche d’un sens à sa vie.
Sylvie Dorliat, dont j’avais beaucoup apprécié le dernier spectacle, «La petite fille de M. Linh », ici-même au Lucernaire, a eu la bonne idée de porter ce roman sur les planches, et de nous dire la belle langue musicale de l’auteur.
Si le personnage principal est bien un homme, trois femmes vont occuper les esprits en permanence.
Hélène, l’épouse de Joncour, qui l’attend à Villedieu une bonne partie de l’année.
Une jeune et troublante japonaise, probablement la maîtresse de Hara Kei, seigneur de guerre japonais.
Et puis Madame Blanche, une tenancière de bordel nîmois, grâce à qui nous comprendrons le fin mot de l’histoire.
Mademoiselle Dorliat, seule en scène, nous dit de sa voix un peu grave ce récit délicat, prenant différents voix et différents accents afin de faire parler tous les personnages du roman. (Baldabiou et le maire de Villedieu sont épatants…)
Elle nous envoûte à dérouler son discours, ne nous lâchant jamais durant tout le spectacle.
William Mesguich, à la mise en scène, contribue à mettre en exergue la sensualité du propos, avec notamment une vraie réussite en matière de création-lumières.
Les doux éclairages, les ambiances tamisées, les contre-jours délicats, les teintes ocres, orangées nous transportent dans l’onirisme du récit.
Il est parvenu à matérialiser les trois femmes évoquées plus haut en les suggérant très joliment, derrière des rideaux de fils noirs.
Et puis, il y aura la scène finale, très subtilement mise en images.
Les idéogrammes japonais seront magnifiés par la sensualité de la peau.
Et non, vous n’en saurez pas plus.
Voici une entreprise artistique comme je les aime.
Cette adaptation pour la scène très réussie de ce beau roman constitue un bien beau moment de théâtre, où tous les parti-pris dramaturgiques fonctionnent à la perfection.
Venez donc vous aussi vous envelopper dans cette belle soierie théâtrale.
La soie.
La caresse d’un tissu si léger qu’on pense ne rien tenir dans la main…
la sensualité d’une étoffe qui effleure la peau imperceptiblement…
Le chatoiement des couleurs mordorées, propice à tous les désirs et tous les fantasmes.
La soie.
Un luxe nécessitant au XIXème siècle de longs et souvent périlleux voyages pour en obtenir la matière première, des périples commerciaux destinés à rapporter en Europe les œufs des vers à soie.
C’est son métier, à Hervé Joncour, le personnage principal du roman d’Alessandro Baricco, que de parcourir les contrées extrême-orientales afin d’acheter puis de revendre une fois revenu dans le midi de la France les précieux œufs.
L’auteur italien publie cet ouvrage en 1994, dans lequel il va nous présenter ce commerçant international qui va vivre une histoire d’amour peu commune au cours de ses périples commerciaux au Japon.
Des voyages initiatiques, une quête mélancolique d’un amour fantasmé et la recherche d’un sens à sa vie.
Sylvie Dorliat, dont j’avais beaucoup apprécié le dernier spectacle, «La petite fille de M. Linh », ici-même au Lucernaire, a eu la bonne idée de porter ce roman sur les planches, et de nous dire la belle langue musicale de l’auteur.
Si le personnage principal est bien un homme, trois femmes vont occuper les esprits en permanence.
Hélène, l’épouse de Joncour, qui l’attend à Villedieu une bonne partie de l’année.
Une jeune et troublante japonaise, probablement la maîtresse de Hara Kei, seigneur de guerre japonais.
Et puis Madame Blanche, une tenancière de bordel nîmois, grâce à qui nous comprendrons le fin mot de l’histoire.
Mademoiselle Dorliat, seule en scène, nous dit de sa voix un peu grave ce récit délicat, prenant différents voix et différents accents afin de faire parler tous les personnages du roman. (Baldabiou et le maire de Villedieu sont épatants…)
Elle nous envoûte à dérouler son discours, ne nous lâchant jamais durant tout le spectacle.
