Décidément, il y a une folie belge !

Régulièrement, la Wallonie exporte dans notre hexagone des artistes qui viennent y faire souffler un vent de fantaisie, de burlesque et d'humour ravageur...
Comme par exemple Christian Hecq, Gelück, la Charline Vanœnacker, Elliot Jennicot...

Et Sofia Teillet !


La comédienne a élu domicile au Centre Wallonie-Bruxelles, rue Quincampoix, afin de nous instruire quant à un sujet trop passé sous silence : la sexualité des orchidées !

La conférencière nous attend derrière un petit bureau, derrière un Macbook prêt à nous délivrer son pédagogique Powerpoint.

Elle est à jardin... Normal...

Ensemble strict noir, escarpins assortis, petites lunettes...
Une maîtresse de conférence comme on en connaît tant.

Et puis, elle se lève, jauge attentivement la salle, fixe les spectateurs qui s'installent, adresse des petits sourires à quelques-uns...

Nous comprendrons à la fin de spectacle pourquoi ce regard perçant et acéré sur la salle...

Nous allons assister à un brillant spectacle, d'une grande érudition et surtout d'un humour qui va déclencher une quantité impressionnantes de rires, voire de fou-rires, de la part du public qui va se passionner pour un sujet dont il ignorait totalement les tenants et les aboutissants en entrant dans la salle. (C'était mon cas personnel, il me faut bien l'avouer...)

Melle Telliet va nous délivrer la bonne parole scientifique, en incarnant ce personnage décalé, parfois surréaliste, burlesque, loufoque, qui va s'enflammer sur son sujet.

Durant une heure, la comédienne va en effet vibrer, se passionner pour ce qu'elle raconte, en ayant bien conscience que la fleur dont elle va parler, c'est celle que l'on trouve « en promo chez Monoprix et dans les chiottes des restaurants japonais. »

Elle a du métier, Sofia Telliet.
Elle nous dit un texte parfois ardu, toujours vérifié scientifiquement, un texte qu'elle rend non seulement passionnant, mais très souvent on ne peut plus drôle.
Ses ruptures, ses décalages, ses sous-entendus, sa façon de buter sur certains mots, de laisser en suspens certaines phrases d'un air entendu, ses analogies et métaphores, tout ceci relève d'une réelle cocasserie.

Avec un vrai sens des formules !
Pas gagné de réussir à placer dans un spectacle : « Il est possible qu'un bout de jambon nous bouche le conduit ! ».
Elle y parvient ! Et nous de hurler de rire !

Au sortir de la salle, nous n'ignorerons plus rien de certains aspects passionnants de l'évolution animale et végétale, comme par exemple le lancer de cailloux voici treize millions d'années, la différence entre le tyrannosaure et l'orchidée, les dangers de l'aurofécondation, les trois buts d'une vie réussie ou encore l'utilité du vomi du poussin-goëland des Galapagos.

Et puis, elle ne fait pas que raconter.
Elle mime les choses, les actions principales, elle adopte des gestuelles et des attitudes hilarantes, elle imite les fleurs, les insectes. Elle se penche souvent en avant, pour nous témoigner de la passion de son personnage !
Elle dépense ainsi beaucoup d'énergie !

Autre point jubilatoire : elle s'identifie aux créatures qu'elle présente. « L'insecte va NOUS féconder ». Ce NOUS relève d'un anthropomorphisme qui renforce encore un peu plus l'humour ambiant.

La fin du spectacle va nous proposer une vraie réflexion.

Tout va partir de la baudroie abyssale, un poisson qui vit à 3000 mètres de fond, avec une pression pas possible sur la tête, et par grand choses à boulotter.

Elle l'imite, cette rascasse des profondeurs, monte même sur son bureau. Ses mimiques sont épatantes...

Elle va tirer de ce mode de vie et la façon de se reproduire, une assez vertigineuse réflexion sur notre point commun avec la fleur, à savoir la dimension du « vivant », sur notre place dans la nature, sur ce qui nous relie les uns aux autres en tant qu'espèce humaine.
Un vrai message philosophique se dégage alors.