William Mesguich, à la mise en scène, contribue à mettre en exergue la sensualité du propos, avec notamment une vraie réussite en matière de création-lumières.
Les doux éclairages, les ambiances tamisées, les contre-jours délicats, les teintes ocres, orangées nous transportent dans l’onirisme du récit.
Il est parvenu à matérialiser les trois femmes évoquées plus haut en les suggérant très joliment, derrière des rideaux de fils noirs.
Et puis, il y aura la scène finale, très subtilement mise en images.
Les idéogrammes japonais seront magnifiés par la sensualité de la peau.
Et non, vous n’en saurez pas plus.
Voici une entreprise artistique comme je les aime.
Cette adaptation pour la scène très réussie de ce beau roman constitue un bien beau moment de théâtre, où tous les parti-pris dramaturgiques fonctionnent à la perfection.
Venez donc vous aussi vous envelopper dans cette belle soierie théâtrale.
Allumette, gentille allumette,
Allumette, je te grillerai…
Avouez quand même qu’un type qui pose en très gros plan, le regard certes azur, mais dans le vague, avec une allumette qui sort de l’oreille droite, avouez quand même que ce type-là a raison de s’auto-qualifier de « givré », et même « plus que givré ».
Givré, c’était il y a dix-huit ans, date à laquelle Philippe Lelièvre créa ce spectacle éponyme, et que, sous la pression « d’une personne qui a insisté » (si si, puisqu’il le dit…), il a eu bonne idée de redonner, dans une version certes un peu remodelée, mais toujours aussi percutante.
Ou comment plonger une salle entière dans la plus grande hilarité !
Un one-man-show ? Un seul en scène ?
Certes. Mais avant tout, une fresque quasi-cinématographique, une épopée visuelle des temps modernes qui va nous raconter les avatars d’une troupe de théâtre, la célèbre « compagnie des Vagabonds de la Lune ».
Une répétition, puis un stage de travail dans une résidence du Perche.
Le théâtre dans le théâtre, une aventure complètement déjantée.
Les dessous de la création, et ceux des passions humaines associées.
Une espèce de version sous acide et sur les planches du film « La nuit américaine », de Truffaut, qui va nous montrer tous ces hommes et ces femmes, théâtreux-branquignols à qui mieux-mieux, à la fois histrions et bras cassés magnifiques, tous plus givrés (nous y voilà) les uns que les autres.
Sauf que…
Sauf que tous seront interprétés par Philippe Lelièvre.
Mis en scène de façon survitaminée par Arnaud Lemort, le comédien nous propose un véritable maelström scénographique, dans lequel, en changeant de gestuelles, de voix, de mimiques, d’attitudes, d’accents, de registre de langue, il se transforme en permanence pour interpréter cette poignée d’« artistes » empêtrés dans la production de leur vaudeville.
Un metteur en scène à la fois enthousiaste et désespéré, un comédien contraint de tourner des pubs à la fois caféinées et alimentaires, un second rôle à la tête étonnante (nous apprendrons évidemment les raisons de cette curiosité morphologique et électrique…), une jeune ingénue virginale, une actrice « chevronnée » d’un « certain » âge et à la voix rauque, fumant clope sur clope, un régisseur passionné de diverses techniques, un accessoiriste porté sur la dive bouteille, tous prendront vie et corps devant nous !
M. Lelièvre, ne ménageant vraiment ni sa peine, ni son énergie et encore moins sa formidable capacité à faire fonctionner nos zygomatiques, M. Lelièvre nous rend immédiatement attachants tous ces personnages hauts en couleurs, plus drôles les uns que les autres.
Et puis, honnêtement, on les connaît tous ces hommes et ces femmes qu’il nous décrit, on les a à peu près tous déjà rencontrés…
Moi, la comédienne à la voix rauque et à la cigarette allumée en permanence, je serai prêt à parier de qui il s’est inspiré… J’ai même deux petites idées...
De grands moments hilarants nous attendent.
Promotion du café ou encore du kevlar, (drôlissime, vous dis-je ), rappel de la gloire du caleçon d’aisance, un match enfiévré de freesbee, un rêve pour le moins onirique, un quasi-numéro de cirque devant un arbre, et bien d’autres…
Nous sommes véritablement emportés par ce tourbillon scénique.
Et puis le spectacle de Philippe Lelièvre est également un spectacle pédagogique, puisque des leçons de taxidermie, d’italien pour les nuls ou encore de pêche en eau douce nous seront délivrées.
( A propos de pêche et de lancer, le spectateur qui a hurlé hier de rire en entendant une réplique digne de Michel Audiard, c’était moi !)
Et puis, cerise sur le gâteau, le comédien, dans une scène très désaltérante, nous prouvera s’il le fallait encore sa faculté à improviser et à s’adresser à un public et dialoguer avec lui.
Un gag visuel épatant ponctue tout ceci.
On l’aura compris, il serait dommage de passer à côté de ce spectacle très drôle, dans lequel Philippe Lelièvre se démène comme un beau diable pour nous faire passer une heure et quart à la fois délirante et hilarante.
Créé en 2003, repris donc en 2021, ce spectacle sera assurément remonté dans une version intitulée « Encore plus que givré » et qui sera donnée dans dix-huit ans, c’est à dire en 2039.
Il faudra évidemment réserver bien à l’avance.
Je compte sur vous !
Allumette, je te grillerai…
Avouez quand même qu’un type qui pose en très gros plan, le regard certes azur, mais dans le vague, avec une allumette qui sort de l’oreille droite, avouez quand même que ce type-là a raison de s’auto-qualifier de « givré », et même « plus que givré ».
Givré, c’était il y a dix-huit ans, date à laquelle Philippe Lelièvre créa ce spectacle éponyme, et que, sous la pression « d’une personne qui a insisté » (si si, puisqu’il le dit…), il a eu bonne idée de redonner, dans une version certes un peu remodelée, mais toujours aussi percutante.
Ou comment plonger une salle entière dans la plus grande hilarité !
Un one-man-show ? Un seul en scène ?
Certes. Mais avant tout, une fresque quasi-cinématographique, une épopée visuelle des temps modernes qui va nous raconter les avatars d’une troupe de théâtre, la célèbre « compagnie des Vagabonds de la Lune ».
Une répétition, puis un stage de travail dans une résidence du Perche.
Le théâtre dans le théâtre, une aventure complètement déjantée.
Les dessous de la création, et ceux des passions humaines associées.
Une espèce de version sous acide et sur les planches du film « La nuit américaine », de Truffaut, qui va nous montrer tous ces hommes et ces femmes, théâtreux-branquignols à qui mieux-mieux, à la fois histrions et bras cassés magnifiques, tous plus givrés (nous y voilà) les uns que les autres.
Sauf que…
Sauf que tous seront interprétés par Philippe Lelièvre.
Mis en scène de façon survitaminée par Arnaud Lemort, le comédien nous propose un véritable maelström scénographique, dans lequel, en changeant de gestuelles, de voix, de mimiques, d’attitudes, d’accents, de registre de langue, il se transforme en permanence pour interpréter cette poignée d’« artistes » empêtrés dans la production de leur vaudeville.
Un metteur en scène à la fois enthousiaste et désespéré, un comédien contraint de tourner des pubs à la fois caféinées et alimentaires, un second rôle à la tête étonnante (nous apprendrons évidemment les raisons de cette curiosité morphologique et électrique…), une jeune ingénue virginale, une actrice « chevronnée » d’un « certain » âge et à la voix rauque, fumant clope sur clope, un régisseur passionné de diverses techniques, un accessoiriste porté sur la dive bouteille, tous prendront vie et corps devant nous !