Du rapport qui s'installe entre Mme et M. Baudroies abyssaux, Melle Teillet va tirer une extrapolation sur la relation salle / artiste, sur les rapports et interactions entre un public de spectateurs et ce qui se passe sur un plateau.
Comme tout ceci est intelligent et pertinent !

Au final, ce brillant spectacle (je me répète volontairement), qui allie science et humour, biologie et la plus débridée des fantaisies, est de ceux qui vous font vous sentir plus intelligents après l'avoir vu !

Et de ceux qui passent beaucoup trop vite !


Sofia Teillet se produira en novembre prochain à l'Etoile du Nord, et en février 2021 au 104.
Comptez sur moi pour vous le rappeler !

Ah ! J'allais oublier ! Une pensée émue pour Melle Vincent !

En France, c'est bien connu, tout commence et tout finit par des chaussons !
Ce sont en effet cinq paires de pantoufles qui nous accueillent, devant le rideau tiré de la mythique salle de l'Alhambra.

Nous n'allons pas tarder à comprendre le pourquoi de la présence de ces accessoires...
Le jour se lève sur le petit monde du groupe vocal Cinq de cœur ! Allez hop, tout le monde hors du lit !

Dans une première saynette très « morriconienne », très « straussienne », très « vivaldienne » et très « colemanienne », les cinq chanteurs vont débuter leur show.

Un remarquable show.
Un spectacle qui va mêler extraits du répertoire classique, tubes de comédies musicales, chansons françaises, qui va mettre en avant le talent vocal et lyrique a capella, l'humour déjanté, la drôlerie très spirituelle, sans oublier les runing-gags en tous genres.

Le talent de ces cinq-là, nous nous en rendons compte immédiatement !
Dans la chanson-titre du spectacle, composée par Raymond Lesénéchal et immortalisée par Sacha Distel, la qualité musicale de ces compères et commères saute aux oreilles.

Quelle technique vocale, quelle homogénéité des tessitures, quelle pâte sonore !

Dans la grande tradition des plus célèbres ensembles vocaux, les deux soprani Pascale Costes et Karine Sérafin, l'alto Sandrine Montcoudiol, le ténor Patrick Laviosa (par ailleurs virtuose du mégaphone) et la basse Fabian Ballarin (incomparable Beat boxer) vont nous enchanter.

La formation classique est évidente. Ces cinq-là savent y faire, c'est peu de l'écrire !

Et puis, chanter de la sorte, en exécutant toutes sortes d'irrésistibles gags visuels et gestuels, croyez-moi, ce n'est pas donné à tout le monde !
C'est d'ailleurs ce qui provoque les fous-rires de la salle, ce décalage entre la technique vocale irréprochable et la vis comica affirmée des artistes.


De grands moments nous attendent, parmi lesquels une version épatante du titre de Jean Yanne « Pourquoi m'as-tu mordu l'oreille ? », un « été indien » très amplifié, une œuvre de Saint-Preux très particulière ou encore des extraits de comédies musicales elles aussi interprétées de façon hilarante.
Mais je n'en dis pas plus...

Les arrangements sont somptueux, chacun-chacune à son tour étant soliste, les quatre autres assurant qui des contre-chants, des contrepoints, des vocalises ou encore des motifs rythmiques, à la manière de mon groupe vocal américain préféré, Take 6.

Des décalages, des ruptures, des moments de second degré pimentent le tout, pour nos plus grands bonheur et plaisir.


Une séquence formidable va décider de tous les dialogues parlés de cette heure et quart que dure le show. C'est malin, c'est très fin.

La mise en scène de Philippe Lelièvre est basée sur une judicieuse scénographie.

Cinq grands éléments de bois seront tour à tour des lits, des vestiaires, un bar, un tapis roulant, une console de DJ, un radeau, etc, etc...
Tout ceci est très intelligemment pensé et réalisé !

Et puis, insensiblement, nous recevrons également beaucoup d'émotion et de tendresse...

Impossible de laisser partir les cinq musiciens sans leur demander un rappel. Et quel rappel !
Et nous de continuer à siffloter dans la rue Yves Toudic la Soul Bossa Nova de Quincy Jones !