M. Lelièvre, ne ménageant vraiment ni sa peine, ni son énergie et encore moins sa formidable capacité à faire fonctionner nos zygomatiques, M. Lelièvre nous rend immédiatement attachants tous ces personnages hauts en couleurs, plus drôles les uns que les autres.
Et puis, honnêtement, on les connaît tous ces hommes et ces femmes qu’il nous décrit, on les a à peu près tous déjà rencontrés…
Moi, la comédienne à la voix rauque et à la cigarette allumée en permanence, je serai prêt à parier de qui il s’est inspiré… J’ai même deux petites idées...
De grands moments hilarants nous attendent.
Promotion du café ou encore du kevlar, (drôlissime, vous dis-je ), rappel de la gloire du caleçon d’aisance, un match enfiévré de freesbee, un rêve pour le moins onirique, un quasi-numéro de cirque devant un arbre, et bien d’autres…
Nous sommes véritablement emportés par ce tourbillon scénique.
Et puis le spectacle de Philippe Lelièvre est également un spectacle pédagogique, puisque des leçons de taxidermie, d’italien pour les nuls ou encore de pêche en eau douce nous seront délivrées.
( A propos de pêche et de lancer, le spectateur qui a hurlé hier de rire en entendant une réplique digne de Michel Audiard, c’était moi !)
Et puis, cerise sur le gâteau, le comédien, dans une scène très désaltérante, nous prouvera s’il le fallait encore sa faculté à improviser et à s’adresser à un public et dialoguer avec lui.
Un gag visuel épatant ponctue tout ceci.
On l’aura compris, il serait dommage de passer à côté de ce spectacle très drôle, dans lequel Philippe Lelièvre se démène comme un beau diable pour nous faire passer une heure et quart à la fois délirante et hilarante.
Créé en 2003, repris donc en 2021, ce spectacle sera assurément remonté dans une version intitulée « Encore plus que givré » et qui sera donnée dans dix-huit ans, c’est à dire en 2039.
Il faudra évidemment réserver bien à l’avance.
Je compte sur vous !
... Un spectacle qui repose avant tout sur le brio de l’interprétation, où la tension entre les personnages saisit et suspend le fil de l’imaginaire entre réalisme et mémoire, observation et introjection. Une magistrale leçon de théâtre à savourer...
Elle, ce qu’elle voulait, c’est rencontrer Dieu.
Le sien. Son Dieu.
Pas l’autre. Celui-là, elle avait donné…
Non, son Dieu, à la jeune Chantal, c’était un Dieu romain. Pas ceux de la mythologie, non, un Dieu bien vivant.
Et c’est ce qu’elle a fait, l’ado fugueuse de 16 ans.
Direction Rome pour rencontrer Il Maestro Federico.
Frédérique le grand, le seul, l’unique.
Fellini.
Celui qui lui trouvera le surnom dont elle ne se départira plus.
Bunny Godillot nous invite, avec cette rencontre fondamentale, essentielle et initiatique, à participer à un passionnant voyage humain, à des allers-retours sur une vie et une carrière étonnantes.
Sa vie. Sa carrière.
Avec les moments d’émotion, d’humour ou parfois des mots un peu amers.
Une plongée en elle même à la recherche de Sa vérité.
Vérité ? Vraiment ? Vraie de vraie, cette vérité ?
Où est la part du réel et du fantasme ?
Où se situent le rêve et la réalité ?
Ces deux questions sont-elles vraiment importantes ? Bien sûr que non…
Nous aurons l’ivresse, alors qu’importe le flacon.
Seul celui qui contiendra le parfum de sa maman sera primordial.
L’entrée sur scène de Melle Godillot est fracassante.
Enorme sac en bandoulière, stilettos à fleurs, jupe noire à paillettes, c’est un vrai personnage bien décidé à en découdre qui nous fait face et se plante devant nous.
Comment se raconter ? Comment mettre en scène ce retour sur le passé ?
Le procédé dramaturgique utilisé va fonctionner à merveille : nous nous retrouvons avec l’actrice dans un cabinet d’une psy invisible mais onéreuse.
Devant un miroir imaginaire, le travail introspectif peut commencer.
La demoiselle va vider devant nous son sac. Au propre comme au figuré.
Immédiatement, j’ai été conquis par la qualité littéraire du texte peaufiné par l’auteure-comédienne.
Bunny Godillot s’est écrit un petit bijou, à base de formules tantôt drôles, très drôles, tantôt émouvantes, tantôt nostalgiques, tantôt provocatrices.
Des formules très felliniennes, en somme…
Je défie quiconque de ne pas se laisser envoûter par tout ce qu’elle nous raconte.
Ce début d’analyse à 1500 dollars la séance (quand même…) va se révéler très prenant, très émouvant.
Bien entendu, la rencontre avec le Maître est importante, mais au final, c’est bien la relation originelle avec ses parents en général et la maman en particulier qui est véritablement bouleversante.
La mère.
Celle que même une grande fille appelle à la rescousse, par le biais d’un psy, pour tenter de se connaître ou se reconnaître.
Oui, les passages en question sont fascinants.
Bien entendu, ce texte ne resterait qu’un écrit, s’il n’était pas interprété, et de quelle façon, par celle qui l'a imaginé.
Bunny Godillot, avec une grande élégance, et souvent une vraie grâce, nous le dit, ce récit – presque – autobiographique.
Elle nous embarque avec sa faconde, son humour, sa sensibilité, sa délicatesse aussi, dans les méandres de sa vie.
Nous voici dans Rome, puis dans la boucherie natale. Viennent ensuite un tête à tête jubilatoire avec son jaloux de chéri, puis direction le bureau de son agent pour le moins indélicat, ou encore la maison médicalisée où réside sa maman…
L’actrice (elle y tient) sait nous rendre accros à son récit, à son propos.
Elle est, mais nous le savions déjà, de la trempe des grandes raconteuses, des grandes diseuses de théâtre.
Derrière elle, les images Tony Tisch contribuent à illustrer le propos de l’autrice (elle y tient aussi), avec de jolies ombres chinoises (vive la contrebasse !), ou encore des photos d’archives familiales judicieusement choisies.
Je n’aurai garde d’oublier de mentionner également la belle bande-son de Cyril Rollet de Leiris, qui mêle musique et voix.
Il faut vous dépêcher d’aller applaudir Bunny Godillot, dans ce spectacle très réussi et à nul autre pareil.
Et la gondole vénitienne de remonter le Grand canal, comme une dernière métaphore, avant le noir final.
E la nave va !
Le sien. Son Dieu.
Pas l’autre. Celui-là, elle avait donné…
Non, son Dieu, à la jeune Chantal, c’était un Dieu romain. Pas ceux de la mythologie, non, un Dieu bien vivant.
Et c’est ce qu’elle a fait, l’ado fugueuse de 16 ans.
Direction Rome pour rencontrer Il Maestro Federico.
Frédérique le grand, le seul, l’unique.
Fellini.
Celui qui lui trouvera le surnom dont elle ne se départira plus.
Bunny Godillot nous invite, avec cette rencontre fondamentale, essentielle et initiatique, à participer à un passionnant voyage humain, à des allers-retours sur une vie et une carrière étonnantes.
Sa vie. Sa carrière.
Avec les moments d’émotion, d’humour ou parfois des mots un peu amers.
Une plongée en elle même à la recherche de Sa vérité.
Vérité ? Vraiment ? Vraie de vraie, cette vérité ?
Où est la part du réel et du fantasme ?
Où se situent le rêve et la réalité ?
Ces deux questions sont-elles vraiment importantes ? Bien sûr que non…
Nous aurons l’ivresse, alors qu’importe le flacon.
Seul celui qui contiendra le parfum de sa maman sera primordial.
L’entrée sur scène de Melle Godillot est fracassante.
Enorme sac en bandoulière, stilettos à fleurs, jupe noire à paillettes, c’est un vrai personnage bien décidé à en découdre qui nous fait face et se plante devant nous.