Avant de conclure ce papier, il me faut absolument mentionner Mathieu Bionnet pour sa remarquable prise de son FOH.

Nous percevons aisément grâce à lui toutes les subtilités des différents parties vocales.



Ah oui alors, c'est bon de voir ce show !

Ah bah d'accord ! Pas gêné ! J'ai compris ! Au temps pour moi ! C'est pas grave !

Oh le beau spectacle !
Rien de tel pour oublier la morosité ambiante !

Allez toutes affaires cessantes applaudir le groupe vocal Cinq de cœur à l'Alhambra !

Vous ne pourrez pas dire que vous ne saviez pas !

Cyrano, Cléopâtre, Pinocchio, même combat !
Vous nous menez par le bout de votre nez !

Alexandre Tourneur a eu l'excellente l'idée d'adapter et de mettre en scène l'œuvre trop méconnue de Carlo Collodi.
Trop méconnue, parce que phagocytée par ce qu'en firent naguère les studios Walt Disney, à savoir un conte édulcoré, raccourci, amputé à la fois de personnages et d'épisodes essentiels.

Pinocchio, c'est beaucoup plus que ce dessin animé-là.
C'est ce qu'a bien compris M. Tourneur, qui va restituer de bien belle manière ce chef d'œuvre de la littérature pour enfants, sages ou pas.

Sa vision se rapproche d'ailleurs de la merveilleuse série télévisée réalisée en 1972 par Luigi Comencini.

Collodi, journaliste politique engagé, auteur de manuels scolaires, éditeur, a fait de ce conte une redoutable peinture de la société inégalitaire de la fin du XIXème siècle dans laquelle il vit.

Et puis, ce que va chercher Pinocchio, c'est avant tout une quête éperdue de la liberté.

C'est ce que nous allons ressentir durant cette heure qui va passer beaucoup trop vite.


Alexandre Tourneur a mêlé bien des techniques du spectacle vivant afin de nous raconter cette histoire.


C'est un petit mais très joli castelet qui attend petits et grands sur la scène du Lucernaire.
Un monsieur Loyal, narrateur en queue de pie, ne va pas tarder à nous faire face.


On pense évidemment au monde du cirque, d'autant que des éléments de magie viennent nous surprendre.

Ainsi qu'un beau nez rouge (je n'en dis pas plus, ce nez rouge figurant bien dans l'œuvre originale.)

Il incarnera plusieurs personnages en chair et en os, y compris une fée bleue des plus réussies, sorte de Salomé aux sept voiles turquoise.
Les changements de costumes se déroulent le plus souvent à vue, de façon très naturelle et très réussie...

Pinocchio sera incarné par une comédienne masquée, en l'occurrence Mathilde Puget hier après-midi.
Sa gestuelle mécanique, ses ruptures, ses double-takes, son zézaiement sont épatants !
La scène du nez, tellement attendue, finit évidemment par arriver !

Des marionnettes feront leur apparition, à plusieurs reprises.
Le grillon, conscience du héros, est à cet égard hilarant, en slammeur digne de... Là encore, je vous laisse découvrir...

Le chat, le renard seront eux aussi « marionnettisés ». Tout ceci est très intelligent, et le procédé fonctionne à la perfection.

Une remarquable séquence d'ombres chinoises participe elle aussi au merveilleux de l'entreprise.
Une très belle scène, très inspirée.

Le second degré est présent, dans cette entreprise, ce qui provoque bien des rires de la part des plus grands spectacteurs.
A ce sujet, dans le spectacle, une référence « lucasienne » d'un personnage tout noir à la terrible respiration mécanique et sonore rejoint la réalité : Collodi était un grand asthmatique.

Une autre formidable scène de comédie provoque bien des rires : oui, Pinocchio et son père se retrouvent devant nos yeux en pleine mer Adriatique, dans le ventre du requin.
Le procédé utilisé est formidable !

Toutes ces manières différentes de nous raconter l'histoire fascinent petits et grands qui restent bien souvent bouche bée devant ce qu'ils voient. Témoin ma jeune voisine (à un siège de distance, évidemment), qui écarquillait les yeux en permanence.