Comment se raconter ? Comment mettre en scène ce retour sur le passé ?
Le procédé dramaturgique utilisé va fonctionner à merveille : nous nous retrouvons avec l’actrice dans un cabinet d’une psy invisible mais onéreuse.
Devant un miroir imaginaire, le travail introspectif peut commencer.
La demoiselle va vider devant nous son sac. Au propre comme au figuré.
Immédiatement, j’ai été conquis par la qualité littéraire du texte peaufiné par l’auteure-comédienne.
Bunny Godillot s’est écrit un petit bijou, à base de formules tantôt drôles, très drôles, tantôt émouvantes, tantôt nostalgiques, tantôt provocatrices.
Des formules très felliniennes, en somme…
Je défie quiconque de ne pas se laisser envoûter par tout ce qu’elle nous raconte.
Ce début d’analyse à 1500 dollars la séance (quand même…) va se révéler très prenant, très émouvant.
Bien entendu, la rencontre avec le Maître est importante, mais au final, c’est bien la relation originelle avec ses parents en général et la maman en particulier qui est véritablement bouleversante.
La mère.
Celle que même une grande fille appelle à la rescousse, par le biais d’un psy, pour tenter de se connaître ou se reconnaître.
Oui, les passages en question sont fascinants.
Bien entendu, ce texte ne resterait qu’un écrit, s’il n’était pas interprété, et de quelle façon, par celle qui l'a imaginé.
Bunny Godillot, avec une grande élégance, et souvent une vraie grâce, nous le dit, ce récit – presque – autobiographique.
Elle nous embarque avec sa faconde, son humour, sa sensibilité, sa délicatesse aussi, dans les méandres de sa vie.
Nous voici dans Rome, puis dans la boucherie natale. Viennent ensuite un tête à tête jubilatoire avec son jaloux de chéri, puis direction le bureau de son agent pour le moins indélicat, ou encore la maison médicalisée où réside sa maman…
L’actrice (elle y tient) sait nous rendre accros à son récit, à son propos.
Elle est, mais nous le savions déjà, de la trempe des grandes raconteuses, des grandes diseuses de théâtre.
Derrière elle, les images Tony Tisch contribuent à illustrer le propos de l’autrice (elle y tient aussi), avec de jolies ombres chinoises (vive la contrebasse !), ou encore des photos d’archives familiales judicieusement choisies.
Je n’aurai garde d’oublier de mentionner également la belle bande-son de Cyril Rollet de Leiris, qui mêle musique et voix.
Il faut vous dépêcher d’aller applaudir Bunny Godillot, dans ce spectacle très réussi et à nul autre pareil.
Et la gondole vénitienne de remonter le Grand canal, comme une dernière métaphore, avant le noir final.
E la nave va !
Je pense donc je switche…
« This is a man’s world », chante James Brown, pendant que les spectateurs finissent de s’installer dans la salle du Théâtre Edgar.
Le monde d’un homme…
Le monde de Philippe.
Un monde somme toute réglé comme du papier à musique, partagé qu’il est depuis six ans entre sa femme et sa maîtresse.
Un monde normal, quoi.
(Non, Isa, pas taper… je retire l’épithète « normal »…)
Marc Fayet, qui reçut voici quelques années le Molière de la meilleure comédie, revisite pour notre plus grand plaisir le thème du triangle amoureux, avec cette comédie très réussie qui va provoquer bien des rires durant cette heure un quart qu’elle dure.
Une comédie qui aurait eu toute légitimité à figurer au programme de la célèbre émission « Au théâtre ce soir », ce qui sous mon traitement de texte est un vrai compliment.
Le trio mari-femme-maîtresse, donc.
Classique.
Sauf que le pitch de ce switch (pas facile à dire, essayez donc un peu…) consiste pour les deux jeunes femmes, lassées de cette situation, à vouloir échanger leurs fonctions sentimentales respectives.
L’épouse deviendra maîtresse, et vice-versa.
A partir de là, la vie du Philippe-Philou va virer au cauchemar.
Oui, nous allons beaucoup nous amuser.
Le premier ingrédient de cette machine à rire, c’est bien entendu l’écriture même de Marc Fayet.
Sous-entendus, double-sens, registre équestre pouvant s’appliquer à une certaine autre activité du genre humain, dialogues aux petits oignons, métaphores à la fois marines et océaniques, promotion à outrance de la sardine (Sardina pilchardus), tout est mis en œuvre pour faire fonctionner nos zygomatiques.
Le propos, jamais lourd (le sujet est casse-gueule, vous en conviendrez aisément…), le propos donc est spirituel et mine de rien, aborde le sujet de la bigamie avec plus de fond qu’il n’y paraît au premier abord.
Et puis, bien entendu, deux comédiennes et un comédien vont eux aussi se charger de déclencher les fou-rires.
Mis en scène par le patron des lieux, Luq Hamett, les trois vont s’en donner à cœur joie.
Emmanuelle Boidron est l’épouse de Philippe.
Elle est épatante, notamment en tentant de dégoûter d’elle son mari en plein milieu d’un repas dans un grand restaurant étoilé.
(Oui, oui, l’astucieux décor de Claude Pierson fait que nous nous retrouvons en plein établissement étretatais figurant à coup sûr dans le Michelin. Un grand merci au passage à ceux qui ne sont pas allés vérifier la véracité du gentilé « étretatais ». Votre confiance m’honore.)
Capucine Anav interprète quant à elle la maîtresse du Philou.
Certes, le personnage se dit psychologue, mais la comédienne nous démontre de façon jubilatoire que cette psychologie-là est assez relative. Et c’est un euphémisme...
Ses à-peu-près, ses formules alambiquées sont drôlissimes.
Ce duo féminin fonctionne à la perfection, nous croyons immédiatement à ces deux personnages attachants.
Et puis il y a celui dont je suis un fan absolu.
Alexandre Pesles et ses « Peslismes ».
(Je préfère inventer « Peslismes » à « Peslations », vous savez ce que c’est, on trouve tellement de gens mal intentionnés en cette triste vallée de larmes…)
Alexandre Pesle qui me comblerait d’aise rien qu’en me lisant l’annuaire inversé des entrepreneurs de pompes funèbres de la Meuse…
Les fidèles de ce site le savent : seul en scène ou en compagnie de petits camarades de jeu, ce type me fait rire, et pas qu’un peu.
Ici encore, ce sera un festival.
Ses airs naïfs, (ici, son personnage nous fera approcher tous les registres de la naïveté, qu’elle soit réelle ou fausse…), ses mimiques, ses adresses au public, sa gestuelle dégingandée, sa capacité à nous montrer un type qui a érigé la mauvaise foi en art appliqué, tout ceci est une nouvelle fois véritablement épatant.
Du grand Alexandre. Encore et toujours !
Au final, on passe une très belle soirée, dans le théâtre tout bleu du Boulevard Quinet.
On aurait tort de bouder cette comédie joliment ficelée, qui par ces temps maussades à la triste actualité, fait la promotion non seulement de la sardine (Sardina pilchardus) mais surtout d’un verbe de plus en plus rare et pourtant essentiel.
Le verbe rire.
« This is a man’s world », chante James Brown, pendant que les spectateurs finissent de s’installer dans la salle du Théâtre Edgar.
Le monde d’un homme…
Le monde de Philippe.
Un monde somme toute réglé comme du papier à musique, partagé qu’il est depuis six ans entre sa femme et sa maîtresse.
Un monde normal, quoi.
(Non, Isa, pas taper… je retire l’épithète « normal »…)
Marc Fayet, qui reçut voici quelques années le Molière de la meilleure comédie, revisite pour notre plus grand plaisir le thème du triangle amoureux, avec cette comédie très réussie qui va provoquer bien des rires durant cette heure un quart qu’elle dure.