Les adresses des deux comédiens aux petits spectateurs fonctionnent complètement.
Tous participent, un peu à la manière du Guignol lyonnais, à aider, à encourager, à défendre les héros !

On ne répétera jamais assez combien un public d'enfants est un public difficile.
Les applaudissement nourris, enthousiastes, les commentaires souvent très judicieux en sortant du théâtre témoignent de la grande réussite de cette adaptation.

Collodi peut dormir sur ses deux oreilles. Son œuvre est entre de très, mais alors très bonnes mains !

On les a brûlées...
Parce qu'elles faisaient peur, les sorcières, parce qu'elles étaient trop en phase avec les éléments, trop « connectées » avec les forces de la Nature, dirions-nous de nos jours, parce qu'elles avaient raison, parce qu'elle avaient l'exacte perception des choses. Parce qu'elles savaient.

Mais avant tout parce qu'elles étaient des femmes.

Dans la grande salle du poche-Montparnasse, nous avons rendez-vous avec deux de ces sorcières-là.
Deux sorcières des mots. Une sorcière des mots écrits et oralisés.
Marguerite et Macha.

Melle Méril a beaucoup fréquenté Marguerite Duras.
« Ce que j'aime chez, elle, c'est qu'elle n'a pas honte d'être une femme », écrit la comédienne dans un entretien publié dans le dossier de presse.
Marguerite Duras, celle qui SAIT, disait Lacan.
Marguerite Duras qui a cette conscience d'être femme, et qui nous a laissé cette conscience-là par des écrits et des mots


Ce sont justement ces mots qu'a choisi de nous faire partager Macha Méril.
Elle va nous dire un montage de textes, dont certains ont été publiés dans la revue Sorcières, une revue sous-titrée « Les femmes vivent ».

Le noir sur la scène...
On entend le vent, les bruits de la forêt, une chouette qui hulule, comme une plainte qui viendrait de sourdre...
C'est une ombre chinoise qui débute le spectacle. Ainsi qu'une voix qui monte.
Un profil et une voix reconnaissables entre tous.

Ils commencent à dire Duras, ce profil et cette voix.
Et puis, elle apparaît, venant du lointain.
Dans sa seule et longue robe toute simple, comme une chemise de bure écarlate, Melle Méril sembre prête à se rendre au bûcher.
Elle est cette sorcière, qui va nous envoûter de mots, qui va nous fasciner en disant les écrits de l'auteure.

Nous assistons à une leçon d'interprétation.

Durant ces soixantes minutes, il sera impossible de se détacher de la comédienne, ensorcelés que nous sommes par cette parole qu'elle s'est appropriée pour nous la restituer de façon si juste, si engagée, si concernée.

Nous voyons les sampans sur le mékong, nous avons dans la bouche le goût du riz gluant, nous avons mal pour cette femme qui vient de mettre au monde un enfant mort-né, nous rions avec la recette de la soupe de poireaux, à laquelle il faudra trouver un autre nom pour que les enfants puissent avoir envie de la goûter.

Mais surtout, surtout, nous savourons le discours non pas féministe de Duras, mais un discours qui dit « l'appréhension directe du monde qu'ont et qu'ont toujours eue les femmes ».



Le metteur en scène, Stéphan Druet, comme à son habitude, utilise très judicieusement l'élément sonore afin de suggérer les lieux évoqués.
Tout ceci est très subtil, avec des ambiances et de belles lumières (coup de chapeau à François Loiseau) qui illustrent parfaitement le propos.


Sans oublier Michel Legrand, dont les extraits d'œuvres collent eux aussi parfaitement aux textes dits.
Des musiques le plus souvent joyeuses, parfois tristes ou plus oniriques, étranges.

Une magnifique valse sera le prétexte à une sorte de sabat dansé.

Sur la scène, il règne une réelle harmonie entre tous ces éléments dramaturgiques, une harmonie qui sert d'écrin aux textes de Marguerite Duras.

On l'aura compris, il faut absolument aller voir Macha Méril.
Une leçon, vous dis-je !

Voyage, voyage,
Plus loin que WhatsApp et les jours...