Une comédie qui aurait eu toute légitimité à figurer au programme de la célèbre émission « Au théâtre ce soir », ce qui sous mon traitement de texte est un vrai compliment.
Le trio mari-femme-maîtresse, donc.
Classique.
Sauf que le pitch de ce switch (pas facile à dire, essayez donc un peu…) consiste pour les deux jeunes femmes, lassées de cette situation, à vouloir échanger leurs fonctions sentimentales respectives.
L’épouse deviendra maîtresse, et vice-versa.
A partir de là, la vie du Philippe-Philou va virer au cauchemar.
Oui, nous allons beaucoup nous amuser.
Le premier ingrédient de cette machine à rire, c’est bien entendu l’écriture même de Marc Fayet.
Sous-entendus, double-sens, registre équestre pouvant s’appliquer à une certaine autre activité du genre humain, dialogues aux petits oignons, métaphores à la fois marines et océaniques, promotion à outrance de la sardine (Sardina pilchardus), tout est mis en œuvre pour faire fonctionner nos zygomatiques.
Le propos, jamais lourd (le sujet est casse-gueule, vous en conviendrez aisément…), le propos donc est spirituel et mine de rien, aborde le sujet de la bigamie avec plus de fond qu’il n’y paraît au premier abord.
Et puis, bien entendu, deux comédiennes et un comédien vont eux aussi se charger de déclencher les fou-rires.
Mis en scène par le patron des lieux, Luq Hamett, les trois vont s’en donner à cœur joie.
Emmanuelle Boidron est l’épouse de Philippe.
Elle est épatante, notamment en tentant de dégoûter d’elle son mari en plein milieu d’un repas dans un grand restaurant étoilé.
(Oui, oui, l’astucieux décor de Claude Pierson fait que nous nous retrouvons en plein établissement étretatais figurant à coup sûr dans le Michelin. Un grand merci au passage à ceux qui ne sont pas allés vérifier la véracité du gentilé « étretatais ». Votre confiance m’honore.)
Capucine Anav interprète quant à elle la maîtresse du Philou.
Certes, le personnage se dit psychologue, mais la comédienne nous démontre de façon jubilatoire que cette psychologie-là est assez relative. Et c’est un euphémisme...
Ses à-peu-près, ses formules alambiquées sont drôlissimes.
Ce duo féminin fonctionne à la perfection, nous croyons immédiatement à ces deux personnages attachants.
Et puis il y a celui dont je suis un fan absolu.
Alexandre Pesles et ses « Peslismes ».
(Je préfère inventer « Peslismes » à « Peslations », vous savez ce que c’est, on trouve tellement de gens mal intentionnés en cette triste vallée de larmes…)
Alexandre Pesle qui me comblerait d’aise rien qu’en me lisant l’annuaire inversé des entrepreneurs de pompes funèbres de la Meuse…
Les fidèles de ce site le savent : seul en scène ou en compagnie de petits camarades de jeu, ce type me fait rire, et pas qu’un peu.
Ici encore, ce sera un festival.
Ses airs naïfs, (ici, son personnage nous fera approcher tous les registres de la naïveté, qu’elle soit réelle ou fausse…), ses mimiques, ses adresses au public, sa gestuelle dégingandée, sa capacité à nous montrer un type qui a érigé la mauvaise foi en art appliqué, tout ceci est une nouvelle fois véritablement épatant.
Du grand Alexandre. Encore et toujours !
Au final, on passe une très belle soirée, dans le théâtre tout bleu du Boulevard Quinet.
On aurait tort de bouder cette comédie joliment ficelée, qui par ces temps maussades à la triste actualité, fait la promotion non seulement de la sardine (Sardina pilchardus) mais surtout d’un verbe de plus en plus rare et pourtant essentiel.
Le verbe rire.
Je compte bien y aller ! j'ai vu une autre adaptation et mise en scène il y a quelques années avec Samuel Labarthe.