Fin 2015, la journaliste Lucie Soullier restitue dans les colonnes du Monde un fil WhatsApp très particulier : cette conversation numérique va raconter le voyage de Dana et Kholio, deux damascènes émigrant de Syrie pour rejoindre l'Allemagne.
Toute une famille va correspondre ainsi, de façon numérique, accompagnant les deux migrants, partageant leurs doutes, leurs angoisses, leurs espoirs, découvrant les photographies prises et les sons enregistrés à cette occasion.

La metteuse en scène et dramaturge Cléa Petrolesi va s'emparer de cet article, pour transposer cette histoire sur un plateau.

Ce faisant, elle va nous proposer un remarquable moment de théâtre.
Ce théâtre qui sert à dire et raconter notre monde.
Elle va réussir au delà de toute espérance son entreprise artistique, et ce de deux principales manières : elle parvient d'une part à matérialiser sur le plateau la triste réalité de la migration d'hommes et de femmes, décidés parce que contraints à quitter leur pays et leurs proches.

Et puis surtout, elle réussit pleinement à transposer une écriture contemporaine, en l'occurrence l'écriture numérique, avec son langage propre, ses codes, ses émoticônes, ses lettres répétées, transposer donc, une écriture contemporaine en écriture théâtrale.

Là n'est pas le moindre mérite du spectacle. Bien au contraire.

Ce faisant, Melle Petrolesi, par ces deux parti-pris dramaturgiques, nous embarque véritablement dans ce voyage et dans ce récit actuel.

Sur le plateau, trois artistes.

Deux comédiens, Ava Baya et Benoît Lahoz.
Pour la metteure en scène et auteure, la solution de facilité aurait été de leur faire interpréter les deux personnages principaux.

Non, ici, elle va bien au-delà : les deux interprètes, irréprochables, vont faire en sorte, par bien des moyens, textuels, mais aussi scénographiques, de nous dire, de nous jouer, les messages de tous les membres de la famille.

Je ne vous les détaille pas, tous ces moyens, il vous faudra découvrir par vous mêmes tout ceci.
La scénographie très réussie de Léo Lagarde, Benjamin Gabrié et Matthieu Edet sert pleinement le propos.

Nous ne sommes jamais perdus, nous savons qui s'exprime, qui tape sur son smartphone, où il s'exprime et peut-être surtout quand il s'exprime.

En effet, le texte et la mise en scène de Clara Petrolesi met en relief également le facteur temps du fil WhatsApp.
Parfois les messages arrivent en bordée, parfois, il s'écoule un long moment entre les différents échanges.
Là aussi, totale réussite.

Et puis, c'est aussi un spectacle qui nous parle de l'Image.
Parce qu'avec un smartphone, on peut prendre des photos.

Sur scène, la photographe Caroline Gervay aura un rôle très important, celui de matérialiser les images échangées.
Grâce à une véritable chorégraphie, elle nous les dévoile, ces belles photos, elle les développe même, grâce à des bains de révélateur et de fixatif.

Les belles lumières de Carla Silva mettent subtilement en valeur ces images, fixes ou animées.
Il me faut également mentionner la très belle création sonore de David Couturier, digne d'un reportage radio.

Et puis, des enfants vont poser de vraies questions concernant la triste réalité humaine de ces voyages si souvent dramatiques.
Une petite séquence vidéo a été en effet insérée à très bon escient.

Des collégiens du lycée Lucie Aubrac, de Livry-Gargan, avec qui Cléa Petrolesi a travaillé en ateliers pédagogiques, ces collégiens vont s'exprimer et nous envoyer à la figure bien des interrogations.

Des questions très pertinentes, très justes, parfois drôles aussi, des questions qui nous permettent une mise en abyme et une intense réflexion.
Avec en prime un petit rap épatant !

Il faut donc aller voir ce remarquable spectacle (je répète l'épithète, volontairement ! ) .
Une auteure et metteure en scène nous confronte à la réalité de notre monde actuel, qu'elle soit politique, humaine, cette réalité, ainsi qu'à la contemporanéité de nos langue et écriture.

Elle nous raconte une sacrée tranche d'humanité.
C'est ça aussi et peut-être surtout, le théâtre ! Rendre compte !